Les Voyages de Gulliver, réalisé par Jack Sher avec Kerwin Mathews, Jo Morrow, June Thorburn…

Humble médecin dans une petite ville d’Angleterre, Gulliver rêve de découvrir le vaste monde. Quand, enfin, il peut le faire en embarquant sur un bateau à destination des Indes, une tempête le jette par-dessus bord. Quand il se réveille, c’est dans un étrange royaume, Lilliput, dont les habitants sont si petits qu’il pourrait leur marcher dessus. Petits, mais toujours prêts à en découdre avec leurs voisins de Blefuscu…

 
Questions sur le film :
1°) Qui se cache derrière les effets spéciaux des Voyages de Gulliver ? Douglas Trumbull, Phil Tippett ou Ray Harryhausen ?
2°) Combien d’adaptations cinématographiques compte le roman de Jonathan Swift ? Une dizaine, une quinzaine, une vingtaine ?
3°) Gulliver voyage et s’arrête à Laputa. A quel grand cinéaste pense-t-on lorsque l’on évoque Laputa ?
 
 
 
 
Réponses :
1°) Ray Harryhausen
2°) Une quinzaine
3°) Hayao Miyazaki

Avis de Grand Écart : un classique des classiques. Indémodable et indispensable. Un vrai moment de cinéma à l’ancienne et garanti sans fond vert !
Disponible en version collector combo blu-ray et DVD chez Sidonis Calysta

 

Un justicier dans la ville 1 & 2, réalisés par Michael Winner avec Charles Bronson…

1er opus : Quand il apprend la mort de sa femme, battue à mort, et le viol de sa fille, traumatisée à vie, l’architecte Paul Kersey contient sa douleur, sa colère. S’il se réfugie d’abord dans le travail, le révolver que lui offre un client texan décide de son destin. Armé, de plus en plus sûr de ses gestes, Kersey erre la nuit dans les quartiers les plus malfamés de New York, abattant tous ceux qui constituent une menace pour lui et la société…

2e opus : Cinq ans après avoir nettoyé les rues de New York de sa faune la moins fréquentable, Paul Kersey mène une existence paisible à Los Angeles, auprès d’une nouvelle compagne, une journaliste. Mais, à nouveau, le destin le frappe de plein fouet. Enlevée et violée par une bande de voyous, sa fille se suicide. Accablé, il retrouve un à un ses agresseurs et, de sang froid, leur applique le châtiment suprême.

Questions sur les films :
1°) Quel acteur américain fait ses débuts dans ce premier opus ? Michael Keaton, Jeff Goldblum, Nick Nolte
2°) Qui compose la bande-son d’Un justicier dans la ville ? Isaac Hayes, Herbie Hancock, Quincy Jones
3°) Qui compose la bande-son d’Un justicier dans la ville 2 ? Isaac Hayes, Jimmy Page, David Bowie
4°) Qui endosse le rôle de Charles Bronson dans le remake de 2017 ? Adam Driver, Bruce Willis, Mark Wahlberg
5°) Le succès relatif d’Un justicier dans la ville 2 signera-t-il la fin de la saga ? Vrai ou faux ?
 
 
 
 
Réponses :
1°) Jeff Goldblum
2°) Herbie Hancock
3°) Jimmy Page
4°) Bruce Willis
5°) Faux, Charles Bronson incarnera encore 3 fois le rôle de Paul Kersey

Avis de Grand Écart sur Un justicier dans la ville : un film d’action culte sur la vengeance et l’insuffisance de la justice. On y voit la ville de New York sous tension, craspec et poisseuse. Charles Bronson s’impose comme un action hero d’une rare brutalité.
Avis de Grand Écart sur Un justicier dans la ville 2 : encore plus bourrin et extrême que le premier opus, Un justicier dans la ville 2 se vit comme une expérience cathartique redoutable.
Disponible dans de superbes éditions DVD, blu-ray et collector chez Sidonis Calysta.

La Nuit des morts-vivants, réalisé par Tom Savini avec Tony Todd, Patricia Tallman, Tom Towles, Bill Moseley…

Un phénomène inexpliqué s’abat sur une région des Etats-Unis : les morts ressuscitent puis se jettent sur les vivants qui, infectés par leurs morsures, se transforment eux-mêmes en morts-vivants. Une jeune femme, Barbara, et un homme, Ben, se réfugient dans une maison isolée qu’encerclent bientôt les créatures enragées. Ils ignorent que d’autres survivants s’y cachent. Commence alors une longue et sanglante nuit…

Questions sur le film :
1°) La Nuit des morts-vivants est-il le remake de : Le Jour des morts-vivants, Le Crépuscule des morts-vivants, La Nuit des morts-vivants
2°) Pourquoi Tom Savini obtint la confiance de George Romero pour réaliser ce remake ? Tom Savini est le beau-frère de George Romero, Tom Savini devait travailler sur le film original, Tom Savini est le gendre de George Romero (attention, il y a un piège !)
3°) Pourquoi George Romero accepta de produire ce remake ? Parce que le film original est tombé dans le domaine public, parce que les studios obligèrent Romero à produire un remake, parce que Romero toucha une prime de 5 millions de dollars
 
 
 
 
Réponses :
1°) La Nuit des morts-vivants
2°) Tom Savini devait travailler sur le film original (il partit au Vietnam)
3°) Parce que le film est tombé dans le domaine public (et qu’il avait promis à l’équipe originale qu’il les rétribuerait un jour ou l’autre)

Avis de Grand Écart : Le remake de Savini respecte l’esprit de son créateur, George Romero, l’ami des zombies. Angoisse, frisson, horreur, ce cocktail spécial « samedi soir entre potes » enivre et remue les boyaux.
Disponible en DVD et Blu-ray dans une superbe édition collector chez Sidonis Calysta.

Les Boucaniers, réalisé par Anthony Quinn avec Yul Brynner, Charlton Heston, Charles Boyer, Claire Bloom, Inger Stevens, Woody Strode, Lorne Greene…

1812 en Louisiane. Installé dans les bayous de La Nouvelle-Orléans, le pirate français Jean Laffite contrôle toute la région, et tente de rester neutre dans le conflit qui oppose Américains et Britanniques. Mais son amour pour la fille du gouverneur Clairborne, va l’obliger à prendre parti et à s’engager au côté du général américain Andrew Jackson.

 
 
Questions sur le film :
1°) Qui produit le film ? Dino DeLaurentiis, Cecil B. DeMille, Stanley Kubrick
2°) Combien de films Anthony Quinn réalisera au cours de la longue carrière ? 1 film, 3 films, 6 films
3°) De quel film Les Boucaniers est-il le remake ? Les Corsaires du bayou, Les Flibustiers, Terreur en Louisiane
 
 
 
 
Réponses :
1°) Cecil B. DeMille
2°) 1 film
3°) Les Flibustiers (1937) réalisé par Cecil B. DeMille

Avis de Grand Écart : Anthony Quinn réalise une œuvre grand spectacle pleine de panache bien qu’un peu trop proprette (entendez par là « un poil académique »). Le master « haute définition » fait honneur au format cinémascope et au technicolor.
Disponible en DVD et blu-ray chez Sidonis Calysta.

Ouragan sur la Louisiane, réalisé par Bernard Vortrans avec John Wayne, Ona Munson, Henri Stephenson…

Avocat originaire du Nord des Etats-Unis, John Reynolds descend dans le Sud avec pour mission de débarrasser l’univers du jeu de ses éléments les plus notoirement convertis à la criminalité. S’il croit avoir trouvé un coupable en la personne du général Mirbeau, père de la jeune femme dont il s’éprend, il se trompe pour se rendre à l’évidence que c’est son bras droit, Blackie Williams, qui tire les ficelles, allant jusqu’à faire tuer un gagnant…

 
Questions sur le film et John Wayne :
1°) Ouragan sur la Louisiane sort en 1941 aux Etats-Unis mais en quelle année atteindra t-il les écrans français ? 1947, 1954, 1962
2°) Quel surnom porte John Wayne ? The King, The Duke, Big John
3°) De quel film True Grit des frères Coen s’inspire t-il ? Une Bible et un fusil, Cent dollars pour un shérif, Rooster Cogburn
 
 
 
 
Réponses :
1°) 1947
2°) The Duke
3°) Cent Dollars pour un shérif

Avis de Grand Écart : Ouragan sur la Louisiane raconte avec précision l’histoire ultra-complexe de l’ancienne province française prise dans l’étau des conflits entre Américains et Anglais. Un film court, efficace et passionnant.
Disponible en DVD et blu-ray chez Sidonis Calysta.

Le train sifflera trois fois réalisé par Fred Zinnemann avec Gary Cooper, Grace Kelly…

A peine marié, le shérif Will Kane apprend que Frank Miller, un homme qu’il a fait arrêter cinq ans plus tôt, arrivera en ville par le train de midi. Déjà, trois de ses complices l’y attendent. Le sens du devoir l’emportant sur la démission qu’il avait l’intention de donner, Kane espère cependant que quelques-uns de ses concitoyens prennent les armes avec lui. Aucun ne le suit. Bien que le combat s’annonce perdu d’avance, le shérif se dresse contre les bandits…

Questions sur le film :
1°) Quel acteur de légende apparaît pour la première fois ? Max Von Sydow, Lee Van Cleef, Llyod Bridges
2°) Le train sifflera trois fois se déroule t-il ? En temps réel, en flash-back, dans l’esprit d’un mort
3°) Le film reçut : 4 oscars, 6 oscars, 10 oscars
 
 
 
 
Réponses:
1°) Lee Van Cleef
2°) En temps réel
3°) 4 oscars (meilleur acteur, meilleur montage, meilleure musique, meilleure chanson)

Avis de Grand Écart : un sublime western, un chef-d’œuvre du cinéma. Ni plus ni moins. La version proposée par Sidonis Calysta est superbe.
Disponible en combo DVD et blu-ray collector.

Le méga-coffret de la mort

Votre attention s’il vous plaît. Avant de prendre un plaisir fou à lire cet article troussé avec mon cœur et mes tripes, j’aimerais si vous me le permettez, et vous me le permettez, vous informer de la parution du superbe « Coffret Luxe Collector numéroté série limitée ». Rien que ça !
En effet, pour cette fin d’année, Sidonis Calysta crée l’événement avec son énormissime coffret bourré ras la couscoussière de 30 westerns. Autant de chefs-d’œuvre à mater pour les longues soirées d’hiver, seul ou accompagné. Un coffret qui regroupe Le Jardin du diable, La Lance brisée, La Flèche brisée, Quand les tambours s’arrêteront, Rio Conchos, L’Homme aux colts d’or, entre autres, ne peut faire que le bonheur des aficionados de la vie dans le Grand Ouest. Le must du must. Ce n’est pas tout ! Attention les yeux mesdames, mesdemoiselles et messieurs ! Le coffret comprend également L’Encyclopédie du western goupillé par Patrick Brion himself et ses petits doigts boudinés (836 pages en 2 volumes pour tout savoir sur le genre accompagné d’un dépliant de la conquête de l’Ouest et des splendides Lobby Cards). Que demande le peuple ? Du pain et de la brioche, je sais ! Aussi vous trouverez inclus dans la boîte un certificat d’authenticité numéroté qui prouve que vous êtes l’heureux propriétaire du « Coffret Luxe Collector numéroté série limitée ». Les 30 fac-similés symbolisent à eux seuls l’ultime cerise sur le gâteau.

Vengeance à l’aube de George Sherman avec Rory Calhoun, Piper Lorie, David Brian…

Brett Wade (Rory Calhoun), joueur, habile au pistolet, est blessé dans une fusillade avec le clan Ferris. Le médecin constate des signes de la tuberculose. En route vers le Colorado pour sa santé, Brett s’arrête à Socorro, Nouveau-Mexique avec Ferris (Lee Van Cleef) qui a la gâchette facile. Le sheriff Cauthen (Edgar Buchanan) craint une nouvelle fusillade, mais ce que Brett a à l’esprit c’est de sauver son amie Rannah Hayes (Piper Laurie) de sa vie de fille du saloon de Dick Braden (David Brian).
Un grand film de George Sherman. Cette histoire toute simple qui nous captive dès les premières secondes a le mérite de ne jamais faiblir. Il serait plus juste de préciser que la tension ne cesse de croître jusqu’au dénouement. Vous êtes prévenus ! 80 minutes qui vont crescendo. Sherman a trop souvent abandonné son cinéma sur l’autel de l’alimentaire, bâclant ses histoires après seulement une demi-heure. Les connaisseurs reprochent aux réalisateurs de ne pas tenir la distance. Vengeance à l’aube, aussi soigné sur le fond que sur la forme, offre un spectacle fort et émouvant qui mêle habilement les codes du western pur et dur à ceux du drame psychologique. Vengeance à l’aube reste une série B mais une fabuleuse série B. Très recommandé.

Little Big Horn de Charles Marquis Warren avec Lloyd Bridges, John Ireland, Mary Windsor…

Le détachement de cavalerie commandé par le capitaine Phillip Donlin (Lloyd Bridges) et son lieutenant John Haywood (John Ireland) apprend que les Sioux et Cheyennes s’apprêtent à tendre un piège à Custer ; ils doivent aller à sa rencontre et le prévenir, mais l’antagonisme entre le capitaine et son lieutenant vont compliquer la situation. Ils vont être harcelés par les Indiens et bon nombre vont périr sans pouvoir prévenir Custer.
Little Big Horn n’est plus une rareté. C’est même l’un de ces films rentrés dans la légende du petit cinématographe après avoir rendu complètement zinzins les chercheurs de bobines les plus aguerris. En effet, les quelques privilégiés qui ont pu voir la bête au début des années 1950 ne tarissaient pas d’éloges à son endroit. Oui, mais pourquoi une telle réputation ? Hein ? Eh bien, je vous le dis. Parce que la confrontation virile entre le capitaine et son lieutenant nourrit des échanges d’une grande qualité sur les dispositifs de tactique et stratégie militaire. Avant la désastreuse épopée de Custer à Little Big Horn, il est ici déjà question de suicide collectif comme s’il s’agissait d’un ultime avertissement. Les nombreux accents de thriller sont tout à fait délectables. Un western à haute teneur en intelligence.

Un Colt nommé Gannon de James Goldstone avec Anthony Franciosa, Mickael Sarrazin, Judy West…

Gannon est un cow-boy indompté, qui déteste les barbelés. En revenant du Kansas, il se lie d’amitié avec un jeune garçon, Jess, qui s’attache aveuglément à ses pas. Engagés au ranch de Reed, ils ne tardent pas à entrer en conflit à propos de leur belle patronne. A l’arrivée des troupeaux, les fermiers se regroupent pour enclore et protéger leurs terres. Gannon se joint à eux malgré sa haine des barbelés, puis retourne vers une destination inconnue…
Un western de prairie. Un western de cow-boy solitaire. Un western d’hommes qui se disputent la patronne. Eh oui, c’est qu’elle a des sous la patronne, et une sacrée croupe. En 1968, le western n’est plus à la mode car la génération « Nouvel Hollywood » est en passe d’imposer sa patte. Sans compter que cette vieille baderne de Sam Peckinpah ringardise le genre film après film.
Un Colt nommé Gannon célèbre le héros à l’ancienne, l’homme libre qui passe et que l’on ne revoit pas. Vous serez face à un paradoxe avec ce western classique et décalé.
Une véritable curiosité de la part du réalisateur du génial Le Toboggan de la mort.

Les Fusils du Far West de David Lowell Rich avec Don Murray, Gary Stockwell, Abby Dalton…

Le chef des Cheyennes, Black Kettle, accepte de jouer les intermédiaires pour calmer le combat qui oppose Bill Hickok au grand chef indien Crazy Knife. En retour, Calamity Jane et leur ami Buffalo Bill interviennent pour éviter un bain de sang entre les Cheyennes et l’armée américaine…
Un western à papa comme on les aime où les héros et les antihéros symboles du Far West se tirent joyeusement la bourre. Ce n’est pas ce western qui risque de vous retourner le cerveau, mais il est bien bonnard.

Tous ces westerns sont édités et disponibles chez Sidonis Calysta.

Vous ne connaissez peut-être pas leurs noms, mais vous avez forcément vu leurs travaux. Dans Les Oiseaux d’Alfred Hitchcock, Les Dix Commandements de Cecil B. DeMille, ou encore La Mouche de David Cronenberg. Rien que ça, et bien d’autres encore. Harold au storyboarding (1) et sa femme Lillian à la documentation (2) : en soixante ans de carrière, de l’âge d’or des grands studios à l’ère du New Hollywood, ils ont créé certaines des images les plus marquantes de l’histoire du cinéma.

A travers de nombreux témoignages et documents d’archives, le pétillant documentaire du réalisateur américain Daniel Raim offre une vision légère et précise du parcours du couple le plus créatif d’Hollywood. C’est aussi une plongée dans l’univers des techniciens du film, ceux qui font le cinéma avec talent et discrétion, en laissant la gloire à d’autres. Où l’on apprend qu’un simple storyboarder peut être à l’origine de cadrages spectaculaires qui ont fait la célébrité d’un certain Alfred H… C’est enfin l’histoire du coup de tête d’une jeune femme transformé en amour durable doublé d’une collaboration fructueuse.

Rencontre avec le réalisateur Daniel Raim, qui signe ici son troisième documentaire.

Comment avez-vous entendu parler de Lillian et Harold ? Sont-ils très connus aux Etats-Unis ?

Pas du grand public, non… J’ai eu la chance de les rencontrer il y a quelques années, quand je finissais mes études à l’American Film Institute. Je voulais monter un documentaire sur l’œuvre de mon professeur Robert Boyle, qui avait été directeur artistique d’Alfred Hitchcock, donc le patron de Harold sur certains films. Pour tourner une scène de mon projet, nous sommes montés tous les quatre à Bodega Bay, un village de Californie du Nord où ils avaient fait Les Oiseaux trente-sept ans auparavant. C’est comme ça que je suis devenu ami avec Harold et Lillian… Quand j’ai commencé à tourner le documentaire sur leur vie en 2013, six ans après le décès de Harold, je me suis rendu compte qu’il y avait des centaines de gamins comme moi qui les avaient rencontrés et qui avaient l’impression d’être un peu leurs enfants. Ils dégageaient beaucoup de chaleur et de gentillesse, ils ont aidé de nombreux jeunes à lancer leur carrière dans le cinéma.

Tout votre travail porte sur cet âge d’or d’Hollywood…

Oui, Harold and Lillian est le troisième volet d’une trilogie sur ceux qui ont fait le cinéma de cette époque. Le premier documentaire, qui retrace le parcours de Robert Boyle, s’appelle The Man On Lincoln’s Nose, qui était le premier titre de La Mort Aux trousses, et il a été nominé aux Oscars. Après ça, je me suis mis à filmer tous ces admirables vieux excentriques qui ont fait le cinéma hollywoodien, de l’âge d’or au New Hollywood. J’ai voulu les interroger sur leur passion du cinéma, leurs valeurs créatives… Ca a donné le documentaire Something’s Gonna Live. Et maintenant, Harold et Lillian Michelson.

Alors, qu’ont-ils d’exceptionnel ?

Ils étaient extrêmement doués, créatifs et dévoués. Harold avait un talent extraordinaire pour dessiner ses storyboards en montrant exactement ce que la caméra pouvait capturer selon l’objectif employé, le film, la largeur d’angle, le point de vue, etc… Il avait un sens aigu de la perspective. C’est très rare. Ca arrivait que le caméraman tombe sur son travail et veuille savoir qui se mêlait de régler sa caméra pour lui… Au-delà de ça, il pouvait rentrer dans le cerveau du réalisateur et dessiner toute une action, cadre par cadre, sur le papier. On m’a même dit que ses storyboards étaient parfois meilleurs que le film.

Le film laisse entendre qu’il serait l’auteur de certains cadrages célèbres qu’on a attribués aux réalisateurs…

Oui. L’exemple le plus frappant se trouve dans le film Le Lauréat, de Mike Nichols : la scène filmée sous la jambe de Mrs Robinson. C’est certainement l’une des images les plus connues du cinéma hollywoodien. L’idée est d’Harold. Les réalisateurs ne l’aimaient pas toujours, pour cette raison. Sur le tournage de La Mouche, David Cronenberg a fini par demander qui réalisait le film, lui ou Harold, et le producteur a répondu « Ca ne dérangeait pas Hitchcock. » A l’époque, les storyboarders travaillaient dans l’ombre. Ça change un peu aujourd’hui. Apparemment, George Miller a publié certaines planches du nouveau Mad Max pour montrer comment le film a été fait.

Et Lillian ?

Lillian est la dernière grande documentaliste. Plus personne n’a de librairie aussi fournie que la sienne. Tous les grands studios hollywoodiens en avaient une à l’époque. Elles étaient précieuses, parce qu’elles regorgeaient d’images qui permettaient de stimuler l’imagination des réalisateurs et des scénaristes ; c’étaient des zones de rencontres et de création pour tous les gens du studio. Lillian avait un talent incroyable pour collecter et classer ces images par époque, par style, par objet… Elle avait aussi un petit réseau de détectives qui savaient lui trouver l’information qui lui manquait. Ces bibliothèques ont été éliminées au cours des dernières décennies, parce qu’elles ne rapportaient pas d’argent. Aujourd’hui, son métier est fait par des indépendants. Pourtant, il garde une valeur énorme, pour stimuler l’imagination, mais aussi pour trouver des visuels originaux. Si on n’utilise qu’Internet pour trouver à quoi ressemblait une banque du Minnesota en 1929, on tombe toujours sur la même banque, alors que les livres permettent d’en trouver plusieurs et de choisir celle qui convient le mieux au film.

Ce n’est pas un métier très reconnu non plus…

Non. L’année dernière, le film Mr. Turner de Mike Leigh a employé une chercheuse attitrée, une spécialiste du peintre et de l’époque. Elle était tellement importante qu’elle a eu son nom en haut du générique. Mais c’est la seule fois que j’ai vu ça.

Vous avez intégré beaucoup d’images dessinées à votre film pour rappeler le storyboard : qui les a faites ?

C’était une idée de Patrick Mate, qui a longtemps travaillé sous les ordres de Harold en tant que chef du développement des personnages chez Dreamworks. Le projet lui a beaucoup plu, parce qu’il y a vu un film sur nous tous, les travailleurs de l’ombre du cinéma, et pas seulement sur Harold et Lillian… Il y a aussi beaucoup de documents d’archives dans le film, notamment sur les débuts de Lillian et Harold, on ne s’attendait pas à en trouver autant. Lillian était ravie, elle voyait ça comme un moyen de montrer leur histoire à leurs petits-enfants…

Votre femme Jennifer Raim est au générique du documentaire… Voulez-vous être les nouveaux « Harold et Lillian » ?

Haha, j’aimerais bien… Nous avons fait le montage ensemble. Par certains aspects, oui, nous avons travaillé comme eux !

(1) Storyboard, ou scénarimage : représentation dessinée d’un film avant sa réalisation, permettant de préparer les plans qui constitueront le film.
(2) Documentaliste : personne en charge de mener des recherches sur les aspects visuels de l’époque dans laquelle est située l’action du film, pour le rendre le plus proche possible de la réalité.

 
Harold and Lillian : A Hollywood Love Story de Daniel Raim. Etats-Unis, 2015. Présenté en sélection Cannes Classics au 68e Festival de Cannes.

De son premier prix reçu à Sundance en janvier dernier à sa sortie en salle ce 24 décembre 2014, Whiplash aura donc été le film de l’année, à plus d’un titre. Parce qu’il est venu se rappeler à notre bon souvenir à intervalles réguliers d’abord. Nous n’étions pas à Sundance, mais à la Quinzaine des réalisateurs, il nous a redonné le coup de fouet toujours salutaire en milieu de festival. Du coup, on est retourné le voir à Deauville, où il nous a donné la pêche en séance de minuit. L’occasion de discuter avec son réalisateur, Damien Chazelle, batteur lui-même, jeune réalisateur américain qui s’exprime dans un français impeccable (ce qui suscite encore un peu plus notre admiration), et avec son acteur principal, Miles Teller, jeune acteur qui alterne cinéma indépendant et grosse machine à la Divergente ou Les Quatre Fantastiques. A vous désormais de le découvrir en salle : le film idéal pour recharger ses batteries en fin d’année.

 
Si on vous dit que votre film se situe entre Full Metal Jacket et Black Swan, ça vous convient ?

Damien Chazelle : Oui, tout à fait. Quand j’étais batteur de jazz, j’étais dans un orchestre très dur, très compétitif, et pour moi, la musique, c’était la peur. Dans les films sur la musique et les musiciens, je ne trouvais rien qui correspondait à ce que je vivais dans cet orchestre. La première fois que j’ai vu Full Metal Jacket, j’étais en deuxième ou troisième année, c’était enfin quelque chose qui me parlait. C’est ça l’ironie : il fallait un film de guerre pour trouver quelque chose qui ressemblait à ce que je vivais. Pour le personnage de Fletcher, je voulais un grand personnage de méchant. Il y a toujours un enjeu de pouvoir dans la relation entre le prof et l’élève. Dans un orchestre, il y a un chef. Comme batteur, il faut se soumettre à son pouvoir. Et pour Black Swan, c’est le même genre d’histoire : montrer l’art à travers la souffrance. Ca pose la même question : est-ce que ça vaut le coup ?

C’est pour le rendre encore plus menaçant que vous avez donné à J. K. Simmons le look qu’il avait dans Oz, dans le personnage de Vern Schillinger ?

D. C. : Je suis un grand fan de Oz. Ce que je trouvais intéressant, c’est que J. K. Simmons n’avait pas joué ce genre de personnage depuis longtemps. Dans la plupart de ses films, il est assez sympathique, ou comique. C’est le père de Juno, c’est le patron de Peter Parker dans Spiderman. J’aimais bien l’idée de revenir à ses racines. Mais le look, c’est J. K. qui l’a amené. Il ne ressemblait pas du tout à mon chef d’orchestre. C’est pour ça que c’est bien de travailler avec de grands acteurs, parce qu’ils amènent des choses, ils participent à la création. Avec lui, Fletcher est devenu un autre personnage, et pas seulement celui que j’avais écrit. Il est devenu un vrai personnage de cinéma.

Miles, connaissiez-vous J. K. Simmons avant le tournage ? Etiez-vous aussi impressionné que votre personnage face à lui ?

Miles Teller : Je savais qui il était, même si je n’avais vu aucun de ses films. Comme la plupart des Américains, je le connais par la pub qu’il fait pour des assurances [Farmers Insurance, ndlr]. Mais quand on tournait, on n’avait pas cette relation bizarre, il n’était pas dans son personnage toute la journée et moi non plus. Quand on tournait une scène intense, dès qu’on entendait « Coupez ! », on pouvait recommencer à rire et plaisanter. Parce que c’est quand même quelque chose d’absurde. Certaines scènes sont complètement ridicules, il faut en rire. Quand il me hurle dans l’oreille, quand il m’envoie des cymbales au visage… Si on se prend au sérieux, on se détruit.

Miles, vous jouez de la batterie depuis l’âge de 15 ans, mais avez-vous dû travailler vous aussi, pour atteindre le niveau de votre personnage, Andrew ?

M. T. : On a eu trois semaines de répétition avant le tournage. Des sessions de quatre heures, trois jours par semaine. La première personne qui m’a aidé pour m’entraîner, c’est Damien, parce que Damien est un très bon batteur de jazz. Il a installé une batterie chez moi. Et j’avais un prof à Los Angeles. Damien ne savait même pas que je jouais quand il m’a proposé le rôle ! C’était une coïncidence. Mais le fait que je joue, et le fait que le film soit en partie autobiographique, et que J. K. ait déjà dirigé des orchestres, ça n’a fait qu’ajouter à l’authenticité de Whiplash. D’ailleurs, les scènes de répétition ont été les plus difficiles pour moi. On a tourné tout ça en une journée. Donc plusieurs heures à jouer de la batterie, suer, faire des pauses pour mettre des pansements, mettre du faux sang, enlever la chemise, changer de vêtements, et recommencer. C’était assez fatigant ! Mais parfois, c’est mieux d’être réellement fatigué que de jouer la fatigue. Comme me l’a dit mon prof de théâtre : être acteur est une profession magnifique, tant que personne ne se rend compte que tu joues. Donc oui, parfois, c’est mieux d’être réellement dans le même état que le personnage. Quand on est censé avoir froid, c’est mieux si on ne tourne pas à Hawaï.

Dans le film, il y a énormément de tension, quelques surprises. Vous évitez beaucoup d’écueils de films sur une ascension vers la gloire. C’était un défi de mise en scène ou un défi de scénario ?

D. C. : Les deux peut-être, mais il y avait surtout un enjeu de mise en scène. Avec seulement le scénario, c’était difficile de convaincre les gens que ça puisse être comme un thriller, très excitant et très angoissant. Ce n’est pas une question de vie ou de mort dans le film, il ne s’agit que d’un musicien à l’école. Dans les films de gangster, où dans les films où il y a des armes ou des meurtres, il y a toujours une question de vie ou de mort. Ca aide pour la trame du film. Comme on n’avait pas cet enjeu, il fallait créer la même tension avec d’autres méthodes, avec la caméra, avec la musique, avec le montage, et surtout avec les acteurs. En fin de compte, la chose la plus importante, c’est le visage des acteurs. C’est par leurs visages qu’on perçoit l’épreuve.

Miles, Damien vous avait expliqué avant le tournage que le film serait si intense ?

M. T. : Tout était déjà dans le scénario. Je ne savais pas qu’il allait utiliser autant le gros plan, en revanche. Même pendant le tournage, je ne savais pas que c’était comme ça qu’il filmait, que je serais autant en gros plan. C’est au montage qu’il en a fait un thriller, très tendu. Mais sur le tournage, je pensais que c’était un drame, pas ce film si tranchant, si prenant.

Damien, en tant qu’ex-musicien, est-ce que vous avez pensé votre montage comme un morceau ?

D. C. : Oui. Le rythme est très important pour moi. Avec le scénario, j’ai fait un story-board. J’avais tout préparé, on savait un peu ce qui allait se passer avant même le tournage. Pour le montage, il fallait trouver le bon rythme. Parfois le tempo était trop lent ou trop rapide. La première version du film durait 2h30, c’était nul. On n’a pas beaucoup coupé, mais il fallait trouver des petits morceaux à coincer dans d’autres temps plus longs.

On sent l’influence de Scorsese dans certains mouvements de caméra, des rapprochements brusques vers les personnages. C’est un réalisateur important pour vous ?

D. C. : Oui, bien sûr. Surtout pour ses films violents. Scorsese, pour moi, c’est le cinéma de la violence : Raging Bull, Taxi Driver, Mean Streets, Les Affranchis. Surtout Raging Bull. Avec mon monteur [Tom Cross, ndlr], on voulait créer des scènes de musique qui seraient comme des scènes de boxe ou des scènes d’action. Des scènes de combat. On sent la violence physique, émotionnelle, psychologique, mais à travers la musique. Et je voulais montrer aussi le côté physique de la musique. On ne voit pas ça assez souvent au cinéma. Alors que la batterie, c’est très très physique. Quand je jouais, j’avais les mains en sang, j’avais mal partout, les oreilles qui sifflaient. Je voulais montrer ça. C’est un aspect de la musique que les non-musiciens ne connaissent pas vraiment. Et puis on a souvent l’impression que le jazz est une musique assez délicate, soft, pour les vieux. Moi je voulais faire du jazz comme si c’était du Metallica, du punk-rock agressif, vif, énergique.

La scène inaugurale, où les deux personnages se rencontrent, est particulièrement efficace. Comment l’avez-vous pensée ?

D. C. : J’aimais bien l’idée de commencer le film immédiatement. Je ne voulais pas faire de détours, introduire l’univers avant cette rencontre. Parce que c’est leur rencontre qui commence tout. Donc on commence là, et on finit avec l’aboutissement de cette première scène. Il fallait trouver le début et la fin. Et on ne voit rien avant le début, on ne voit rien après la fin. C’est le problème de beaucoup de films : ils commencent avant le début, et se terminent après la fin. Selon moi, il ne faut pas montrer plus qu’il ne faut.

A la fin du film, on se demande quelle est votre position sur l’efficacité ou la valeur de cet enseignement. Cette ambiguïté est intentionnelle ?

D. C. : Je ne sais pas s’il y a une réponse à cette question. Il faut trouver sa propre réponse. Ce que je sais, c’est que la maltraitance, la souffrance – on le voit dans l’histoire du jazz, et je l’ai vu dans ma propre expérience -, parfois ça marche. Même si, beaucoup de fois, ça ne marche pas. Ce n’est pas tant la question de l’efficacité que de savoir si, quand ça marche, ça vaut le coup. Et ca c’est une question très difficile. Normalement, je suis un humaniste, donc je ne crois pas à la souffrance pour l’art. Même en tant qu’artiste, je trouve que c’est bête. Mais si on me dit « OK, on va retirer tous les solos de Charlie Parker, tous les solos de Buddy Rich, tout ce qu’a fait Beethoven, parce que c’est le bonheur humain qui prime »… ça devient une question plus difficile. Si la fin du film n’était pas ce qu’elle est, si le personnage ne devenait pas un grand batteur, on aurait eu une réponse : ça ne marche pas. Alors, il n’y a pas de question. Mais parce que ça marche, la question existe. Pour moi, c’est une fin très triste. C’est un gars qui n’aura pas une vie heureuse, il est totalement solitaire, il est devenu Fletcher, il est devenu un monstre. C’est une tragédie finalement.

M. T. : C’est la question que le film explore : quelle quantité de souffrance peut-on endurer pour atteindre son but, pour réussir ? A mon avis, il n’y a pas de limite. Ce n’est pas plafonné. Chacun a son chemin pour atteindre l’excellence. Et Andrew et Fletcher ont placé la barre très haut. Ce n’est pas le chemin que tout le monde emprunte, mais il faut respecter ceux qui vont aussi loin pour être excellent dans leur domaine.

La relation entre Fletcher et Andrew peut-elle être comparée à celle entre un réalisateur et un acteur ?

M. T. : J’ai travaillé avec certains réalisateurs, dont je ne citerai pas le nom, qui étaient tyranniques, effectivement.

Et ça vous a rendu meilleur acteur ?

M. T. : Je ne pense pas, non. C’est bizarre quand il s’agit de jouer la comédie. Ca dépend du film. Si on fait un gros film, avec énormément de choses à gérer, certains pensent qu’on ne peut pas asseoir son pouvoir en parlant calmement, ils pensent qu’il leur faut crier sur tout le monde. Un film de Michael Bay, un film de James Cameron… Il faut qu’ils contrôlent un univers énorme. Chacun a sa façon de faire les choses. Mais dans mon expérience, sur un film indépendant, on ne peut pas crier sur ses acteurs, ça ne marche pas comme ça. Une grande partie du boulot de réalisateur, c’est de gérer les personnalités. A moi, on peut me dire « Dis, Miles, c’était vraiment pas terrible, on en fait une autre », je ne vais pas mal le prendre. Mais peut-être qu’on ne peut pas dire la même chose à un autre acteur. Pour certains, il faut le dire avec des fleurs.

Dans la scène du repas avec sa famille, où l’on compare les réussites des uns et des autres, Andrew montre déjà l’orgueil qui le mènera vers ce finale.

D. C. : La plupart de ceux qui ont lu le scénario pensait qu’il fallait la couper, que ça ne marchait pas du tout. Avec cette scène, on va détester Andrew, il est trop méchant, me disait-on. On l’a tournée quand même. Parce que pour moi, c’est une des scènes les plus importantes. C’est une scène où on aime Andrew encore plus, même s’il se comporte un peu comme un connard. Sa famille, c’est quand même des connards aussi. Les musiciens de jazz rencontrent toujours ça : ils se donnent à fond pour leur musique, et le monde s’en fiche. C’est tout le problème d’être obsédé par un art marginal. Un art qui n’est plus l’art populaire de la société. Je pense que c’est une lutte constante, pour les musiciens de jazz. Je voulais que cette scène soit une représentation de ça.

Depuis Sundance en janvier, puis Cannes, Toronto, et Deauville, le film a un accueil incroyable partout où il passe. Est-ce que vous en profitez ou est-ce que la pression prend le dessus, pour la sortie du film, et pour le prochain ?

D. C. : Ca ne me paralyse pas parce que je me sens toujours comme un outsider, je suis un peu pessimiste. Même si les choses se passent très bien, je me concentre sur le négatif. D’ailleurs, j’ai l’impression que dès qu’on devient satisfait, on devient nul. Il faut toujours être affamé. C’est quand ils ne le sont plus que les réalisateurs et les artistes commencent à plonger. Ensuite, c’est vrai que la pression est là, mais c’est toujours bien. Tout compte pour soutenir un film. Particulièrement pour le cinéma indépendant aux Etats-Unis. On a besoin des critiques, des festivals, du public. On est toujours en train de lutter, d’essayer de convaincre, de vendre le film. Je n’aime pas vraiment être dans la position de devoir vendre quelque chose, mais c’est nécessaire. C’est surtout ça qui me donne un peu d’angoisse.

C’est un film qui a démarré à Sundance. On parle de plus en plus du déclin du festival, et de l’étiquette de ce cinéma indépendant qui peut devenir un cliché. C’est quelque chose que vous ressentez aussi ?

M. T. : C’est vrai que la réputation de Sundance commence à baisser. On sait déjà à quoi s’attendre quand on va voir un film de Sundance. Mais Whiplash n’est pas du tout un film conventionnel. Il repousse un peu les limites. Il y a plein de films qui sont à Sundance et qui ne sont jamais distribués. J’ai tourné dans des films qui ne sont jamais sortis. Donc c’est bien d’être dans un film qui va dans les festivals, qui se fait remarquer, et dont on parle toujours tellement de temps après sa présentation en janvier.

 
Whiplash de Damien Chazelle avec Miles Teller, Melissa Benoist, J.K. Simmons. Etats-Unis, 2014. Sortie en salle le 24 décembre 2014. Présenté à la 46e Quinzaine des réalisateurs. Grand Prix du 40e Festival du film américain de Deauville.

Bugsy Malone devrait être injecté en intraveineuse aux créateurs d’émissions et films pour enfants tant la magie du cinéma à conserver une saveur exceptionnelle. Ce petit chef-d’œuvre s’est même bonifié. Il fallait quand même oser transposer l’univers du Mal absolu, la mafia américaine période prohibition, au monde des 4/17 ans, âges des enfants et des adolescents visibles à l’écran. Chaque tic d’adulte, chaque manie de grande personne sur les gueules de ces mômes est un pur régal. L’imitation frise la perfection jusqu’aux voitures à pédales, aux costards et moustaches de dandy.
Le grand démiurge aux commandes de Bugsy Malone n’est pas Alan Parker (The Wall, Midnight Express, Birdy…) mais le compositeur Paul Williams qui concocte un programme « soul cabaret » à tomber à la renverse tant la qualité des mélodies colle aux situations, car Du rififi chez les mômes, in french, est avant tout une pièce musicale savamment montée.

Voici une petite revue des forces en présence :

Florrie Dugger alias Blousey
Blousey tente sa chance de cabaret en cabaret. Elle chante, danse, joue la comédie mais sa soif de reconnaissance la fragilise. Blousey ne se laisse pas compter fleurette facilement, la demoiselle renferme un caractère bien trempé. Indépendante mais désappointée par le système corrompu qui préfère les filles acoquinées aux malfrats, Blousey ne lâchera rien et encore moins sa carrière. Elle réussira coûte que coûte. Quand elle rencontre Bugsy, l’horizon s’éclaircit. L’amour.

Scott Baio alias Bugsy Malone
Bugsy est un charmeur. Le petit malfrat fauché au grand cœur, la belle gueule d’amour. Tout le monde l’apprécie car il traîne une indéniable classe. Dès la première seconde, il tombe fou raide dingue de Blousey. Petit problème, il est fauché comme les blés et Blousey n’a pas besoin d’un Bugsy dans les pattes mais d’un garçon qui a les pieds sur terre.

Jodie Foster alias Tallulah
Tallulah se produit dans le cabaret de Fat Sam. Elle est la star magnétique, la vedette qui brille sous les feux de la rampe. On la regarde et on l’admire. Tallulah vous ensorcelle avec ses grands yeux clairs. Difficile d’y résister. Son verbe est fort, ses phrases puissantes. Quelle nana ! Elle craque pour Bugsy mais lui résiste à son charme.

John Cassisi alias Fat Sam
Fat Sam fait tourner sa boutique comme un chef de bande. Entouré de ses hommes, il joue au dur mais il est un peu pleutre. Fort en gueule, Fat Sam craint la concurrence, surtout Dan le Dandy, son ennemi juré.

Marty Lev alias Dan le Dandy
Dan le Dandy s’apprête à devenir le caïd de la ville car il utilise contre ses adversaires une arme secrète, la mitraillette à crème pâtissière bien plus meurtrière que celle à la guimauve. Sa petite moustache lui donne un air de petite frappe. Dan le Dandy crèche dans une demeure de cadors mais ses jours sont comptés. Bugsy prendra sa revanche.

 
Bugsy Malone d’Alan Parker avec Scott Baio, Jodie Foster, Florrie Dugger, John Cassisi, Dexter Fletcher… Angleterre, 1976. Ressortie DVD chez Elephant Films le 7 octobre 2014.

Les palmarès individuels ont servi à obtenir un Top 12 global en octroyant 12 points au meilleur film de chaque rédacteur, puis 11 au suivant, etc., 1 point pour le dernier. Sans surprise, Amour arrive en tête avec le plus de points (87) et de voix (9 votes sur 11 rédacteurs). La suite du palmarès est moins attendue, puisque entre des comédies réussies (Camille redouble, Adieu Berthe), on trouve quelques longs-métrages plus personnels et dont la sortie fut plus confidentielle (Bullhead, Take Shelter, Les Bêtes du sud sauvage). Rengaine (à la 12e place) est talonné de près par Laurence Anyways, Au-delà des collines et Cloclo, tous les trois ex æquo en 13e position (22 points chacun). Autant de films différents pour autant de rédacteurs différents : c’est ça, le grand écart. Et vous, quel est votre Top 12 de 2012 ? Postez-le en commentaire !

La seconde version de Elle et lui (que tourne, en couleurs et pour la Fox, Leo McCarey, dix-huit ans après sa version noir et blanc pour la RKO avec Irene Dunne et Charles Boyer) a la grâce des films à l’harmonie constante. Parce que son casting est une évidence : Cary Grant en dandy roublard cueilli par l’amour majuscule y est confondant d’élégance et d’émotion face à Deborah Kerr, sidérante de justesse et d’éclat. Parce qu’on croit à leur amour dès leur première rencontre, que leurs regards, leurs gestes et leurs mouvements s’articulent avec fluidité. Et quand survient le drame, jusqu’à sa résolution sublime, le récit de leur rendez-vous manqué prend des accents déchirants. Elle et lui est une histoire de timing, celle d’une rencontre, d’une promesse déjouée par le hasard, racontée sous une lumière chromée réconfortante. Sa séquence finale, parangon de suspense émotionnel, est l’une des plus belles qui soient : s’y joue le destin des amants dans un chavirant face-à-face fait de retenue, de non-dit, avant la révélation et l’espoir retrouvé. On y pleure toutes les larmes de son corps.

 
Elle et lui (An Affair to Remember) de Leo McCarey, avec Cary Grant, Deborah Kerr. Etats-Unis, 1957.

El Sicario chambre 164 (2010)

Gianfranco Rosi ne fait jamais les choses à moitié. Il est allé à la rencontre d’un impitoyable tueur mexicain recherché par son cartel pour abandon de poste. Pendant près d’1h30, dans sa chambre d’hôtel, assis sur un fauteuil, visage camouflé, il dessine feutre à la main son enfance, noircit des pages et des pages, explique quand, comment et pourquoi il a basculé dans la petite délinquance, les grands trafics de drogue jusqu’à devenir nettoyeur. El Sicario, bourré de coke, alcoolisé, parle et parle encore, des planques, de la torture, des contrats. C’est la réalité et c’est insoutenable. El Sicario confie vingt ans de sa vie. Sa tête vaut 250 000 dollars, plus que celle d’Alfredo Garcia.

Sous le niveau de la mer (2008)

Rosi nous emmène en plein désert à 300 kilomètres de Los Angeles où des marginaux vivent sans règles et sans contraintes. Hommes, femmes, vieux, vieilles, alcoolos, ils sont tout ce que vous voulez ; bannis, rejetés, expatriés, exclus, expulsés, émigrés, eux-mêmes ne savent plus trop, ou ne veulent plus savoir.
Nous devinons des silhouettes derrière les vitres brisées des caravanes. Les vents de sable érodent les bus rouillés ou ce qu’il en reste. Seules les tentes de l’armée américaine tiennent le coup.
Nous sommes à 35 mètres au-dessous du niveau de la mer. Pour beaucoup pas loin des six pieds sous terre. Les jeux sont faits.
Ce n’est pas une communauté de hippies mais des gens comme vous et moi. Personne ne les emmerde et ils n’emmerdent personne. Il y a le livreur d’eau, l’intello, le travelo, le fou, la folle, la doctoresse. Chacun traîne son histoire, ses amours et son désespoir. Ils se racontent sans tabou bière à la main, la clope au bec.
Le documentaire (présenté à la Mostra de Venise 2008) qui joue la carte du témoignage bienveillant n’entre jamais dans une excessive empathie qui pourrait s’apparenter à de la pitié. Ce monde n’est pas le nôtre. Leur repaire désolé ils l’aiment, ils le haïssent. Ce monde n’est pas le leur non plus. Très conseillé.

Le Passeur (1993)

Le Passeur raconte l’Inde. Les morts ont droit au Gange sacré, les pauvres ont droit aux lestes et aux eaux profondes. Deux poids, deux mesures. Les castes n’assurent pas même l’équité dans la mort. Gopal assure la traversée. Depuis des millénaires en Inde, la poussière retourne à la Mère. Dépaysement garanti. Je n’ai pas trouvé plus nul comme conclusion.