Ameline Thomas est responsable des ventes pour Film Republic, agence de vente internationale basée à Londres, spécialisée dans les longs-métrages art-house et de langue étrangère. C’est à elle et à ses deux collègues, Xavier Henry Rashid et Inès Skrbic, qu’il revient de faire le lien entre producteurs et distributeurs. Faire connaître un film aux acheteurs, négocier ses ventes et sa représentation à l’international, organiser ses campagnes publicitaires mais aussi gérer son circuit festivalier et ses prix. Bref, c’est beaucoup de missions. Une chance, mais surtout une grande responsabilité.

Comme chaque année, Film Republic se rend au marché du film du Festival de Cannes. Pendant douze jours, c’est the place to be pour rencontrer acheteurs et programmateurs, et pour présenter leurs nouvelles acquisitions. C’est là qu’on a rencontré Ameline Thomas. Entretien éclairant sur le travail et les enjeux d’une société de vente de films.

En quoi vous différenciez-vous d’une société de distribution ?

De façon purement technique, un distributeur a une relation B2C (Business to Consumer), alors qu’une agence de vente est B2B (Business to Business). Notre rôle est de faire parvenir le film aux sociétés de distribution, de trouver pour chaque territoire l’acheteur adapté ; à lui par la suite de rendre ce film disponible aux spectateurs, via le média de son choix (salles, TV, VOD, airlines…). Il arrive que certaines compagnies fassent à la fois de la vente et de la distribution (c’est le cas, par exemple, de Pathé), d’autres font également de la production (Europacorp), et d’autres encore sont diffuseurs (comme Canal+, TF1…). Il existe des agences de vente spécialisées pour tout type de film, du blockbuster au film d’auteur, film de genre, LGBT+, docs, art & essai, etc.

Comment démarchez-vous de potentiels clients ?

Dans notre circuit, les acheteurs tendent à privilégier soit ce qu’ils connaissent, soit qui ils connaissent. Dans la catégorie « ce qu’ils connaissent », il y a les titres qui ont été sélectionnés dans les festivals les plus importants (Cannes, Berlin, Venise, Sundance…). C’est la raison pour laquelle il est primordial de positionner au mieux un film dès le début. La stratégie festivalière mise en place peut accroître la valeur de l’œuvre et son potentiel de vente de façon décisive. L’autre facteur, le facteur humain, est tout aussi important. La présence d’un agent de vente, en plus d’apposer un certain sceau de qualité et de rentabilité, assure la représentation du ou des films à l’échelle internationale, et facilite les rapprochements entre acheteurs de différents pays.

Comment se déroule une journée type au Festival de Cannes pour Film Republic ?

Sur le papier, notre travail peut sembler très glam. En vrai, le quotidien pendant les marchés et festivals est surtout épuisant ; entre deux et quatre rendez-vous par heure, de tôt le matin à tard le soir, à pitcher nos films à la chaîne en chassant sans relâche les distributeurs les plus appropriés pour chaque titre. Le soir, on se sépare pour couvrir un maximum de cocktails et réceptions, jusqu’à une quinzaine organisés chaque jour. On ajoute à ça quelques projections, très tôt ou très tard, quelques heures de sommeil, et ça repart !

Vous rendez-vous dans d’autres festivals en France ou à l’étranger ?

A nous trois, nous nous partageons une quarantaine de festivals chaque année, parmi lesquels des pitching pools, marchés de coproduction, forums de documentaires, événements tels que Karlovy Vary, Asian Film Market, Nordic Film Market, Cinelink à Sarajevo, Cinemart à Rotterdam, les grands marchés tels que Cannes, l’EFM de Berlin, etc.

Que diriez-vous de l’état du marché de la vente de film actuellement ?

On ne peut pas nier ou ignorer que le marché change à toute vitesse. Plus que jamais, il est nécessaire d’avoir une vision large des revenus d’un film, étalée sur plusieurs années. Traditionnellement, les acheteurs TV et salle se complètent pour arriver à un bilan positif ; or on a vu ces dernières années les diffuseurs acheter moins et payer moins, et en conséquence, tous les mois, de nombreuses agences de vente mettent la clé sous la porte. La conséquence directe des restrictions budgétaires chez les grands diffuseurs du câble est que ces diffuseurs achèteront en bloc aux plus gros vendeurs de quoi remplir leurs créneaux, essentiellement des valeurs dites « sûres », soit – eh oui – des titres d’Hollywood. C’est une réalité avec laquelle il faut composer, mais qui est indéniablement frustrante quand notre travail est de faire voir et faire valoir des œuvres indépendantes et étrangères.

Pour finir, quelles sont les qualités indispensables pour exercer ce métier ?

Une bonne mémoire, un bon métabolisme, des cordes vocales fonctionnelles, et une dose nécessaire de recul.

 
» http://filmrepublic.biz/

Palme d’or

The Square, de Ruben Ostlund
 

Prix du 70e anniversaire

Nicole Kidman
 

Grand Prix

120 battements par minute, de Robin Campillo
 

Prix de la mise en scène

Sofia Coppola pour Les Proies
 

Prix d’interprétation masculine

Joaquin Phoenix dans You Were Never Really Here, de Lynne Ramsay
 
 

Prix d’interprétation féminine

Diane Kruger dans In the Fade, de Fatih Akin
 

Prix du jury

Faute d’amour, d’Andreï Zvyaguintsev
 

Prix du scénario ex aequo

Mise à mort d’un cerf sacré, de Yorgos Lanthimos
You Were Never Really Here, de Lynn Ramsay
 

Caméra d’or

Jeune femme, de Léonor Serraille
 

Prix Un Certain Regard

Un homme intègre, de Mohammad Rasoulof
 

Prix d’interprétation féminine Un Certain Regard

Jasmine Trinca pour Fortunata, de Sergio Castellito
 

Prix de la poésie du cinéma Un Certain Regard

Barbara, de Mathieu Amalric
 

Prix de la mise en scène Un Certain Regard

Taylor Sheridan pour Wind River
 

Prix du jury Un Certain Regard

Les Filles d’Avril, de Michel Franco

Notre Palme d’or

120 battements par minute, de Robin Campillo

Notre Grand Prix

Faute d’amour, d’Andreï Zvyaguintsev

Notre Prix d’Interprétation masculine

Robert Pattinson dans Good Time, de Benny et Josh Safdie

Notre Prix d’Interprétation féminine

Diane Kruger dans In the Fade, de Fatih Akin

Notre Prix du Scénario

Vers la lumière, de Naomi Kawase

Notre Prix de la Mise en scène

You Were Never Really Here, de Lynne Ramsay

Notre Prix du Jury

Une femme douce, de Sergei Losnitza

Et sinon, vous pouvez aussi lire notre faux pronostic…

 
Prix Savez-vous danser la carioca
Jeannette, de Bruno Dumont

Prix Remboursez nos invitations
D’après une histoire vraie, de Roman Polanski

Prix Laissez la police faire son travail
L’Intrusa, de Leonardo Di Constanzo

Prix Juste un doigt, vous voulez pas un whisky d’abord
Un beau soleil intérieur, de Claire Denis

Prix Vous savez où trouver de bonnes gencives de porc dans la région
Okja, de Bong Joon-ho

Prix Il ne peut plus rien nous arriver d’affreux maintenant
In the Fade, de Fatih Akin

Prix O, D, I, maintenant L, qu’est-ce que ça peut bien vouloir dire
Une femme douce, de Sergei Loznitsa ex aequo avec Twin Peaks saison 3, de David Lynch

Prix Des voitures qu’elles sont bien pour les conduire
Frost, de Sharunas Bartas

Prix Laissez-moi passer j’ai une invit’
Netflix pour ses multiples présences à Cannes

Prix Meurs, pourriture communiste
Faute d’amour, d’Andreï Zvyaguintsev

Prix Skölofensrü
The Square, de Ruben Ostlund

Prix Alors que revoilà la sous-préfète
Nicole Kidman pour ses multiples présences à Cannes (Les Proies, Mise à mort du cerf sacré, How to Talk to Girls at Parties, Top of the Lake saison 2)

Prix C’est une véritable boucherie
The Villainess, de Jung Byun-gil

Prix Je n’écrirai rien sur ce film, c’est une merde
Bushwick, de Cary Murnion et Jonathan Milott

Prix Paf pastèque
Un homme intègre, de Mohammad Rasoulof

Prix Je suis le Pape et j’attends ma sœur
Jupiter’s Moon, de Kornel Mundruczo

Prix Un pull-over ça moule, et une moule ça pue l’ovaire
L’Amant double, de François Ozon

Prix Banco, on vend la caravane
Mobile Home, de Vladimir de Fontenay ex aequo avec Cuori puri, de Roberto de Paolis

Prix Monsieur n’est pas une tapette géante, monsieur est commissaire de police
Twin Peaks saison 3, de David Lynch

Prix En fait, je suis pas vraiment acteur
La famille Amato dans A ciambra, de Jonas Carpignano
Mention spéciale à Eva Green dans D’après une histoire vraie, de Roman Polanski

Prix On vote ? Moi je vote : il bluffe
Yorgos Lanthimos pour Mise à mort du cerf sacré

Prix Qu’est-ce qu’il y connaît aux filles, Rick Hunter ?
Colin Farrell dans Les Proies, de Sofia Coppola

Prix Simon, va falloir nous le vendre, ce film
A fabrica de nada, de Pedro Pinho

Prix Quand je suis content, je vomis
How to Talk to Girls at Parties, de John Cameron Mitchell

Prix Pour des raisons de budget, la scène suivante sera entièrement doublée à la bouche
Barbara, de Mathieu Amalric

Prix Jetez-moi là
The Rider, de Chloe Zhao

Prix Cons de mimes
La femme douce de Une femme douce, de Sergei Loznitsa

Prix A votre avis, c’est qui le plus fort, l’hippopotame ou l’éléphant ? Parce que l’hippopotame il est quand même très fort
Joaquin Phoenix dans You Were Never Really Here, de Lynne Ramsay

Prix La victime a été tuée à la saucisse et au marteau
You Were Never Really Here, de Lynn Ramsay

Prix Et mes cousins ils ont dormi dans la chambre du bas parce que j’avais prêté mon pull à ma sœur
The Meyerowitz Stories, de Noah Baumbach

Prix Pendant ce temps à Vera Cruz
La Defensa del dragon, de Natalia Santa

Et bien sûr, notre vrai palmarès rêvé est ici !

Dans la région du Forez, Claudette, Jean-Clément, Christiane, Raymond et Mathilde ont un point en commun : ils sont paysans (éleveurs ou agriculteurs) et ont toutes les peines du monde à s’en sortir financièrement. Ils se battent avec l’administration, l’assistante sociale, les impôts, et des lois absurdes qui les asphyxient. Mais le pilier de ce documentaire, c’est Claudette, vieille dame âgée de 80 ans, qui vit seule dans sa ferme et refuse de céder ses terres.

Sans adieu nous aide à mieux comprendre ce milieu, à travers différentes histoires : les vaches de Jean-Clément et de sa femme sont bien plus qu’un simple gagne-pain, ce sont des êtres vivants avec lesquels se noue une relation. Quand le troupeau est emmené pour effectuer une série de tests afin de déterminer la présence de la vache folle ou non, le couple se braque en raison du manque de considération à l’égard de leurs bêtes. Christiane, célibataire, parle de ses difficultés à garder un compagnon en tant que femme, parce qu’elle se refuse à quitter sa campagne et sa ferme dans laquelle elle a travaillé toute sa vie. Quant à Raymond, il reste coincé dans un passé bel et bien révolu, accompagné de photos de lui et de ses proches, du temps où les choses étaient plus simples. La nature, elle, est vaste et silencieuse, tantôt accueillante et lumineuse, tantôt froide et boueuse. La caméra de Christophe Agou filme la solitude de ses protagonistes, leur nostalgie, et leurs animaux. Chats, chiens, vaches et oies font partie intégrante de ce documentaire, et sont filmés comme des personnes. Retirez-les, et ce n’est plus le même film.

C’est à mesure des séquences que se ressentent l’attachement et l’engagement sincère du réalisateur à un monde paysan en détresse. Le cœur gros, on regarde défiler lentement le générique de Sans adieu, tout en repensant avec admiration à la foi inébranlable de ces héros et héroïnes qui ne cessent jamais, mais absolument jamais, de lutter.

 
Sans adieu de Christophe Agou. France, 2017. Présenté à la sélection ACID au 70e Festival de Cannes.

Sarah et sa famille rentrent à Colmar, ville d’Alsace plongée sous le froid et la grisaille, après une très courte période à Paris, peu concluante. Lycéenne caractérielle, Sarah suit des cours de patinage artistique depuis à peu près toujours, et revient dans son ancien club en déclin. L’objectif de sa mère : voir sa fille accéder à la première marche du podium au championnat de France, quitte à aller voir une voyante pour se rassurer. Celui de Sarah ? On ne saura pas vraiment, car elle non plus. C’est avec elle qu’on endure les interminables séances d’entraînement sous les insultes de son entraîneur ; c’est avec elle qu’on ressent sa colère et sa lassitude.

Le binôme Chloé Mahieu et Lila Pinell se réapproprie avec Kiss and Cry les thèmes qui semblent leur être chers : la jeunesse, sa fougue et ses premiers amours. Après leur documentaire Nos fiançailles en 2011, qui suit la préparation du mariage de Fleur, jeune catholique traditionaliste et militante, ce duo de documentaristes réalise son premier long-métrage de fiction. On ne sera donc pas étonné d’avoir par moment l’impression de regarder un documentaire sur la vie d’adolescente.

A un âge où on accumule les premières fois, Sarah et ses copines patineuses veulent échapper à la stricte discipline qui leur est imposée. Les dialogues entre les personnages sont frappants de réalisme. Kiss and Cry nous livre des scènes dans lesquelles les jeunes acteurs sont tellement bons et à l’aise devant la caméra, qu’elles pourraient être le fruit de séances d’improvisations (mais peut-être le sont-elles un peu ?). Il est possible de les trouver vulgaires, car vulgaires ils le sont parfois, mais touchant de maladresse. Les filles et les garçons expriment avec grande difficulté leurs émotions, se protégeant d’éventuelles moqueries pouvant nuire à leur réputation.

Dans cette ambiance oppressante survient parfois une séquence onirique, tout droit sortie d’un spectacle d’Holiday On Ice, avec fumée et éclairage, comme une pause poétique entre deux séquences de la vie, la vraie. Sortent-elles de l’imaginaire de l’héroïne, de sa mère, de son entraineur, ou de quelqu’un d’autre encore ?

Quand vient enfin le jour du championnat de France pour le club de Sarah, c’est trop de pression pour elle, qui se retrouve violemment confrontée à sa crainte : échouer, et admettre devant tous que le patinage artistique, ce n’est plus pour elle. Même avec une fin qui sent un peu le réchauffé, Kiss and Cry reste un premier long-métrage avec des qualités indéniables.

 
Kiss and Cry de Chloé Mahieu et Lila Pinell, avec Sarah Bramms, Xavier Dias, Dinara Droukarova… France, 2017. Présenté à la sélection ACID au 70e Festival de Cannes.

C’est l’histoire de trois trentenaires iraniens, Arash, Ashkan et Hossein, qui sillonnent la France en voiture, avant la fin de l’été et avant que l’un d’eux ne décide de rentrer définitivement en Iran. Ils croisent le chemin de Charlotte et Michèle, qui les accompagneront durant une partie du voyage.
 
Vous avez dit après la projection que vous trouviez réductrices les étiquettes de « fiction » ou de « documentaire » que l’on colle aux films. Pour vous, comment se situe Avant la fin de l’été ?

Je ne sais pas si c’est au milieu mais en tout cas je ne me suis pas posé la question pour savoir si ça allait faire un documentaire ou une fiction, parce qu’en réalité j’ai effectivement commencé à filmer ces trois personnes de manière plus documentaire… pour me documenter, en fait. Je filmais chacune de nos rencontres parce que je les trouvais passionnants, parce que j’avais envie d’en apprendre plus sur eux. J’ai fait beaucoup de « captations » les premières années. Et puis quand on a décidé de raconter une histoire à partir de cet événement dramatique qui est le départ d’Arash, il y a eu une envie de maîtriser davantage le récit, d’essayer d’amener le spectateur quelque part, d’organiser tout simplement le tournage pour que ça se passe mieux avec le peu de temps qui nous était imparti. Il y a effectivement quelque chose qui est peut-être de l’ordre de la fiction, mais je ne saurais pas dire où le film se situe vraiment. Je pense que c’est un film avant tout, et que c’est une très belle aventure.

Comment avez-vous procédé pour l’écriture du film ?

J’ai pensé certaines choses en amont. Il y avait certaines discussions que je voulais qu’on aborde, des thématiques importantes comme le service militaire, un rêve… Des choses comme ça qui m’avaient plu lors des discussions qu’on avait eues. Ou bien j’ai organisé le fait qu’on se retrouve à Noirétable le 15 août parce que je savais qu’il y avait un défilé avec des chars fleuris. J’ai organisé la rencontre avec les filles, sans écrire ce qui allait se passer, mais j’ai quand même organisé la rencontre. J’avais une carte de France avec les lieux où on allait s’arrêter et avec les sujets qu’on allait peut-être aborder à tel endroit. On a répété pas mal de fois certaines discussions. Parfois ce sont mes acteurs qui m’ont demandé d’allumer la caméra parce qu’ils avaient des choses à dire. Ashkan à un moment donné m’a dit « Ecoute, allume ta caméra, j’ai envie qu’on parle de ça » : et c’est là qu’on a eu une très belle discussion sous la tente où il demande à Arash ce qui pourrait le faire changer d’avis. Et il y a toute cette discussion autour de l’amour, ce qui lance un peu l’idée d’un voyage à sa recherche. On a beaucoup improvisé quand on a rencontré les filles aussi. Je me suis aussi laissé porter par eux, parfois je disais « Voilà, j’aimerais qu’on parle de ça » et eux, finalement, me proposaient autre chose.

Avec combien d’heures de rushs êtes-vous revenue du tournage ?

On avait soixante-dix heures de rushs. On en avait énormément et il y avait des choses très drôles, des choses beaucoup plus graves, et énormément de discussions. La monteuse a su révéler la nature des personnages, elle a vraiment réussi à voir dans les rushs ce qu’ils qu’étaient. On aurait pu faire un film extrêmement bavard, on aurait même pu faire plein de films différents. Par exemple, je me disais qu’une sieste entre copains où ça ronfle et ça rigole, ce n’est peut-être pas très passionnant en termes de narration, et elle, à travers ces séquences, elle voyait justement l’amitié, la tendresse et les vacances aussi. Pendant deux semaines et demie j’ai filmé tous les jours. J’étais avec eux partout, tout le temps, et je me couchais très tard parce qu’il fallait dérusher, puis le lendemain on repartait sur les routes.

Comment avez-vous travaillé avec les acteurs après le tournage ?

Je leur ai montré certaines séquences pour les valider avec eux car je voulais savoir s’ils étaient d’accord avec des passages que je choisissais, mais j’avais envie qu’ils le découvrent avec un public pour la première fois. Je pense que c’est important. Mais ils savaient quand même à quoi s’attendre. Je n’avais peut-être pas très envie qu’ils mettent le nez dans le montage, j’ai l’impression c’est quelque chose de très intime. C’est la partie que je préfère. Avec la monteuse, on a passé trois mois ensemble dans notre petit salon de montage. Je ne voulais pas qu’il y ait trop d’interférences ou qu’on me donne trop d’avis pour préserver au mieux ce moment-là.

Pouvez-vous nous raconter quelque chose de totalement inattendu qui a été capté par la caméra et qu’on retrouve dans le film ?

Il y a cette scène où Arash prend Charlotte sur ses épaules pour lui faire traverser la mer. Ça, je ne m’y attendais pas du tout et ce qui est merveilleux c’est que pour moi cette scène raconte comment ce personnage-là, qui au début est un peu déprimé, et qui se fait entraîner par ses copains, devient un héros. Tout à coup j’avais l’impression qu’on était en face d’un vrai héros, d’un vrai personnage de mythologie. Il y a une autre scène, où il danse avec les filles : on se dit que peut-être c’est un garçon en surpoids pour qui ce n’est pas forcément évident de rencontrer une femme, mais il est finalement très à l’aise quand il s’agit de danser. Il a une manière de danser qui est très belle et révèle toute sa « sexy attitude » ! Et puis il y a aussi la scène où les filles s’éloignent lorsque Charlotte est vexée. Mais est-elle vraiment énervée ou est-ce qu’elle joue pour la caméra ? Je me suis dit que ce n’était pas très correct de le faire, mais en tout cas elle avait le micro HF allumé, je l’ai enregistrée à ce moment-là, et c’est quelque chose dont je me suis servi pour raconter l’histoire.

Comment avez-vous fait pour gérer seule à la fois la mise en scène, l’image et le son ?

Avant, je travaillais à l’épaule avec des caméras très légères. Je me suis racheté une caméra pour ce projet, qui était peu ergonomique, assez lourde, et qui m’obligeait à travailler avec un monopode. Il y avait une sorte de stabilité qui était offerte par ce dispositif, ce qui était nouveau pour moi parce que d’habitude j’étais plutôt très agile, à l’affût des petites choses, et là il a fallu que je pose mes cadres. J’avais de la chance d’avoir des personnages plutôt tranquilles qui aiment bien s’installer. Arash se posait, les deux autres se mettaient automatiquement autour de lui parce que c’est comme ça qu’ils sont, et le cadre était là. Arash, c’est vraiment un personnage qui impose le cadre. J’ai pu tester le dispositif parce que je suis partie une première fois en voyage avec eux dans le sud de l’Italie, une année avant. Il y avait quand même un travail fait en amont pour me permettre d’être le plus opérationnel possible au moment du tournage. Au niveau du son j’ai eu plein de problèmes, on a dû refaire du doublage à certains moments. Forcément quand on part seule, il y a aussi beaucoup d’accidents.

Qu’est-il advenu des actrices Charlotte et Michèle ?

On est resté en contact. En ce moment elles font avec leur groupe de rock une résidence très prestigieuse à Manchester, donc leur groupe file vers une bonne carrière je crois. Elles n’ont pas encore vu le film en grand, elles ont vu le film en cours de montage. Et ce qui est très intéressant c’est que quand elles l’ont vu, elles m’ont dit que l’Arash qu’elles ont rencontré n’est pas du tout celui que je présentais dans mon film. Forcément il parle plus dans la première partie du film et quand il est avec les filles, il est plutôt réservé. Quand elles l’ont vu dans le film elles se sont dit que c’était vraiment le personnage principal. Il est là, il est magnifique et il est émouvant. C’était drôle de leur faire découvrir les personnages à travers le film autrement que comme elles les avaient vus pendant le tournage.

Sur le plan professionnel, que prévoyez-vous ensuite ?

En ce moment je suis en train de monter un webdoc d’Arte Creative. C’est une série en dix épisodes qui s’appelle Fashion Geek et qui sera diffusée en septembre 2017 durant la Fashion Week. Et j’aimerais faire une suite à ce film-là, avec ces trois mêmes personnages, peut-être en Iran, c’est quelque chose dont on est en train de parler, et avec davantage de moyens. Enfin toutes proportions gardées parce que j’aime beaucoup ce dispositif-là qui est très léger. J’irai peut-être davantage vers la fiction pour le prochain.

 
Avant la fin de l’été de Maryam Goormaghtigh. France, Suisse, 2017. Présenté à la sélection ACID du 70e Festival de Cannes.

Comment est né le label EROÏN ?

Le label est un projet qui n’a eu de cesse d’évoluer depuis 2012. Au départ c’était seulement une envie personnelle de participer au Jour le Plus Court avec un court-métrage que j’avais écrit : Parallèle. Je me suis rendue à une réunion d’informations à l’initiative de l’association Collectif Prod et l’organisation du Jour le Plus Court, où l’on m’a poussée à organiser ma propre projection de courts-métrages. C’est donc le 21 décembre 2012 qu’a officiellement commencé cette aventure. J’avais envie d’apporter une sélection de films de qualité et différents les uns des autres, en mettant en avant le travail des femmes, sujet qui m’a toujours touché. A l’époque je ne rencontrais que trop peu de réalisatrices en projections ou festivals. Je savais qu’elles existaient mais je ne les voyais pas. Et quand je me suis lancée dans la création d’une programmation de films, j’ai tout de suite eu envie de mettre en avant le travail, l’art, de ces battantes.

Qu’est-ce qui en fait sa particularité ?

Tout ! C’est concrètement un projet ovni, une nature particulière que beaucoup d’institutions m’ont reprochée d’ailleurs. Il m’a fallu le temps de trouver mon identité et de l’assumer. Aujourd’hui c’est un projet que je porte avec fierté car il est unique et « fait maison ». Il y a encore quelques mois une directrice de festival s’est permise de me dire qu’un « label de films » n’existait pas. Et non, pas encore !… puisque c’est un concept que j’ai totalement inventé. Comme un label de musique qui accompagne des talents dans la production, la distribution et la promotion, EROÏN est un label qui joue le rôle de prod, de distrib, d’agent, d’attachée de presse… exclusivement pour les réalisatrices. D’ailleurs c’est la première société audiovisuelle entièrement dédiée aux réalisatrices.

A votre avis, pourquoi y a-t-il moins de réalisatrices que de réalisateurs ?

Bonne question. A mon sens il n’y a pas moins de réalisatrices que de réalisateurs – du moins sur le court-métrage -, mais on en parle moins. Car les écoles l’affirment : c’est 50/50 dans les promos. Donc que se passe-t-il à la sortie ? Comme dans tout métier à responsabilités, est-ce plus compliqué pour une femme d’accéder à ce poste ? Tout ce que je sais, c’est que les réalisatrices de mon label m’expliquent qu’elles ont plus de mal à accéder à des postes de techniciennes : réalisatrices de pub, de clips, en TV… Elles ont l’impression que leurs compétences techniques sont moins prises au sérieux que si c’étaient celles d’un homme. Est-ce pour cela qu’à la longue les femmes abandonnent leur carrière ? En tout cas ce qui est sûr, c’est que sur le marché du long on se retrouve avec un ratio différent de celles des formations : 22 %. Et puis, les budgets de films sont toujours moindres pour une réalisatrice que pour un réalisateur…

Et qu’est-ce qui explique les différences de chiffres entre les pays, notamment le nombre de réalisatrices françaises VS les réalisatrices à Hollywood ?

Sûrement parce que ce n’est pas la même façon de produire, donc ce ne sont pas les mêmes personnes qui produisent… En France, on produit des films avec l’Etat, qui politiquement, ces dernières années, s’est positionné sur le sujet. Aux US on produit avec des fonds privés. Je vous laisse deviner qui signe le chèque…

Il y a aussi moins de techniciennes que de techniciens de cinéma…

Là encore je pense qu’elles ont malheureusement encore plus de mal à se positionner car on part du principe – et à défaut – qu’une femme ne peut pas faire un métier qui semble être « fait pour un homme ». Je me souviens avoir parlé avec un réalisateur qui me disait avoir croisé une femme machino « qui n’avait pas besoin d’hommes pour porter son matos ». Pourquoi en aurait-elle besoin ? Est-ce qu’on demande à un machino de l’aider ? Il y a encore malheureusement dans nos métiers beaucoup de préjugés sexistes.

Dans les films, les femmes sont souvent les faire-valoir d’hommes… Le test de Bechdel notamment le quantifie par l’absurde. Comment ça s’explique ?

Sincèrement, je n’ai pas de réponse à cette question. On est tellement conditionné de nos jours, qu’il est vrai que je ne me suis jamais fait cette réflexion en regardant un film. Est-ce qu’un James Bond, un Star Wars ou un Retour vers le futur aurait été moins ou plus impactant si le premier rôle avait été une femme ? Je ne sais pas. Après comment ça s’explique, c’est toujours la même réponse. Ce ne sont pas les femmes qui financent… Nous vivons dans un monde d’hommes et le cinéma reflète notre monde, mais a contrario le cinéma peut aussi influencer ce monde. A nous donc de l’influencer… Une des phrases de mon professeur qui m’avait marquée lors de ma formation au Cours Simon : « Vous entrez dans un monde d’hommes, mesdames, il va falloir savoir jouer de vos atouts. »

Pensez-vous qu’il y ait une « vision » féminine du cinéma ?

Je n’ai pas envie de parler de vision féminine ou masculine. J’ai envie de parler d’êtres qui s’expriment, en fonction de leur expérience, leurs envies, leurs représentations personnelles. Je me souviens avoir écrit un court-métrage et un des mes lecteurs me disait que c’était une vision très machiste de la femme. Venant de moi ça m’a beaucoup fait rire… Je ne veux pas enfermer la réalisatrice dans une « vision » féminine du cinéma. Ce serait une erreur car ça n’arrangerait pas le problème. Les femmes ne sont pas là pour relater uniquement des histoires de femmes. Les hommes savent aussi bien parler des femmes. Et inversement. Après, certains sujets très féminins peuvent être mieux maîtrisés par des femmes, sûrement.

Qu’ont en commun les « héroïnes » du label EROÏN ?

D’être des femmes de talent ! Les héroïnes sont des réalisatrices qui ont en commun le talent, et uniquement ça. Pour le reste, j’aime varier les styles, les univers, les personnalités. Pour moi, comme je le disais précédemment, c’est très important de montrer un cinéma très large. Justement la meilleure façon de défendre les réalisatrices dans le cinéma, c’est de montrer qu’elles réalisent les mêmes films que les hommes ! Bien sûr, dans le lot, il y aura des sujets de femmes. Mais encore une fois, ce n’est pas ce que j’ai envie de défendre.

Que pensez-vous du fait que très peu de femmes réalisatrices se retrouvent en compétition à Cannes ?

Thierry Frémaux l’a annoncé : il y a 12 réalisatrices en Sélection officielle cette année ! J’ai eu l’opportunité d’assister à un panel avec Thierry Frémaux, lors de la 1re année des Women in Motion à Cannes, à l’initiative de Kering, le dernier partenaire en date du Festival de Cannes. Il avait un discours très clair et cohérent : il fait en fonction de ce que le marché lui offre. Effectivement, il ne va pas sélectionner des films de réalisatrices s’il n’y en a pas et encore moins s’ils ne sont pas bons. Ce serait d’ailleurs une catastrophe. Rappelez-vous, 22 % de films de réalisatrices en France, et 4 % à Hollywood. Donc finalement, avec 12 films en sélection sur 45 on arrive à un meilleur quota que le marché : 26,6 %. Mais il y a des festivals qui font beaucoup plus d’efforts, comme Tribeca par exemple, d’où je reviens, où la sélection était quasi à 50/50 et où d’ailleurs ce sont les réalisatrices qui ont été les plus récompensées – prix du Meilleur court étudiant, Meilleur court d’animation, Meilleur film étranger et Meilleur film américain !

Il y a quand même Julia Ducournau qui fait l’affiche de la Semaine de la critique cette année !

Je trouve ça génial ! Je n’ai pas encore pu voir Grave, mais j’ai vu les critiques unanimes pendant des mois, et il a un beau parcours en festivals. Ce qui me plaît chez elle c’est qu’elle a l’air d’avoir apporté un souffle nouveau dans le cinéma de genre en France, ça fait bouger les choses et en plus c’est une femme qui n’a pas peur d’assumer des idées féministes. Ce qui manque aujourd’hui cruellement dans le cinéma français… J’ai beaucoup d’espoir en la nouvelle génération de réalisatrices.

Comment se traduit la présence d’EROÏN à Cannes cette année ?

On voit les choses en grand ! Cette année sera notre 3e édition au Festival de Cannes et les 5 ans du label. Et comme c’est aussi les 70 ans du Festival de Cannes, il fallait bien qu’on tape fort, c’était d’ailleurs ma seule motivation à remettre le couvert à Cannes. Ce dimanche 21 mai, après la conférence de presse dans les jardins de L’A.M.E. et la présentation du projet aux côtés de mes partenaires France 3, FullDawa Films et Next Film Distribution, il y aura une soirée officielle sur le Yacht Technikart, avec projection des films sur le bateau. Et tout ça n’aurait jamais eu lieu sans l’aide précieuse des sociétés Les Post Prodeurs, ZeAgency Carolyne Abla et la Conciergerie FDQ, trois structures qui me suivent dans ce pari fou !

Un mot sur les films de la sélection EROÏN projetés ce soir à Cannes ?

Eh bien, ce sont les films de la 5e édition, sélection présentée au public parisien lors du gala annuel en février dernier. Ce sont 7 films très différents : Pa Fuera de Vica Zagraba filmé en 4/3, Un, deux, trois, de la benjamine de la sélection Lou Cheruy-Zidi, L’Insecte, thriller psychologique d’Elsa Blayau, L’esprit du loup, film historique de Katia Scarton-Kim, Pas de cadeau, un film aux couleurs de la Picardie de Marie Vernalde, le film franco-marocain de Violaine Bellet Hyménée et la comédie pétillante Pas de rêve pas de baise, de Sabrina Amara. Bref, de quoi faire plaisir à tout le monde !

» En savoir plus sur le label EROÏN

Dans ce documentaire édifiant (aux petits airs de Laurence Anyways de Xavier Dolan), Christian Sonderegger a filmé sur plusieurs années la transition sexuelle de son frère cadet, né femme. Nous découvrons dans un cadre familial à quel point le choix de Suzana a chamboulé les vies de ses proches. Celles de Christian, de son père, de sa mère, et de la petite amie de Coby, Sara. Tous sont sans cesse en gravitation autour du protagoniste.

De la confusion des genres

Coby alterne entre témoignages, photographies d’un Coby petite fille ou adolescente, extraits de vidéos Youtube où Coby et Sara racontent les changements progressifs d’une femme sous testostérone, et le présent, mis en scène pour la bonne cause. Dans ce présent, Jacob ressemble à un jeune homme tout ce qu’il y a de plus normal : costaud, barbu, voix grave. Pourtant, il n’a pas subi l’opération dont on parle tant, celle du changement de sexe. Pour sauver les apparences, il utilise des prothèses génitales. Deux conversations importantes marquent les esprits. La première dans un café où, le cadre dûment posé, Sara raconte à Jacob que depuis qu’il ressemble à un homme et que les gens le prennent pour tel, elle s’est mise à rêver de lui avec un pénis. Allez comprendre. Dans le salon, Jacob explique à Christian la raison qui pourrait retarder l’intervention médicale visant à lui retirer un utérus devenu inutile : Sara est terrifiée à l’idée de porter un enfant et s’y refuse, mais si un jour ils en veulent quand même un… l’utérus de Jacob serait une alternative. Oui, c’est compliqué.

Amour, toujours

La chose la plus impressionnante, c’est la bienveillance des parents, qui ont totalement accepté le changement de leur fille, même si ça n’a pas toujours été le cas. Cet amour se retrouve dans la manière de filmer de Christian Sonderegger. Il est émouvant de ressentir toute l’affection et le soutien qu’il porte, lui et les autres, à sa sœur. Le film Coby glisse avec aisance sur un sujet aussi délicat et méconnu que la transsexualité, pour renverser et écrabouiller les préjugés. Big up pour l’incroyable Sara, qui a démarré sa relation avec Jacob du temps où il était Suzana, et ne l’a jamais lâché depuis. Elle explique à quel point il est parfois difficile de (re)trouver sa place quand on se promène aux côtés du centre absolu de l’attention.

Regarder ce documentaire pour quelqu’un qui ne connaît la transsexualité que de loin, c’est découvrir comment ça se passe, psychologiquement et physiquement. Pour tout le monde, c’est réaliser à quel point la vie que l’on mène est déterminée par son sexe. La difficulté d’y voir clair quand les deux genres s’entremêlent est à se donner une migraine, mais peut-être faut-il simplement arrêter de se poser trop de questions. Comme avec Coby, ce jeune homme qui se sent pleinement homme à l’extérieur, mais toujours femme à l’intérieur. Point barre.

 
Coby de Christian Sonderegger. France, 2017. Présenté à la sélection ACID au 70e Festival de Cannes.

La Sélection officielle sortira également l’argenterie côté hors compétition – avec notamment les derniers films de Roman Polanski et d’Agnès Varda – et séances spéciales – avec Hong Sang-soo, Raymond Depardon, Claude Lanzmann, Vanessa Redgrave… Sans oublier les « morceaux » de premier choix retenus pour la sélection Un Certain Regard, présidée cette année par Uma Thurman. Au menu, entre autres, Mathieu Amalric, Laurent Cantet, Michel Franco, Kiyoshi Kurosawa ou encore le trop rare Mohammad Rasoulof.

Enfin, 70e édition oblige, Cannes Classics dédiera en grande partie sa sélection à l’histoire du Festival de Cannes. Une sélection de prestige née de la révolution numérique, il y a 15 ans, alors que le cinéma s’inquiétait plus que jamais de l’entretien et de la transmission de sa mémoire. Et une sélection qui, cette année, fera la part belle à certains des plus grands chefs-d’œuvre du festival : de La Bataille du rail de René Clément à L’Empire des sens de Nagisa Oshima, en passant par Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot, Blow Up de Michelangelo Antonioni, All That Jazz de Bob Fosse et Au milieu coule une rivière de Robert Redford.

Ca brillera donc sans doute un peu plus que d’habitude cette année du côté de la Croisette. D’autant que, fort de sa Sélection officielle taillée dans le marbre, le Festival de Cannes pourra également compter sur les perles tout aussi précieuses du palais Stéphanie et de la Quinzaine des réalisateurs, comme sur les diamants bruts de la Semaine de la critique, au Miramar.

La sélection officielle

Film d’ouverture
Les Fantômes d’Ismaël d’Arnaud Desplechin

En compétition
Faute d’amour d’Andreï Zviaguintsev
Good Time de Benny et Josh Safdie
You Were Never Really Here de Lynne Ramsay
Jupiter’s Moon de Kornél Mundruczó
A Gentle Creature de Sergei Loznitsa
The Killing of a Sacred Deer de Yorgos Lanthimos
Hikari (Radiance) de Naomi Kawase
Geu-Hu (The Day After) de Hong Sang-soo
Wonderstruck de Todd Haynes
Rodin de Jacques Doillon
120 Battements par minute de Robin Campillo
Happy End de Michael Haneke
L’Amant double de François Ozon
Le Redoutable de Michel Hazanavicius
The Beguiled de Sofia Coppola
Okja de Bong Joon-Ho
Aus Dem Nichts (In The Fade) de Fatih Akin
The Meyerowitz Stories de Noah Baumbach
The Square de Ruben Ostlund

Hors compétition
Mugen no Junin de Takashi Miike
How to Talk to Girls at Parties (Comment parler aux filles en soirée) de John Cameron Mitchell
D’après une histoire vraie de Roman Polanski
Visages Villages d’Agnès varda

Un Certain Regard
Barbara de Mathieu Amalric
La Fiancée du désert de Cecilia Atan & Valeria Pivato
Etroitesse, de Kantemir Balagov
La Belle et la Meute de Kaouther Ben Hania
L’Atelier de Laurent Cantet
Lucky de Sergio Castellitto
Les Filles d’Avril de Michel Franco
Western de Valeska Grisebach
Directions de Stephan Komandarev
Out de Gyorgy Kristof
Before We Vanish de Kiyoshi Kurosawa
En attendant les hirondelles de Karim Moussaoui
Dregs de Mohammad Rasoulof
Jeune femme de Léonor Serraille
Wind River de Taylor Sheridan
Après la guerre de Annarita Zambrano
La Cordillera de Santiago Mitre
Walking Past the Future de Li Ruijun

Séances spéciales
Une suite qui dérange de Bonni Cohen & Jon Shenk
They de Anahita Ghazvinizadeh
Eul-le-eo-ui Ka-me-la (Clair’s Camera) de Hong Sang-soo
12 jours de Raymond Depardon
Promised Land de Eugene Jarecki
Napalm de Claude Lanzmann
Demons in Paradise de Jude Ratman
Sea Sorrow de Vanessa Redgrave
Le Vénérable W. de Barbet Schroeder
Carré 35 d’Eric Caravaca
Zombillénium d’Arthur de Pins & Alexis Ducord

Séances de minuit
The Villainess de Jung Byung-gil
The Merciless de Byun Sung-hyun
Prayer Before Dawn de Jean-Stéphane Sauvaire

Cannes Classics : Une brève histoire du Festival de Cannes
1946 : La Bataille du rail de René Clément (France) : Grand Prix international de la mise en scène et Prix du jury international
1953 : Le Salaire de la peur de Henri-Georges Clouzot (1952, France, Italie) : Grand Prix
1956 : Un petit carrousel de fête de Zoltán Fábri (1955, Hongrie) : en compétition
1957 : Vers l’inconnu ? de Georges Nasser (Liban) : en compétition
1967 : J’ai même rencontré des Tziganes heureux d’Aleksandar Petrović (Serbie) : Grand Prix spécial du jury, Prix de la critique internationale – FIPRESCI ex æquo
1967 : Blow-up de Michelangelo Antonioni (1966, Royaume-Uni, Italie, États-Unis) : Grand Prix international du Festival
1969 : Matzor (Siège) de Gilberto Tofano (Israël) : en compétition
1970 : Soleil O de Med Hondo (Mauritanie, France) : Semaine de la critique
1976 : Babatu, les trois conseils de Jean Rouch (Niger, France) : en compétition
1976 : L’Empire des sens de Nagisa Oshima (France, Japon) : Quinzaine des réalisateurs
1980 : All that Jazz (Que le spectacle commence) de Bob Fosse (1979, ÉtatsUnis) : Palme d’or
1981 : L’Homme de fer d’Andrzej Wajda (Pologne) : Palme d’or
1982 : La Permission de Yilmaz Güney, réalisé par Serif Gören (Suisse) : Palme d’or ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI
1983 : La Ballade de Narayama de Shôhei Imamura (Japon) : Palme d’or
1992 : El sol del membrillo (Le Songe de la lumière) de Victor Erice (Espagne) : Prix du jury ex æquo, Prix de la critique internationale – FIPRESCI

» Voir la sélection de la 49e Quinzaine des réalisateurs
» Voir la sélection de la 56e Semaine de la critique