De la dictature domestique d’une mère possessive à la tyrannie politique d’un dirigeant nord-coréen, il n’y avait qu’un pas que l’Ibère séditieux Eduardo Casanova franchit avec une réjouissante extravagance dans La Pietà : une fable trash et libertaire sur l’obsession du pouvoir et la soumission.

Mère toxique, intrusive et castratrice, l’oppressive Libertad – fantastique Ángela Molina (Cet obscur objet du désir, En chair et en os, Étreintes brisées) ! – préserve son fils Mateo – flegmatique Manel Llunell – du monde extérieur en le gardant maternellement enfermé dans un cocon à l’apparente douceur guimauve. En réalité, une prison rose bonbon qui, lorsque tombe la nouvelle du cancer de Mateo, devient la scène de théâtre suffocante et tragique d’une relation mère-fils aussi destructrice que consentie. Entre complexe d’Œdipe et syndrome de Stockholm…

En 2017, au fil d’un premier long-métrage déjà totalement disjoncté (Pieles), Eduardo Casanova nous plongeait dans un monde surréaliste peuplé de personnages difformes, comédie noire sans concession sur le complexe et l’acceptation de soi. « Une riposte punk, rebelle et violente à la construction sociale et à toute la pression à laquelle la société est confrontée », avait alors expliqué le jeune réalisateur espagnol. Avec La Pietà, le cinéaste s’entête, nous entraînant à nouveau dans un univers imaginaire où le rose, omniprésent, n’est que l’emballage sucré d’une sombre allégorie acide et violente autour des thèmes de la soumission, du pouvoir et du contrôle absolu. Comme « un coup de sabre dans une jolie pièce montée », Eduardo Casanova tranche dans le vif des faux-semblants d’une société moderne autoritaire où la « liberté » (« libertad »), incarnée par une figure maternelle au comportement despotique, devient symbole de souffrance et de mort : une Pietà, selon le thème artistique de l’iconographie picturale chrétienne. Mais Eduardo Casanova va plus loin, très loin en associant cette figure maternelle à celle, paternaliste et totalitaire, de Kim Jong-il (oui, oui !). Parallèle pour le moins piquant entre d’un côté cette relation mère-fils maladivement délétère et de l’autre, l’emprise du dictateur nord-coréen sur son peuple. Entre deux mondes où la liberté fait peur. Car c’est bien la question que pose le cinéaste. En nous intimant à tout définir et contrôler – nos vies, nos enfants, nos carrières, notre sexualité… –, nos sociétés libres ne brouillent-elles pas notre perception de la réalité ? Nos choix nous appartiennent-ils vraiment ou sont-ils les réponses attendues par une dictature invisible aux préceptes moraux prédéfinis ?

Toujours est-il que sa liberté, Eduardo Casanova s’en empare ici avec une énergie folle et jubilatoire, la laissant exploser à l’écran dans un film de genreS où s’entremêlent horreur et mélo, absurde et comédie potache. Où les décors et les costumes aux teintes pastel immaculées contrastent avec la noirceur du malheur et de la souffrance qui frappe cette mère et son grand garçon. Des confessions du réalisateur lui-même, Todd Solondz, Gaspar Noé, David Cronenberg ou encore Douglas Sirk comptent parmi ses influences. Mais on pense surtout ici à l’enfant de la Movida, el maestro Pedro Almodovar, ainsi qu’à John Waters auquel le réalisateur espagnol est souvent associé. Les deux trublions sont d’ailleurs très amis. De quoi faire de La Pietà une sorte de Tout sur ma mère à la sauce Pink Flamingos. Si le film divisera certainement, il nous a en tout cas totalement embarqués, cette Pietà portant en elle une vision qui mérite que l’on y réfléchisse…

 
La Piedad (Pietà), d’Eduardo Casanova avec Ángela Molina, Manel Llunell, Ana Polvorosa… Espagnol, Argentine, 2022.

Un cinéaste vieillissant, en tout cas souffrant – du dos, de la tête, de l’œsophage, et de la perte de sa mère. Almodóvar, habitué des portraits de femme, fait ici celui d’un homme, le sien. Il prête à Antonio Banderas sa coiffure, ses vêtements, le décor de son appartement. Il prête à son personnage presque son nom (Salvador Mallo), sa carrière, ses douleurs (lui aussi a été opéré du dos), son deuil. Almodóvar refuse de détricoter le vrai du faux, mais peu importent les faits quand les émotions sont aussi réelles et palpables.

Douleur et gloire s’articule autour de trois scènes clés, trois manières de revenir sur sa vie. La première est un monologue, qu’un acteur avec lequel Salvador vient de se réconcilier dit sur scène. Un texte très personnel qu’il a trouvé dans l’ordinateur du réalisateur empêché de travailler, qui n’avait pas vocation à être lu, encore moins joué. Un témoignage de la Movida, un retour sur son grand amour de ces années-là, sincère et touchant. La deuxième est celle des retrouvailles avec cet homme, d’une pudeur bouleversante. Si Almodóvar a beaucoup filmé les femmes c’est qu’il trouve leur manière d’exprimer leurs émotions plus dramatique, au sens théâtral du terme. Mais en filmant ces deux hommes, leur émotion retenue et leur désir contenu, leurs regards et leurs gestes, il est aussi à son meilleur. La troisième est la réminiscence de sa mère à la fin de sa vie. Ses reproches à elle, ses regrets à lui.

Douleur et gloire est aussi un film sur la solitude et le sentiment d’impuissance. Face à la maladie, la vieillesse, l’addiction. Les siennes, celles des autres. Tout cela semble d’une tristesse infinie. Et pourtant, ça ne l’est pas. Tout à sa sobriété, Pedro Almodóvar n’oublie pas ses années flamboyantes, les couleurs vives, l’humour du désespoir. Surtout, entre ces scènes clés, Salvador qui se met doucement à l’héroïne pour oublier ses douleurs, se prend à rêver de son enfance. Ce qui donne les séquences les plus lumineuses du film. Une enfance dans une maison troglodyte aux murs éclatants de chaux, sa mère, alors incarnée par Penélope Cruz, aussi vive qu’elle l’était dans Volver, et un jeune ouvrier, objet du « premier désir ». Et source du dernier espoir.
 
Douleur et gloire de Pedro Almodóvar, avec Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia. Espagne, 2019. En compétition du 72e Festival de Cannes. Sortie le 17 mai 2019.

Palme d’or

The Square, de Ruben Ostlund
 

Prix du 70e anniversaire

Nicole Kidman
 

Grand Prix

120 battements par minute, de Robin Campillo
 

Prix de la mise en scène

Sofia Coppola pour Les Proies
 

Prix d’interprétation masculine

Joaquin Phoenix dans You Were Never Really Here, de Lynne Ramsay
 
 

Prix d’interprétation féminine

Diane Kruger dans In the Fade, de Fatih Akin
 

Prix du jury

Faute d’amour, d’Andreï Zvyaguintsev
 

Prix du scénario ex aequo

Mise à mort d’un cerf sacré, de Yorgos Lanthimos
You Were Never Really Here, de Lynn Ramsay
 

Caméra d’or

Jeune femme, de Léonor Serraille
 

Prix Un Certain Regard

Un homme intègre, de Mohammad Rasoulof
 

Prix d’interprétation féminine Un Certain Regard

Jasmine Trinca pour Fortunata, de Sergio Castellito
 

Prix de la poésie du cinéma Un Certain Regard

Barbara, de Mathieu Amalric
 

Prix de la mise en scène Un Certain Regard

Taylor Sheridan pour Wind River
 

Prix du jury Un Certain Regard

Les Filles d’Avril, de Michel Franco

La Sélection officielle sortira également l’argenterie côté hors compétition – avec notamment les derniers films de Roman Polanski et d’Agnès Varda – et séances spéciales – avec Hong Sang-soo, Raymond Depardon, Claude Lanzmann, Vanessa Redgrave… Sans oublier les « morceaux » de premier choix retenus pour la sélection Un Certain Regard, présidée cette année par Uma Thurman. Au menu, entre autres, Mathieu Amalric, Laurent Cantet, Michel Franco, Kiyoshi Kurosawa ou encore le trop rare Mohammad Rasoulof.

Enfin, 70e édition oblige, Cannes Classics dédiera en grande partie sa sélection à l’histoire du Festival de Cannes. Une sélection de prestige née de la révolution numérique, il y a 15 ans, alors que le cinéma s’inquiétait plus que jamais de l’entretien et de la transmission de sa mémoire. Et une sélection qui, cette année, fera la part belle à certains des plus grands chefs-d’œuvre du festival : de La Bataille du rail de René Clément à L’Empire des sens de Nagisa Oshima, en passant par Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot, Blow Up de Michelangelo Antonioni, All That Jazz de Bob Fosse et Au milieu coule une rivière de Robert Redford.

Ca brillera donc sans doute un peu plus que d’habitude cette année du côté de la Croisette. D’autant que, fort de sa Sélection officielle taillée dans le marbre, le Festival de Cannes pourra également compter sur les perles tout aussi précieuses du palais Stéphanie et de la Quinzaine des réalisateurs, comme sur les diamants bruts de la Semaine de la critique, au Miramar.

La sélection officielle

Film d’ouverture
Les Fantômes d’Ismaël d’Arnaud Desplechin

En compétition
Faute d’amour d’Andreï Zviaguintsev
Good Time de Benny et Josh Safdie
You Were Never Really Here de Lynne Ramsay
Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó
A Gentle Creature de Sergei Loznitsa
The Killing of a Sacred Deer de Yorgos Lanthimos
Hikari (Radiance) de Naomi Kawase
Geu-Hu (The Day After) de Hong Sang-soo
Wonderstruck de Todd Haynes
Rodin de Jacques Doillon
120 Battements par minute de Robin Campillo
Happy End de Michael Haneke
L’Amant double de François Ozon
Le Redoutable de Michel Hazanavicius
The Beguiled de Sofia Coppola
Okja de Bong Joon-Ho
Aus Dem Nichts (In The Fade) de Fatih Akin
The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach
The Square de Ruben Ostlund

Hors compétition
Mugen no Junin de Takashi Miike
How to Talk to Girls at Parties (Comment parler aux filles en soirée) de John Cameron Mitchell
D’après une histoire vraie de Roman Polanski
Visages Villages d’Agnès varda

Un Certain Regard
Barbara de Mathieu Amalric
La Fiancée du désert de Cecilia Atan & Valeria Pivato
Etroitesse, de Kantemir Balagov
La Belle et la Meute de Kaouther Ben Hania
L’Atelier de Laurent Cantet
Lucky de Sergio Castellitto
Les Filles d’Avril de Michel Franco
Western de Valeska Grisebach
Directions de Stephan Komandarev
Out de Gyorgy Kristof
Before We Vanish de Kiyoshi Kurosawa
En attendant les hirondelles de Karim Moussaoui
Dregs de Mohammad Rasoulof
Jeune femme de Léonor Serraille
Wind River de Taylor Sheridan
Après la guerre de Annarita Zambrano
La Cordillera de Santiago Mitre
Walking Past the Future de Li Ruijun

Séances spéciales
Une suite qui dérange de Bonni Cohen & Jon Shenk
They de Anahita Ghazvinizadeh
Eul-le-eo-ui Ka-me-la (Clair’s Camera) de Hong Sang-soo
12 jours de Raymond Depardon
Promised Land de Eugene Jarecki
Napalm de Claude Lanzmann
Demons in Paradise de Jude Ratman
Sea Sorrow de Vanessa Redgrave
Le Vénérable W. de Barbet Schroeder
Carré 35 d’Eric Caravaca
Zombillénium d’Arthur de Pins & Alexis Ducord

Séances de minuit
The Villainess de Jung Byung-gil
The Merciless de Byun Sung-hyun
Prayer Before Dawn de Jean-Stéphane Sauvaire

Cannes Classics : Une brève histoire du Festival de Cannes
1946 : La Bataille du rail de René Clément (France) : Grand Prix international de la mise en scène et Prix du jury international
1953 : Le Salaire de la peur de Henri-Georges Clouzot (1952, France, Italie) : Grand Prix
1956 : Un petit carrousel de fête de Zoltán Fábri (1955, Hongrie) : en compétition
1957 : Vers l’inconnu ? de Georges Nasser (Liban) : en compétition
1967 : J’ai même rencontré des Tziganes heureux d’Aleksandar Petrović (Serbie) : Grand Prix spécial du jury, Prix de la critique internationale – FIPRESCI ex æquo
1967 : Blow-up de Michelangelo Antonioni (1966, Royaume-Uni, Italie, États-Unis) : Grand Prix international du Festival
1969 : Matzor (Siège) de Gilberto Tofano (Israël) : en compétition
1970 : Soleil O de Med Hondo (Mauritanie, France) : Semaine de la critique
1976 : Babatu, les trois conseils de Jean Rouch (Niger, France) : en compétition
1976 : L’Empire des sens de Nagisa Oshima (France, Japon) : Quinzaine des réalisateurs
1980 : All that Jazz (Que le spectacle commence) de Bob Fosse (1979, ÉtatsUnis) : Palme d’or
1981 : L’Homme de fer d’Andrzej Wajda (Pologne) : Palme d’or
1982 : La Permission de Yilmaz Güney, réalisé par Serif Gören (Suisse) : Palme d’or ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI
1983 : La Ballade de Narayama de Shôhei Imamura (Japon) : Palme d’or
1992 : El sol del membrillo (Le Songe de la lumière) de Victor Erice (Espagne) : Prix du jury ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI

» Voir la sélection de la 49e Quinzaine des réalisateurs
» Voir la sélection de la 56e Semaine de la critique

 
Votre premier souvenir de cinéma ?

Beetlejuice. La première BO que j’ai achetée d’ailleurs, en 33 tours.

Le film qui a bercé votre enfance ?

On va plutôt dire adolescence. La trilogie Retour vers le futur (surtout le premier) que j’avais vue en version française et que je ne peux revoir d’ailleurs qu’en version française ! Je l’ai vue un nombre incalculable de fois, je la connais par cœur. C’est tellement de nostalgie pour moi, que j’ai maintenant un peu de mal à la regarder, ça dépasse les films en eux-mêmes. Je ne les regarde plus en entier, juste quelques extraits. C’est une madeleine de Proust incroyable.

L’acteur ou l’actrice disparu(e) avec qui vous pourriez dîner ?

Alfred Hitchcock, Orson Welles qui était un passionné de magie. Pour leur mystère, leur univers. Autant dîner avec des légendes !

Premières larmes devant un film ?

E.T., bien sûr ! Quand il remonte dans son vaisseau et qu’Elliott reste tout seul. Je me revois encore pleurer devant ma télé !

Les derniers fous rires au cinéma ?

Ca, c’est beaucoup plus rare ! Je ne vais plus trop au cinéma, je n’ai plus le temps hélas. Mais je ne suis pas un bon spectateur pour les fous rires. En comédies culte, il y aurait La Cité de la peur, mais récemment, c’est plus difficile à trouver. Quoique, j’ai bien aimé Date limite avec Robert Downey Jr et Zach Galifianakis que j’avais trouvé plutôt bien fait, tout en décalage. C’est un road movie où on ne s’ennuie pas, qui est très inventif.

Le film le plus effrayant ?

Ma mère adorait les films d’horreur, donc j’en ai vu plein quand j’étais gosse qui n’étaient pas du tout de mon âge. Je suis assez blindé maintenant. Je pourrais plus citer des films de guerre comme Platoon, Apocalypse Now. Je les ai vus vers 14-15 ans et j’ai l’impression que ces films-là sont dix fois plus puissants que ceux que l’on fait aujourd’hui. Ou alors c’est parce que je ne suis plus ado et que mon regard a changé. Tous les souvenirs de bons films ont pour moi plus de vingt ans…

Le film le plus érotique ?

Basic Instinct avec Sharon Stone et son pic à glace et parce que j’adore Michael Douglas.

Le film culte que vous gardez précieusement ?

Le Prestige, de Christopher Nolan. Un film qui traite de ce que je fais, par un réalisateur que j’adore, dans une narration très complexe. Je peux le regarder vingt fois sans me lasser. Je me remets des séquences dans ma tête dans l’ordre que je veux.

Un film que vous auriez aimé réaliser ?

Il y en a plus d’un ! Tout sur ma mère, car c’est l’un des films qui m’a donné envie de devenir metteur en scène. Il y a des séquences et des répliques incroyables comme « Cette femme, c’est ton père ! » et j’adore les histoires d’Almodovar avec leur côté liens particuliers, très sexuels, androgynes, travestis, le mélange de vrai et de faux, je suis très fan !

Vous mettriez qui dans votre Panthéon du cinéma ?

Woody Allen, Pedro Almodovar, Tim Burton, Christopher Nolan, Wong Kar-wai qui, je trouve, a un très gros rapport avec Almodovar, trop gros pour que ce ne soit pas involontaire. Truffaut aussi, même s’il y a des films qui m’ont ennuyé, mais Les 400 Coups me rappelle une époque où je voulais apprendre la mise en scène et on y revoit le Paris des années 1950 où les pierres étaient encore noires. Ce film est très triste. J’aime les films tristes.

Vous regrettez de ne plus réaliser ?

J’ai réalisé huit courts-métrages, mais je ne pense pas que je sois fait pour ça. J’aurais peut-être dû réaliser des films écrits par d’autres que moi. Je me suis rendu compte que je n’avais pas tant de choses à raconter, ni le talent pour ça. Je suis très heureux dans mon métier et maintenant, je mets en scène mes spectacles et j’en suis très fier. Je réutilise ce que j’ai appris, notamment pour les petits films qu’on retrouve dans Emprise et que j’ai réalisés. J’ai fait aussi des vidéos promotionnelles pour les réseaux sociaux, dont le but est de surprendre et d’être amusantes. Je me sens un peu largué par rapport à tout ça avec les Youtubeurs qui se filment dans leur chambre et qui passionnent des millions de personnes. Godard disait qu’il faut regarder une ou deux vidéos de ce que font les autres et faire tout l’inverse. C’est ce que j’ai essayé avec les miennes. Ca me rappelle l’époque où je voulais faire du cinéma. Mais tout change trop vite, j’ai raté mon siècle ! Heureusement, tout reste à faire dans le domaine du mentalisme : je peux encore essayer d’être moderne sur scène, voire de paraître en avance !

Il y a une vraie ambiance cinématographique pendant ce spectacle, justement…

Oui, je ne veux pas qu’on s’ennuie. Le théâtre, c’est cher, trois fois plus cher que le cinéma, même si on propose du spectacle vivant, différent, mais il faut rivaliser avec Peter Jackson et ses trois milliards de budget et ses effets spéciaux. Il faut que je sois trois fois meilleur que lui car les spectateurs vont payer trois fois le prix pour venir me voir. J’ai l’avantage que les gens vivent ce qu’ils voient. J’essaie donc de construire une mise en scène comme dans le cinéma que j’aime, avec une rupture toutes les cinq minutes et on passe par plein d’émotions. On doit pouvoir tout ressentir, la surprise, le rire, le mystère, le suspense, la tension dramatique…

Les personnes que vous faites monter sur scène sont un peu des comédiens que vous dirigez ?

Un peu, oui. Ils sont ma matière. Mon but est de deviner ce qu’ils pensent et de leur faire faire ce que je souhaite. Je les oriente donc jusque dans leurs choix, sans qu’ils ne s’en rendent compte. Le gros avantage sur le cinéma, qu’il n’offrira jamais, c’est que le spectacle est partout : sur scène, mais également dans la salle. Le cinéma est une expérience reconductible. Au théâtre, c’est perméable, il peut y avoir des ratés, on ne fait jamais le même spectacle tous les soirs, les gens montent sur scène, je descends jusqu’à eux, je leur parle… C’est ça qui est plus puissant que ce que l’on peut vivre au cinéma.

L’ambiance du spectacle rappelle Méliès. Une de vos références ?

Non, je n’avais pas vraiment de référence, si ce n’est que je voulais du noir et blanc, de l’animation, car j’aborde le XIXe siècle. Je ne me suis pas inspiré de réalisateur en particulier. Mais Méliès c’est un peu notre père à tous, nous les illusionnistes. Son spectre est forcément là. Je ferai peut-être un jour un spectacle sur lui.

Vous incarnez également un personnage sur scène…

Je ne me considère pas comme un acteur, mais maintenant que je suis passé de ce côté-ci de la scène, je pense que je dirigerais différemment des comédiens. Je ne pense pas pouvoir tout jouer, même si j’aimerais essayer. Pour ce spectacle, mon co-metteur en scène, Nikola Carton, me donne les intentions de jeu, fait en sorte que je ne m’éloigne pas de mon intention première. Sur scène, je ne suis pas loin de ce que je suis, j’ai composé à partir de ce que je suis, même si c’est en plus froid et plus posé. Mon prochain spectacle aura tout de même une ambiance moins anxiogène…

Quoi ?
Les femmes chez Almodovar sont un objet de fascination sans cesse renouvelé. Il les met en scène dans tous les états, émotionnels (au bord de la crise de nerfs, fortes, désespérées, combatives) et physiques (le corps transformé, mutilé et/ou attaché). On attend donc avec impatience d’en savoir plus de cette Julieta, qui pour la première fois chez le cinéaste, donne son nom au film. Un seul personnage, mais deux actrices — Emma Suarez et Adriana Ugarte — à trente ans d’écart. Au bord de la folie, Julieta se perd dans ses souvenirs, celui des disparus : un homme, une fille. Et on sait qu’Almodovar est à son meilleur quand il est au plus près de ses personnages, de leurs failles, de leur folie. Ici, il adapte trois nouvelles du recueil Fugitives de la Canadienne Alice Munro, Nobel de littérature en 2013 : Hasard, Bientôt et Silence. Retour à la sobriété, semble-t-il, pour le cinéaste, et au drame psychologique. Moins d’extravagance pour celui qui en a fait sa marque de fabrique ? On ne peut y croire. Surtout que Rossy de Palma, notamment présente dans ses films de la fin des années 1980-début des années 1990, figure au générique. Un bon présage ?

Résultat des courses
Retour au portrait de mère et au romanesque avec tout ce qu’il comprend chez Almodovar de mélodrame et de rebondissements. Julieta porte en lui ce qui avait fait le charme et la grandeur de Tout sur ma mère. La voix off et le train qui dans un même élan décident de replonger dans le passé. La vie avec, puis sans l’enfant. L’équilibre fragile de nos vies.

Julieta, la cinquantaine, s’apprête à quitter Madrid avec son fiancé quand elle croise dans la rue une jeune femme qui lui dit avoir vu sa fille près du lac de Côme. Chamboulée, elle annule son départ. Obsédée par l’idée de revoir sa chair, son sang, elle recolle les morceaux d’une vieille photo qu’elle avait déchirée par colère, par chagrin. Et elle entame, par écrit, le récit de sa vie, depuis la rencontre avec le père de son enfant, une nuit d’orage dans un train. En faisant défiler sa vie pour la raconter à sa fille, Julieta change d’époques et de décors. Pedro Almodovar, virtuose dans l’art de manier l’ellipse et de nous parler de la fragilité des liens qui unissent les êtres. De ce que cela signifie de laisser partir ses enfants, de vieillir sans eux, de ne pas connaître réellement les adultes qu’ils sont devenus.

Alors évidemment tout ça échappe chez le réalisateur espagnol aux contingences du quotidien. Les drames se succèdent et s’entremêlent comme dans un mythe grecque, les êtres sont beaux, les couleurs éclatantes, la mer déchaînée. Les héros affrontent leur fatum. La malédiction contagieuse se transmet de mère en fille. Le temps file et la vie est une succession d’adieux.
(MC)

Julieta de Pedro Almodovar, avec Adriana Ugarte, Inma Cuesta, Rossy de Palma, Emma Suarez… Espagne, 2016. Sortie le 18 mai 2016. En compétition au 69e Festival de Cannes.

La Piel que habito de Pedro Almodovar, avec Antonio Banderas, Elena Anaya, Marisa Paredes. Espagne, 2011. En compétition au Festival de Cannes 2011.