Que signifie, pour le cinéaste que vous êtes, l’expression « avoir une vision sociale » ?
Je traduirais cela par un questionnement sur la manière dont un individu est impacté par son environnement et inversement. Une réflexion sur la place et le rôle de l’homme dans la vie de la cité.

Pourquoi avoir accepté d’être le parrain de Visions sociales ?
D’abord un lien déjà ancien avec la CCAS, le CE d’EDF. En 1999, je venais à Cannes à la Quinzaine des réalisateurs avec mon premier film Le Bleu des villes et la CCAS m’avait remis un prix, le Soleil d’Or. Parrainer Visions sociales est d’abord un retour de politesse amical. Ensuite, le plaisir de collaborer avec un CE qui offre aux salariés de l’entreprise un peu plus que des tickets de piscine et des réductions pour aller en voyage. Car on l’oublie souvent, une des missions premières des CE est une mission d’éducation à la culture. Et puis enfin, le plaisir complètement égoïste de découvrir des films qui éclairent notre monde et donc notre route. Et on le sait bien, il y a moins d’accidents quand on roule avec les phares allumés.

Quel regard posez-vous sur la campagne présidentielle qui vient d’avoir lieu ?
D’abord le regard du citoyen atterré et effrayé par tant de brutalité. Ensuite le regard du réalisateur fasciné par tant de brutalité. Qui aurait pu imaginer ce qui s’est passé ? Ce qui m’intéresse le plus, pour être honnête, ce n’est pas tant le politique que celui qui met son bulletin dans l’urne. Et celui qui met aujourd’hui un bulletin « Le Pen » dans cette urne m’intéresse profondément. Le geste me fait peur mais la personne qui fait le geste me fascine. Sa colère, sa détresse, sa peur et son inquiétude me touchent. Le Front national a kidnappé la colère des plus modestes, des plus en souffrance en allant racler chez l’homme ce qu’il a de plus médiocre. On n’est pas grand chose face à la peur et le dénuement. On perd vite ses repères. Et quand quelqu’un débarque avec des solutions qui semblent si simples, comment résister ? Ça me fascine. Et mon sentiment sur les deux finalistes, c’est que chacun à sa manière produit de la violence.

L’avènement d’un « jeune premier » à la tête de la France vous a-t-il surpris ?
En termes de parcours personnel, c’est assez exceptionnel, il faut bien le reconnaître. Assez digne d’un grand personnage de fiction. S’il a été élu, c’est qu’il a su deviner quelque chose de la psyché collective. Et heureusement que sa femme était toujours à moins de trois mètres de lui pour qu’il sache où elle était car il a quand même eu une chance de cocu. Il fallait que Fillon gagne sa primaire puis qu’Hamon gagne la sienne avant que Fillon explose en vol puis qu’Hamon implose pour enfin se retrouver face à Le Pen au deuxième tour. Si ce n’est pas avoir une bonne étoile, ça ! Mais au delà de la chance, il a su se positionner habilement à un endroit de l’échiquier au moment où les partis en place depuis longtemps étaient à bout de souffle. L’image du nouveau président est parfaite, lisse, aimable et audacieuse, la réalité de sa politique qui veut imposer le modèle de la flexi-sécurité offrira évidemment bien plus de « flexi » que de « sécurité ».

Quelle est votre définition d’un réalisateur engagé ?
Pour moi l’engagement, c’est poser une question. Une question intime, une question sur le monde, une question sur l’intime en écho au monde… une question.

Quels sont les réalisateurs que vous suivez ?
Ils sont tellement nombreux, comment faire une liste ? Sorrentino pour sa puissance formelle à la limite parfois de la pose. Mais quand il est du bon côté de la crête, qu’est-ce que c’est beau et puissant. Andreï Zviaguintsev pour la pertinence de sa réflexion sur la place d’un individu dans un système. Pour les mêmes raisons mais avec une esthétique très différente, Cristian Mungiu. Que d’intelligence ! Haneke pour son regard tranchant et sans concession sur notre violence. Andrea Arnold pour sa capacité à faire naître du réel au cœur d’une esthétique puissante. Quelques noms qui me viennent à l’esprit à l’instant où je vous parle. Il y en a d’autres bien sûr.

Quels sont les sujets politiques et sociétaux que vous aimeriez aborder dans vos prochains films ?
J’aimerais mettre ma caméra du côté des cadres des entreprises. Je suis persuadé qu’ils sont les prochains sur la liste des sacrifiés sur l’autel du profit. Ils ont bien servi à nettoyer en dessous d’eux, l’industrie – et son uberisation à marche forcée – n’aura bientôt plus besoin d’une bonne partie de ces hommes et de ces femmes. Et comme ils n’ont aucune culture de la lutte, ils se retrouveront dans un grand désarroi.

Documentaire vs fiction ?
J’ai réalisé un documentaire il y a plus de dix ans, mais j’aime tellement l’endroit de la fiction que toute mon énergie au quotidien est mobilisée pour construire des histoires. Des histoires nourries du réel, qui empruntent même à la dramaturgie du documentaire mais que j’aime à construire complètement. J’aime l’endroit de frottement entre la fiction et le réel.

Pourquoi La Loi du marché ? Y avait-il une sorte d’urgence sociale à faire ce film-là, à ce moment-là et de cette manière-là, proche du documentaire ?
C’est un film qui s’est invité dans ma vie alors que je terminais l’écriture d’Une vie et qu’il fallait quelques mois pour monter le financement de ce dernier. J’avais 16 mois devant moi. Le résumé du film existait sur une page dans un coin de mon ordinateur, c’est une discussion avec Vincent Lindon qui m’a fait le ressortir comme une évidence. La forme (mise en scène et choix des comédiens non professionnels) s’est immédiatement imposée. Tout cela correspondait à des choses qui, comme ce texte enfermé dans un recoin de la mémoire de mon ordinateur, était en moi. L’urgence du projet m’a permis d’aller à la rencontre de mon désir sans tergiverser.

A quoi tient votre relation particulière et privilégiée avec Vincent Lindon ?
Vincent et moi venons de planètes sociales totalement opposées. Lui est un bourgeois, moi le fils d’un très modeste employé à la Poste. Mais nous nous sommes construits autour d’une même faille intime. Et donc, malgré des enfances dans des milieux si différents, nos colères, nos fragilités, nos émois, nos fragilités se révèlent être très semblables. Notre lien privilégié vient en partie de là, on s’est reconnus en l’autre. Aucun souvenir de ma première rencontre de spectateur avec lui. Mais je me souviens très bien que je le suivais d’un œil attentif en me disant : « Il vieillit bien. »

« Né d’un père facteur et d’une mère au foyer, Stéphane Brizé vient d’un milieu où la culture se résume à une poignée de romans dans la bibliothèque familiale », lit-on sur votre bio Wikipédia. Un livre qui vous a marqué et a laissé une empreinte sur votre travail de cinéaste ?
Il faut souvent se méfier de Wikipédia mais pour le coup, ce que vous dites est vrai. Il y avait notamment la collection complète reliée de skaï rouge des romans de Marcel Pagnol. Ça tenait sur une petite étagère en haut d’un escalier de quelques marches. J’ai tout lu, j’ai tout aimé. Après, que cela ait laissé une empreinte sur mon travail, je ne saurais vous le dire. Mais bon, il aimait bien parler des gens modestes. J’arrêterais là la comparaison.

» Découvrez toute la programmation de Visions sociales

La Sélection officielle sortira également l’argenterie côté hors compétition – avec notamment les derniers films de Roman Polanski et d’Agnès Varda – et séances spéciales – avec Hong Sang-soo, Raymond Depardon, Claude Lanzmann, Vanessa Redgrave… Sans oublier les « morceaux » de premier choix retenus pour la sélection Un Certain Regard, présidée cette année par Uma Thurman. Au menu, entre autres, Mathieu Amalric, Laurent Cantet, Michel Franco, Kiyoshi Kurosawa ou encore le trop rare Mohammad Rasoulof.

Enfin, 70e édition oblige, Cannes Classics dédiera en grande partie sa sélection à l’histoire du Festival de Cannes. Une sélection de prestige née de la révolution numérique, il y a 15 ans, alors que le cinéma s’inquiétait plus que jamais de l’entretien et de la transmission de sa mémoire. Et une sélection qui, cette année, fera la part belle à certains des plus grands chefs-d’œuvre du festival : de La Bataille du rail de René Clément à L’Empire des sens de Nagisa Oshima, en passant par Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot, Blow Up de Michelangelo Antonioni, All That Jazz de Bob Fosse et Au milieu coule une rivière de Robert Redford.

Ca brillera donc sans doute un peu plus que d’habitude cette année du côté de la Croisette. D’autant que, fort de sa Sélection officielle taillée dans le marbre, le Festival de Cannes pourra également compter sur les perles tout aussi précieuses du palais Stéphanie et de la Quinzaine des réalisateurs, comme sur les diamants bruts de la Semaine de la critique, au Miramar.

La sélection officielle

Film d’ouverture
Les Fantômes d’Ismaël d’Arnaud Desplechin

En compétition
Faute d’amour d’Andreï Zviaguintsev
Good Time de Benny et Josh Safdie
You Were Never Really Here de Lynne Ramsay
Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó
A Gentle Creature de Sergei Loznitsa
The Killing of a Sacred Deer de Yorgos Lanthimos
Hikari (Radiance) de Naomi Kawase
Geu-Hu (The Day After) de Hong Sang-soo
Wonderstruck de Todd Haynes
Rodin de Jacques Doillon
120 Battements par minute de Robin Campillo
Happy End de Michael Haneke
L’Amant double de François Ozon
Le Redoutable de Michel Hazanavicius
The Beguiled de Sofia Coppola
Okja de Bong Joon-Ho
Aus Dem Nichts (In The Fade) de Fatih Akin
The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach
The Square de Ruben Ostlund

Hors compétition
Mugen no Junin de Takashi Miike
How to Talk to Girls at Parties (Comment parler aux filles en soirée) de John Cameron Mitchell
D’après une histoire vraie de Roman Polanski
Visages Villages d’Agnès varda

Un Certain Regard
Barbara de Mathieu Amalric
La Fiancée du désert de Cecilia Atan & Valeria Pivato
Etroitesse, de Kantemir Balagov
La Belle et la Meute de Kaouther Ben Hania
L’Atelier de Laurent Cantet
Lucky de Sergio Castellitto
Les Filles d’Avril de Michel Franco
Western de Valeska Grisebach
Directions de Stephan Komandarev
Out de Gyorgy Kristof
Before We Vanish de Kiyoshi Kurosawa
En attendant les hirondelles de Karim Moussaoui
Dregs de Mohammad Rasoulof
Jeune femme de Léonor Serraille
Wind River de Taylor Sheridan
Après la guerre de Annarita Zambrano
La Cordillera de Santiago Mitre
Walking Past the Future de Li Ruijun

Séances spéciales
Une suite qui dérange de Bonni Cohen & Jon Shenk
They de Anahita Ghazvinizadeh
Eul-le-eo-ui Ka-me-la (Clair’s Camera) de Hong Sang-soo
12 jours de Raymond Depardon
Promised Land de Eugene Jarecki
Napalm de Claude Lanzmann
Demons in Paradise de Jude Ratman
Sea Sorrow de Vanessa Redgrave
Le Vénérable W. de Barbet Schroeder
Carré 35 d’Eric Caravaca
Zombillénium d’Arthur de Pins & Alexis Ducord

Séances de minuit
The Villainess de Jung Byung-gil
The Merciless de Byun Sung-hyun
Prayer Before Dawn de Jean-Stéphane Sauvaire

Cannes Classics : Une brève histoire du Festival de Cannes
1946 : La Bataille du rail de René Clément (France) : Grand Prix international de la mise en scène et Prix du jury international
1953 : Le Salaire de la peur de Henri-Georges Clouzot (1952, France, Italie) : Grand Prix
1956 : Un petit carrousel de fête de Zoltán Fábri (1955, Hongrie) : en compétition
1957 : Vers l’inconnu ? de Georges Nasser (Liban) : en compétition
1967 : J’ai même rencontré des Tziganes heureux d’Aleksandar Petrović (Serbie) : Grand Prix spécial du jury, Prix de la critique internationale – FIPRESCI ex æquo
1967 : Blow-up de Michelangelo Antonioni (1966, Royaume-Uni, Italie, États-Unis) : Grand Prix international du Festival
1969 : Matzor (Siège) de Gilberto Tofano (Israël) : en compétition
1970 : Soleil O de Med Hondo (Mauritanie, France) : Semaine de la critique
1976 : Babatu, les trois conseils de Jean Rouch (Niger, France) : en compétition
1976 : L’Empire des sens de Nagisa Oshima (France, Japon) : Quinzaine des réalisateurs
1980 : All that Jazz (Que le spectacle commence) de Bob Fosse (1979, ÉtatsUnis) : Palme d’or
1981 : L’Homme de fer d’Andrzej Wajda (Pologne) : Palme d’or
1982 : La Permission de Yilmaz Güney, réalisé par Serif Gören (Suisse) : Palme d’or ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI
1983 : La Ballade de Narayama de Shôhei Imamura (Japon) : Palme d’or
1992 : El sol del membrillo (Le Songe de la lumière) de Victor Erice (Espagne) : Prix du jury ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI

» Voir la sélection de la 49e Quinzaine des réalisateurs
» Voir la sélection de la 56e Semaine de la critique

2017 : 70e édition de Cannes mais seulement 62e Palme d’or. Sacré Graal du septième art, la récompense la plus en vogue dans le monde du cinéma n’a pas toujours eu le vent en poupe et son histoire a été quelque peu chaotique.
Si vous le voulez bien, remontons aux années 1950. A l’époque, pas de Palme d’or mais le « Grand Prix du Festival international du film ». Oubliés également l’or et le cristal, le réalisateur consacré recevait un diplôme et une œuvre signée par un artiste en vogue. Pas très glamour pour la Croisette, vous en conviendrez !
C’est pourquoi, dès 1955, le Festival de Cannes voit apparaître la Palme d’or. Créée par la joaillière Lucienne Lazon, c’est le réalisateur américain Delbert Mann, pour son film Marty, qui recevra la récompense telle qu’on la connaît (plus ou moins) aujourd’hui pour la toute première fois de l’histoire du cinéma. Mais volte-face en 1963 quand l’administration décide de rétablir le « Grand Prix du Festival » avec les anciennes récompenses des années 1950.
C’est finalement en 1975 que la Palme d’or est définitivement adoptée, bien qu’elle ne reçoive officiellement cette nomination qu’en 1980.
Après quelques modifications, elle obtient la forme qu’on lui connaît aujourd’hui en 1997, lorsque la joaillerie Chopard obtient l’exclusivité de la réalisation du trophée.

Mais outre l’aspect glamour à paillettes de la sculpture, la Palme d’or est, bien évidemment, un enjeu médiatique dangereux. Le réalisateur qui remporte ce prix n’est pas assuré du succès de son film auprès des critiques et du box-office. On observe bien souvent l’effet inverse avec une partie du public se sentant exclue par un cinéma qu’elle considère comme élitiste et pompeuse. Des films tels que Les Meilleures Intentions de Bille August (Palme d’or 1992), L’Eternité et un jour de Theo Angelopoulos (Palme d’or 1998) ou encore Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures d’Apichatpong Weerasethakul (Palme d’or 2010) en ont fait les frais avec respectivement 91 000, 130 000 et 182 000 entrées en France – à titre de comparaison, La Vie d’Adèle : chapitre 1 et 2 d’Abdellatif Kechiche, Palme d’or 2013, a recensé plus d’un million d’entrées dans l’Hexagone.

Toute institution historique (car oui, la Palme d’or est à elle seule une institution) a son lot de « premières fois » plus ou moins originales. En ce qui concerne la récompense suprême, il convient d’en retenir trois. A vous ensuite de juger de l’excentricité de chacune d’elle.
En 59 ans, la Palme d’or n’a été décernée qu’une seule fois à une femme : Jane Campion pour La Leçon de piano en 1993. Et ce, malgré la sélection en compétition officielle de Valeria Bruni Tedeschi en 2013, Alice Rohrwacher et Naomi Kawase en 2014, Valérie Donzelli et Maïwenn pour cette édition 2015.
A ce jour, seulement sept réalisateurs ont remporté deux fois le précieux trophée : Francis Ford Coppola (Conversation secrète en 1974 et Apocalypse Now en 1979), Shoei Imamura (La Ballade de Narayama en 1983 et L’Anguille en 1997), Bille August (Pelle le conquérant en 1988 et Les Meilleures Intentions en 1992), Emir Kusturica (Papa est en voyage d’affaires en 1985 et Underground en 1995), les frères Dardenne (Rosetta en 1999 et L’Enfant en 2005) et Michael Haneke (Le Ruban blanc en 2009 et Amour en 2012).
Il y a deux ans, et pour la première fois dans l’histoire de la Palme, le trophée a été remis à un réalisateur et à ses deux actrices principales : Abdellatif Kechiche, Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux pour La Vie d’Adèle.

En 2015, pour célébrer les 60 ans de la création du trophée, Cannes Classics projette La Légende de la Palme d’or, d’Alexis Veller.

Dernières précisions avant de vous dévoiler la liste du palmarès du Festival de Cannes depuis sa création. La première édition de Cannes devait avoir lieu du 1er au 20 septembre 1939 sous la présidence de Louis Lumière. Malgré un film récompensé (Pacific Express de Cecil B. DeMille), les événements tragiques de cette époque ont contraint les réalisateurs à reporter la première édition effective du Festival au 20 septembre 1946. A partir de cette année il aura lieu tous les ans, sauf en 1948 et 1950, pour raisons budgétaires. A partir de 1952, le Festival se déroule au printemps.
 

Pré-guerre

1939
Pacific Express (Union Pacific) de Cecil B. DeMille

Première période : « Grand Prix du Festival international du Film »

1946
L’Epreuve (Iris och löjtnantshjärta) d’Alf Sjöberg
Le Poison (The Lost Weekend) de Billy Wilder
La terre sera rouge (De Røde enge) de Bodil Ipsen et Lau Lauritzen Jr
La Ville basse (नीचा नगर, Neecha Nagar) de Chetan Anand
Brève rencontre (Brief Encounter) de David Lean
María Candelaria d’Emilio Fernández
Le Tournant décisif (Великий перелом, Velikiy perelom) de Fridrikh Ermler
La Symphonie pastorale de Jean Delannoy
La Dernière Chance (Die letzte Chance) de Leopold Lindtberg
Les Hommes sans ailes (Muzi bez krídel) de Frantisek Cáp
Rome, ville ouverte (Roma città aperta) de Roberto Rossellini

1947
Ziegfeld Follies de Vincente Minnelli
Dumbo de Ben Sharpsteen & Walt Disney
Les Maudits de René Clément
Antoine et Antoinette de Jacques Becker
Feux croisés (Crossfire) d’Edward Dmytryk

1949
Le Troisième Homme (The Third Man) de Carol Reed

1951
Mademoiselle Julie (Fröken Julie) d’Alf Sjöberg
Miracle à Milan (Miracolo a Milano) de Vittorio De Sica

1952
Othello (The Tragedy of Othello : The Moor of Venice) d’Orson Welles
Deux sous d’espoir (Due soldi di speranza) de Renato Castellani

1953
Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot

1954
La Porte de l’enfer (地獄門, Jigokumon) de Teinosuke Kinugasa

Deuxième période : la Palme d’or

1955
Marty de Delbert Mann

1956
Le Monde du silence de Jacques-Yves Cousteau et Louis Malle

1957
La Loi du Seigneur (Friendly Persuasion) de William Wyler

1958
Quand passent les cigognes (Летят журавли, Letjât žuravli) de Mikhaïl Kalatozov

1959
Orfeu Negro de Marcel Camus

1960
La dolce vita de Federico Fellini

1961
Une aussi longue absence d’Henri Colpi
Viridiana de Luis Buñuel

1962
La Parole donnée (O Pagador de Promessas) d’Anselmo Duarte

1963
Le Guépard (Il gattopardo) de Luchino Visconti

Troisième période : retour au « Grand Prix du Festival »

1964
Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy

1965
Le Knack… et comment l’avoir (The Knack …and How to Get It) de Richard Lester

1966
Un homme et une femme de Claude Lelouch
Ces messieurs dames (Signore & signori) de Pietro Germi

1967
Blow-Up de Michelangelo Antonioni

1968
Interrompu suite aux événement de Mai 68.

1969
If… de Lindsay Anderson

1970
M*A*S*H de Robert Altman

1971
Le Messager (The Go-Between) de Joseph Losey

1972
La classe ouvrière va au paradis (La classe operaia va in paradiso) d’Elio Petri
L’Affaire Mattei (Il Caso Mattei) de Francesco Rosi

1973
La Méprise (The Hireling) d’Alan Bridges
L’Epouvantail (Scarecrow) de Jerry Schatzberg

1974
Conversation secrète (The Conversation) de Francis Ford Coppola

Dernière période : le retour définitif de la Palme d’or

1975
Chronique des années de braise (وقائع سنين الجمر, Waqa’i’ sanawat ed-djamr) de Mohammed Lakhdar-Hamina

1976
Taxi Driver de Martin Scorsese

1977
Padre padrone de Paolo et Vittorio Taviani

1978
L’Arbre aux sabots (L’albero degli zoccoli) d’Ermanno Olmi

1979
Apocalypse Now de Francis Ford Coppola
Le Tambour (Die Blechtrommel) de Volker Schlöndorff

1980
Que le spectacle commence (All That Jazz) de Bob Fosse
Kagemusha, l’ombre du guerrier (影武者, Kagemusha) d’Akira Kurosawa

1981
L’Homme de fer (Człowiek z żelaza) d’Andrzej Wajda

1982
Missing de Costa-Gavras
Yol, la permission (Yol) d’Yılmaz Güney et Şerif Gören

1983
La Ballade de Narayama (楢山節考, Narayama bushiko) de Shōhei Imamura

1984
Paris, Texas de Wim Wenders

1985
Papa est en voyage d’affaires (Отац на службеном путу, Otac na službenom putu) d’Emir Kusturica

1986
Mission (The Mission) de Roland Joffé

1987
Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat

1988
Pelle le conquérant (Pelle erobreren) de Bille August

1989
Sexe, mensonges et vidéo (Sex, Lies and Videotape) de Steven Soderbergh

1990
Sailor et Lula (Wild at Heart) de David Lynch

1991
Barton Fink de Joel Coen

1992
Les Meilleures Intentions (Den Goda viljan) de Bille August

1993
Adieu ma concubine (霸王別姬, Bàwáng biéjī) de Chen Kaige
La Leçon de piano (The Piano) de Jane Campion

1994
Pulp Fiction de Quentin Tarantino

1995
Underground (Подземље, Podzemlje) d’Emir Kusturica

1996
Secrets et mensonges (Secrets and Lies) de Mike Leigh

1997
Le Goût de la cerise (طعم گیلاس, Ta’m-e gilās) d’Abbas Kiarostami
L’Anguille (うなぎ, Unagi) de Shōhei Imamura

1998
L’Eternité et un jour (Μια αιωνιότητα και μια μέρα, Mia éoniotita kai mia méra) de Theo Angelopoulos

1999
Rosetta de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2000
Dancer in the Dark de Lars von Trier

2001
La Chambre du fils (La stanza del figlio) de Nanni Moretti

2002
Le Pianiste (The Pianist) de Roman Polanski

2003
Elephant de Gus Van Sant

2004
Fahrenheit 9/11 de Michael Moore

2005
L’Enfant de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2006
Le vent se lève (The Wind That Shakes the Barley) de Ken Loach

2007
4 mois, 3 semaines, 2 jours (4 luni, 3 săptămâni și 2 zile) de Cristian Mungiu

2008
Entre les murs de Laurent Cantet

2009
Le Ruban blanc (Das weiße Band) de Michael Haneke

2010
Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures (ลุงบุญมีระลึกชาติ ; Lung Boonmee raluek chat) d’Apichatpong Weerasethakul

2011
The Tree of Life de Terrence Malick

2012
Amour de Michael Haneke

2013
La Vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche (prix reçu conjointement avec Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos, ses deux actrices principales)

2014
Winter Sleep (Kış Uykusu) de Nuri Bilge Ceylan

2015
Dheepan de Jacques Audiard

2016
Moi, Daniel Blake de Ken Loach

2017
The Square de Ruben Ostlund

Goodnight Mommy distille une atmosphère étrange et irréelle. Des jumeaux (un élément courant du cinéma fantastique), une maison isolée et froide dont la couleur ne semble jamais s’échapper, une mère fantomatique et une relation familiale mystérieuse : la première moitié de Goodnight Mommy est consacrée à installer un malaise durable – parfois avec quelques longueurs, mais dans l’ensemble avec efficacité. Les réalisateurs prennent le temps de développer l’intrigue, sans cacher l’influence de leurs deux modèles autrichiens : Ulrich Seidl d’abord, qui produit le film et partage le même intérêt morbide pour la psyché humaine. Michael Haneke, ensuite, dont l’œuvre chirurgicale, froide et réflexive est souvent convoquée ici. De tous les films de Haneke, c’est évidemment à Funny Games qu’on pense lorsque Goodnight Mommy sombre dans la violence et la torture.

Pour pouvoir prouver si cette femme est bien, oui ou non, leur mère, Lukas et Elias vont passer aux choses sérieuses. Une deuxième partie beaucoup plus explicite, qui fait la lumière sur les non-dits du début à coups de pleurs et de sang. C’est glaçant et dérangeant ; pourtant révéler le mystère au cinéma est souvent un processus déceptif : Goodnight Mommy ne fait pas exception en voulant expliquer ce que tout le monde présumait déjà – au lieu de se demander qui est la mère, demandons-nous qui sont les jumeaux. Malheureusement, les réponses attendues n’ont pas réellement d’importance narrative, elles viennent surtout arracher le spectateur au monde de l’entre-deux dans lequel il était si inconfortablement installé.

Mais au-delà de l’importance du récit, Goodnight Mommy est un hommage (conscient ou non, qui sait ?) à deux films fascinants du cinéma de genre, le fameux Créatures célestes (Peter Jackson, Grand Prix à Gérardmer en 1995) et le prodigieux et méconnu Mais ne nous délivrez pas du mal (Joël Séria, 1970), tous deux inspirés par la terrifiante affaire meurtrière Parker-Hulme. Trois films, trois traitements différents mais cette même subversion, ces mêmes questionnements sur l’identité et la famille ; ces mêmes figures religieuses à l’incommensurable petitesse, ces mêmes rites purificatoires pervers. Goodnight Mommy s’inscrit dans la lignée de ses deux prédécesseurs, une lignée racée et perturbante dont les représentants qui font date ne sont pas légion. A défaut d’être un chef-d’œuvre, ce premier film de Veronika Franz et Severin Fiala est une pièce ambitieuse et personnelle qui se contrefiche des jumpscares et autres demandes du cahier des charges horrifique, et c’est déjà beaucoup.

 
Goodnight Mommy (Ich Seh, Ich Seh) de Véronika Franz et Severin Fiala, avec Suzanne West, Lukas Schwarz, Elias Schwarz. Autriche, 2014. Présenté en compétition au 22e Festival du film fantastique de Gérardmer.

Michael Haneke, pour Aller-retour au-delà

Après les vieux malades et les enfants cruels, Michael tente la passe de trois avec un nouveau projet, centré autour d’enfants morts et de vieux cruels. Il entend par là même explorer la part sombre de l’homme, son rapport à la souffrance et à la violence, en posant les fondements d’une morale nouvelle.

Synopsis
Dans un orphelinat du nord de la Bavière, Edgar (Daniel Auteuil) et Simone (Isabelle Huppert) portent le deuil de deux des pensionnaires dont ils s’occupaient, tués au cours d’une rixe entre enfants. Ils doivent continuer à protéger les vivants, tout en faisant leur deuil. Petit à petit, le couple d’éducateurs se pose la question : peut-on aimer à la fois les victimes et les bourreaux ?
 

Jacques Audiard, pour La Nuit je mens

Ses collaborations avec Tonino Benacquista et Thomas Bidegain ayant fait long feu, c’est Michaël Youn qui a été choisi, à la surprise générale, comme scénariste du nouveau Jacques Audiard. Un tandem risqué, mais révélateur de la nouvelle orientation du réalisateur d’Un prophète, et dans le prolongement du travail de l’auteur de Fatal et Vive la France.

Synopsis
Robert Vert (Mathieu Kassovitz) est le patron d’une boîte de nuit sise aux Champs-Elysées. Elle est fréquentée par la mafia russe. Robert entre en conflit avec son frère Joseph (Romain Duris) et son père Bruno (Niels Arestrup), tous deux policiers, lorsque ceux-ci se rendent compte que le business de Robert l’amène à servir de caution à des trafiquants de drogue qu’ils traquent…
 

Quentin Tarantino, pour Sulla Linea

Kill Bill nous avait permis de constater l’amour de l’ex de Sofia Coppola pour le wu xia pian et le chanbara, Boulevard de la mort rappelait à ceux qui l’ignoraient encore la passion de Quentin pour la série B, et Django Unchained a permis au réalisateur de Pulp Fiction de tourner un western comme il l’entendait, enfin. Avec Sulla Linea, on découvre avec circonspection que Tarantino apprécie également le cinéma des « téléphones blancs », période faste du cinéma italien correspondant à la belle époque du régime mussolinien.

Synopsis
Marco (Samuel L. Jackson) est un carabiniere sans foi ni loi, corrompu et addict à l’huile de ricin (pour les « témoins », par pour son usage personnel). Lors d’une descente dans une fumerie d’opium clandestine, il fait la connaissance de Rita (Uma Thurman), une grande bourgeoise des beaux quartiers de Rome. Marco part en quête d’un téléphone afin de conquérir la belle par le plus moderne des moyens de communication…
 

Thomas Vinterberg, pour Une parenthèse

Vinterberg revient et ça fait du bien. Les amateurs de révélation familiale façon Festen, de drame fraternel manière Submarino ou les thuriféraires d’opprobres populaires en mode La Chasse n’ont qu’à bien se tenir avec Une parenthèse, ou la longue descente aux enfers de notre société en recherche de valeurs.

Synopsis
Lars (Ulrich Thomsen), déçu du tarif proposé par un trafiquant d’organes pour prélever un rein à chacune de ses filles jumelles, décide de prostituer ces deux dernières. Il emmène donc « la prunelle de ses yeux » non loin des chantiers de travaux publics et les installent dans un camping-car afin de pourvoir aux besoins des ouvriers présents non loin de là. Jusqu’au jour où débarque leur mère Sara (Liv Ullman), bien décidée elle aussi à relever les compteurs.
 

Wes Anderson, pour Symétrie m’était contée

Dessin animé, comédies sophistiquées ou hommage à Cousteau : la carrière de Wes Anderson demeure polymorphe. Peu l’attendaient pourtant sur le terrain du documentaire, et pourtant il sera le seul représentant du genre en compétition cette année.

Synopsis
Des grottes de Lascaux au boson de Higgs, des mosaïques de Pompéi à la troisième dimension au cinéma, la recherche de la perfection a accompagné chercheurs et artistes dans leur découvertes. Perspective, photoréalisme, symétrie : Wes Anderson enquête sur tous les aspects du lissage dans l’art et la science et s’auto-diagnostique par là même dans sa névrose obsessionnelle.
 

Hong Sang-soo, pour L’Hôtel du Rivage

Hong Sang-soo est un auteur. Il signe une œuvre, tel un Truffaut coréen, suivant inlassablement un même personnage, un même décorum, creusant ainsi son interrogation autour de la mystérieuse vie de l’homme et de la femme. Après Woman on the Beach, In Antoher Country, ou le bien nommé Ha Ha Ha, Hong Sang-soo revient à la plage.

Synopsis
Un écrivain, réalisateur, universitaire, se trouve dans une bourgade de bord de mer, alors qu’il doit donner une conférence non loin de là. Au cours d’un échange burlesque de chambres d’hôtel, il rencontre une intrigante jeune femme, enthousiaste et capricieuse, qu’il ne cessera de croiser par hasard. Troublé, il ne peut s’empêcher de penser à celle qui l’attend à Séoul, questionnant les notions d’engagement, de séduction et de marivaudage, en compagnie d’un marin désabusé et de litres de bière et d’alcool de riz…

 
Alors, impatients ? A bientôt pour le reste de la sélection 2014 !

Dimanche 24 février

Vincere, de Marco Bellocchio – 20h45 – Arte
Le Patient anglais, d’Anthony Minghella – 20h50 – D8
Les Garçons, de Mauro Bolognini – 0h20 – France 3

En ce jour d’élection en Italie, Arte n’est pas très sympa avec son petit camarade italien, et lui rappelle un passé peu reluisant. Avant un documentaire sur Hitler et Mussolini, Vincere brosse le portrait du futur Duce à travers un drame passionnel et se concentre sur sa maîtresse, Ida Dalser, sur laquelle il a une emprise totale. Une manière à la fois intelligente et lyrique de raconter l’Histoire.

Question lyrisme, Le Patient anglais se pose là. Mais comme ce soir, Emmanuelle Riva rejoindra peut-être la liste des actrices françaises oscarisées, on regarde Juliette Binoche en signe de soutien.

On revient en Italie en fin de soirée, avec Les Garçons, scénarisé par Pasolini. Ces garçons, ce sont Jean-Claude Brialy et Laurent Terzieff, embarqués dans le dédale des rues de Rome à la fin des années 1950, au volant d’une Fiat remplie d’armes, et de jolies filles.
 

Lundi 25 février

Sens unique, de Roger Donaldson – 20h50 – Arte
Women without Men, de Shirin Neshat – 22h40 – Arte

Puisque Kevin Costner a reçu un César d’honneur vendredi soir, on tente de comprendre pourquoi avec Sens unique. 1987. L’année des Incorruptibles, et quelques-unes avant la gloire de Danse avec les loups et autres Robin des Bois. Waterworld et The Postman sont encore loin, on donne donc une chance à ce thriller politique avec Gene Hackman, et en bonus, une apparition du jeune Brad Pitt.

Argo, qui rafle tous les prix depuis deux mois, a certainement brillé aux Oscars. L’occasion, avec Women without Men, de retourner à Téhéran avec la CIA, mais en 1953. Quatre femmes tentent d’échapper à la domination masculine.
 

Mardi 26 février

Le Petit Nicolas, de Laurent Tirard – 20h50 – M6
Je ne voudrais pas être un homme, d’Ernst Lubitsch – 0h40 – Arte
Quand j’étais mort, d’Ernst Lubitsch – 1h25 – Arte

Alain Chabat, le seul à avoir su rester fidèle à l’esprit de Goscinny dans son Astérix, a participé aux dialogues de cette adaptation du Petit Nicolas. Heureusement, parce que la reconstitution de la France Formica manquerait, sans lui, de l’espièglerie de ce petit garçon parfois trop sage.

Pour retrouver un maître de la comédie, il faudra veiller tard et attendre la diffusion de deux moyens-métrages d’Ernst Lubitsch sur Arte (ou le replay sur Arte+7) : Je ne voudrais pas être un homme, la fugue joyeuse d’une jeune femme, travestie, dans une soirée alcoolisée, et Quand j’étais mort, le retour d’un homme qui a feint son suicide dans la maison désormais tenue par sa belle-mère.
 

Mercredi 27 février

Caché, de Michael Haneke – 20h50 – Arte

La saison des prix étant terminée, on va peut-être pouvoir retrouver, au moins avant le prochain, une vie paisible sans Michael Haneke. Mais avant, une dernière petite séance d’un cinéma toujours un peu (voire beaucoup) malsain et pervers. Dans Caché, il est question de culpabilité, de manipulation et de faux-semblants. Et ça fait mal.
 

Jeudi 28 février

Narco, de Gilles Lellouche et Tristan Aurouet – 20h50 – D17
Une époque formidable, de Gérard Jugnot – 23h25 – France 3

Gus est narcoleptique, comme le titre, Narco, le laisse imaginer. Ses endormissements, rêves et fantasmes sont donc l’occasion d’autant de digressions fantasques, puisque Gus se voit alors en super-héros. La structure même du film conduit à un ensemble inégal, mais avec quelques percées assez enthousiasmantes.

Son titre est peut-être ce qu’il y a de plus réussi dans Une époque formidable. Ce moment de désillusion où l’on découvre que le chômage et l’exclusion ne concernent pas que les paumés. Un petit cadre et son pavillon bien propres sur eux le vivent comme une honte tellement insurmontable que ledit petit cadre finit à la rue. Les premiers pas d’une peur du déclassement.

 
Et ce week-end, une fois n’est pas coutume, lisez autre chose que le programme télé : on vous conseille un excellent essai sur Andy Kaufman, Comique extrémiste.

C’est une histoire d’une tristesse insondable et d’une parfaite simplicité. Un chapitre final, en marge d’autres qui, ici, conserveront leur part voilée. Car de la vie d’Anne et de Georges, professeurs de musique au crépuscule de leur existence, on ne saura que peu de choses. Un piano à queue, des livres et disques amoncelés au fil du temps dans un vaste appartement parisien, trahissent une passion et un métier communs ; un album photos, parcouru brièvement lors d’un déjeuner, laisse s’échapper les échos lointains d’une jeunesse évanouie et donne à entrevoir une trajectoire commune. Anne et Georges sont octogénaires. Ils s’aiment toujours et d’un amour puissant. Et le matin soudain où Anne, ébranlée par une tentative de cambriolage survenue la veille, est victime d’une absence cérébrale conséquente, leur couple doit accueillir la promesse d’une douleur : celle de voir l’être aimé s’éteindre, à petit feu.
« Rien de tout cela ne mérite d’être montré », dit Georges, digne et dévasté, à leur fille de passage (Isabelle Huppert, toute en raideur contrastée). La triviale cruauté de la situation, pourtant, jamais ne se dérobe à la caméra. Michael Haneke suit, pas à pas, les étapes de ce déclin et filme les liens qui unissent, plus que jamais, ces personnages l’un à l’autre. Jamais la distance, grammaire essentielle de son cinéma depuis Le 7e Continent, n’aura été teintée d’autant de tendresse et de chaleur humaine. Ici, nulle manipulation du regard, mais une pudeur et un respect immense pour ce qui se joue en direct : le soutien, indéfectible, face à l’inexorable et au chagrin.
Emmanuelle Riva et Jean-Louis Trintignant sont Anne et Georges à l’écran. Deux présences absolues, deux corps vieillissants, mais volontaires – jusque dans ces deux séquences burlesques, imprévisibles en la circonstance et dans le cinéma de Michael Haneke, où Anne, souriante, virevolte sur un fauteuil roulant dont le contrôle lui échappe, puis celle où Georges tente maladroitement de saisir un pigeon égaré dans leur appartement, une couverture à la main. Et deux voix aux timbres chargés de résonances d’envergure (celle d’Hiroshima mon amour, c’est elle, celle de Un homme et une femme, c’est lui). Elles sont sublimes, leurs voix, singulières et envoûtantes. Leurs personnages, érudits et bourgeois, s’expriment sans défaut et ont les accents de ceux qui ont eu le luxe de pouvoir cultiver leurs pensées, chemin faisant. Leurs phrasés, faits de ruptures et de silences, se déploient dans l’espace et circulent au sein de cet appartement concentrique et des cadres aérés qui en soulignent l’architecture. Ils se tissent aux notes de Schubert, chères aux cœurs des protagonistes, et malgré la stase qui à tout instant menace, c’est un apaisement que ce mariage sonore procure, un bercement, inattendu, aux portes de l’hypnose. C’est au cœur de chaque son que se tapit, discrète et larvée, la part romanesque de ce beau film musical traqué par le silence continu. Sa charge émotionnelle est considérable et bouleversante.

 
Amour de Michael Haneke, avec Jean-Louis Trintignant, Emmanuelle Riva, Isabelle Huppert. France, 2012. Palme d’or du 65e Festival de Cannes. Sortie le 24 octobre 2012.

» Retrouvez tout notre dossier dédié au 65e Festival de Cannes

Palme d’or

Amour de Michael Haneke
 

Grand Prix

Reality de Matteo Garrone
 

Prix de la mise en scène

Post Tenebras Lux de Carlos Reygadas
 

Prix du scénario

Au delà des collines de Cristian Mungiu
 

Prix d’interprétation féminine

Cristina Flutur et Cosmina Stratan dans Au delà des collines de Cristian Mungiu
 

Prix d’interprétation masculine

Mads Mikkelsen dans La Chasse de Thomas Vinterberg
 

Prix du jury

La Part des anges de Ken Loach
 

Caméra d’or

Les Bêtes du sud sauvage de Benh Zeitlin
 

Prix Un Certain Regard

Despues de Lucia de Michel Franco