1- Total Recall, de Paul Verhoeven, 1990
2- Travaux, de Brigitte Rouan, 2004
3- Drôle de drame, de Marcel Carné, 1937
4- Le Faucon maltais, de John Huston, 1941
5- Citizen Kane, d’Orson Welles, 1941
6- Liberté Oléron, de Bruno Podalydès, 2000
7- C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel et B. Poelvoorde, 1992
8- Monty Python Sacré Graal, de Terry Jones et Terry William, 1975
9- Michael Kohlhaas, d’Arnaud Des Pallières, 2013
10- Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006
11- Mammuth, de Gustave Kervern et Benoît Delépine, 2010
12- Grease, de Randal Kleiser, 1978
13- On achève bien les chevaux, de Sydney Pollack, 1969
14- Big, de Penny Marshall, 1988
15- 30 ans sinon rien, de Gary Winick, 2004
16- Les Marmottes, de Élie Chouraqui, 1993
17- Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970
18- En quatrième vitesse, de Robert Aldrich, 1955
19- Ascenseur pour l’échafaud, de Louis Malle, 1958
20- L’Année du dragon, de Michael Cimino, 1985
21- Elle, de Paul Verhoeven, 2016
22- Les Délices de Tokyo, de Naomi Kawase, 2015
23- Leviathan, de Andrei Zviaguintsev, 2014
24- L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2002
25- A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013
26- Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, 2002
27- Le Loup de Wall Street, de Martin Scorsese, 2013
28- Porco Rosso, d’Hayao Miyazaki, 1992
29- Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, 1970
30- Vanishing Point (Point limite zéro), de Richard Sarafian, 1971
31- Somewhere, de Sofia Coppola, 2010
32- Drive, de Nicolas Winding Refn, 2011
33- Rain Man, de Barry Levinson, 1988
34- Priscilla folle du désert, de Stephan Elliott, 1994
35- Cold in July, de Jim Mickle, 2014
36- La Balade sauvage, de Terrence Malick, 1973
37- Easy Rider, de Dennis Hopper, 1969
38- Fitzcarraldo, de Werner Herzog, 1982
39- Tchao Pantin, de Claude Berri, 1983
40- Allemagne année zéro, de Roberto Rossellini, 1948
41- La Double Vie de Véronique, de Krzysztof Kieslowski, 1991
42- Profs, de Patrick Schulmann, 1985
43- Diabolo menthe, de Diane Kurys, 1977
44- Green Hornet, de Michel Gondry, 2011
45- Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009
46- Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941
47- Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
48- Twin Peaks, de David Lynch, 1992
49- Prisoners, de Denis Villeneuve, 2013
50- There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, 2007
51- Misery, de Rob Reiner, 1990
52- Touche pas à la femme blanche, de Marco Ferreri, 1974
53- La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011
54- Le Magasin des suicides, de Patrice Leconte, 2012
55- Basic Instinct, de Paul Verhoeven, 1992
56- Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul, 2010
57- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch, 2013
58- Valse avec Bachir, d’Ari Folman, 2007
59- Persona, d’Ingmar Bergman, 1966
60- Belladonna (La Belladonne de la tristesse), de Eiichi Yamamoto, 1973
61- Mademoiselle, de Park Chan-wook, 2016
62- Max et les ferrailleurs, de Claude Sautet, 1971
63- La Règle du jeu, de Jean Renoir, 1939
64- Panic sur Florida Beach, de Joe Dante, 1993
65- Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001
66- The Big Lebowski, d’Ethan et Joel Coen, 1998
67- Indiana Jones et le temple maudit, de Steven Spielberg, 1984
68- The Party, de Blake Edwards, 1968
69- OSS 117 Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009
70- Kill Bill, de Quentin Tarantino, 2003
71- Le Salaire de la peur, d’Henri-Georges Clouzot, 1953
72- The Sorcerer (Le Convoi de la peur), de William Friedkin, 1977
73- Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Milos Forman, 1975
74- Les Innocents, de Jack Clayton, 1961
75- Les Premiers les derniers, de Bouli Lanners, 2015
76- De battre mon cœur s’est arrêté, de Jacques Audiard, 2005
77- Whiplash, de Damien Chazelle, 2014
78- Star Wars 7 : le réveil de la Force, de J. J. Abrams, 2015
79- Holy Motors, de Leos Carax, 2012
80- Spiderman, de Sam Raimi, 2002
81- Fantômas, d’André Hunebelle, 1964
82- Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992
83- Midnight Special, de Jeff Nichols, 2016 (2 images)
84- La Montagne sacrée, d’Alejandro Jodorowsky, 1973
85- Solaris, d’Andreï Tarkovski, 1972
86- Premier contact, de Denis Villeneuve, 2016
87- H2G2, le guide du voyageur galactique, de Garth Jennings, 2005
88- Metropolis, de Fritz Lang, 1927
89- Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, 1994
90- Il était une fois en Amérique, de Sergio Leone, 1984
91- Birdman, d’Alejandro González Iñárritu, 2014
92- Comme un avion, de Bruno Podalydès, 2014
93- Persepolis, de Marjane Satrapi, 2007
94- L’Extase et l’agonie, de Carol Reed, 1965
95- Voyage au bout de l’enfer, de Michael Cimino, 1978
96- L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
97- I comme Icare, d’Henri Verneuil, 1979
98- Marche à l’ombre, de Michel Blanc, 1984
99- Le Magnifique, de Philippe de Broca, 1973
100- Les Ensorcelés, de Vincente Minnelli, 1953
101- Le Cuirassé Potemkine, de Sergei Eisenstein, 1925
102- Les Incorruptibles, de Brian De Palma, 1987
103- La Grande Vadrouille, de Gérard Oury, 1966
104- Les Feux de la rampe, de Charlie Chaplin, 1952
105- Shining, de Stanley Kubrick, 1980
106- Playtime, de Jacques Tati, 1967
107- Ran, d’Akira Kurosawa, 1985
108- Anomalisa, de Charlie Kaufman, 2015
109- Zootopie, de Byron Howard et Rich Moore, 2016
110- Dogville, de Lars von Trier, 2003
111- Léon, de Luc Besson, 1994
112- La Chambre interdite, de Guy Maddin et Evan Johnson, 2015
113- L’Homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, 1976
114- Les Ailes du désir, de Wim Wenders, 1987
115- Une femme est une femme, de Jean-Luc Godard, 1961
116- Incendies, de Denis Villeneuve, 2010
117- Fahrenheit 451, de François Truffaut, 1966
118- Dernier train pour Busan, de Yeon Sang-ho, 2016
119- 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow, 2005
120- Démolition, de Jean-Marc Vallée, 2015
121- Ne nous fâchons pas, de Georges Lautner, 1966
122- La Chèvre, de Francis Veber, 1981
123- Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), « Est-ce que les expériences scientifiques en matière de sexualité servent à quelque chose ? », de Woody Allen, 1972.
124- L’Été de Kikujiro, de Takeshi Kitano, 1999

Quand Bobby débarque à Hollywood, il a des rêves pleins la tête et l’espoir que son oncle Phil le fasse travailler dans son agence de comédiens. Mais le rythme et l’esprit de la Cité des Rêves lui apprennent surtout qu’il est un New-Yorkais invétéré… Pourtant, une rencontre va tout changer et modifier sa vie à jamais.

Il y a quelque chose de délicieusement ironique au fait que pour son passage au numérique, Woody Allen choisisse non seulement le chef-opérateur Vittorio Storaro (3 oscars, Apocalypse Now, Reds, Le Dernier Empereur, 1900…) mais aussi un sujet d’époque, situé dans les années 1930-1940 entre Hollywood et New York. Et de fait, la lumière joue un rôle important dans ce conte doux-amer sur la portée de nos choix et la direction de nos vies une fois que l’on assume (ou pas) lesdits choix.

Connu pour sa maîtrise de la lumière et ses compositions éblouissantes, Vittorio Storaro crée une image spécifique pour chaque univers du film. Hollywood où les personnages sont éblouis par la lumière, New York où domine la lumière artificielle. Lumière naturelle pour la ville des artifices, et lumière artificielle pour la ville plus « vraie », l’ironie est définitivement inscrite dans les gènes de ce beau film classique.

Porté par un casting parfait, Café Society est une réussite. Ce n’est pas le film le plus renversant de son auteur, mais c’est une œuvre captivante qui bénéficie d’une écriture ciselée, exacte, millimétrée. Le directeur d’acteurs fait une fois encore des merveilles, surtout avec son couple star, Jesse Eisenberg et Kristen Stewart (plus belle et féminine que jamais), dont la complicité évidente (c’est leur troisième film ensemble) nourrit leurs personnages de manière organique.

Woody Allen fournit la voix off du film ; il est un narrateur bienveillant, tel un romancier écrivant un récit d’éducation sentimentale. La douloureuse école de la vie, des sentiments, l’ironie du sort, la cruauté des êtres entre eux sont autant de thèmes classiques mais éternels que le maître américain met en forme avec une élégance absolument renversante.

C’est un très beau film pour ouvrir ce 69e Festival de Cannes. Une œuvre techniquement contemporaine dont la vision du passé est sans nostalgie mais nourrie par la désillusion du temps qui passe. C’est un film qui se clôt sur deux regards forts, deux regards dirigés vers un avenir qui semble plus que jamais incertain.

 
Café Society de Woody Allen, avec Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, Blake Lively… Etats-Unis, 2016. Sortie le 11 mai 2016.

Film d’ouverture : Café Society de Woody Allen (avec Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, le grand écart de générations entre des petits jeunes devant la caméra et un petit vieux derrière).

En compétition (ils sont 20 à vouloir décrocher la timbale) :

Toni Erdmann de Maren Ade (Allemagne)
Julieta de Pedro Almodovar (Espagne)
American Honey d’Andrea Arnold (Royaume-Uni)
Personal Shopper d’Olivier Assayas (France)
La Fille inconnue des Frères Dardenne (Belgique)
Juste la fin du monde de Xavier Dolan (Canada)
Ma loute de Bruno Dumont (France)
Mal de pierres de Nicole Garcia (France)
Rester vertical d’Alain Guiraudie (France)
Paterson de Jim Jarmusch (USA)
Aquarius de Kleber Mendonça Filho (Brésil)
I, Daniel Blake de Ken Loach (Royaume-Uni)
Ma’Rosa de Brillante Mendoza (Philippines)
Baccalaureat de Cristian Mungiu (Roumanie)
Loving de Jeff Nichols (USA)
Agassi de Park Chan-wook (Corée du Sud)
The Last Face de Sean Penn (USA)
Sieranevada de Cristi Puiu (Roumanie)
Elle de Paul Verhoeven (Pays-Bas)
The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (Danemark)
The Salesman d’Asghar Farhadi (Iran)

Hors compétition :

The Nice Guys de Shane Black (USA)
Money Monster de Jodie Foster (USA)
Goksung de Na Hong-jin (Corée du Sud)
Le Bon Gros Géant de Steven Spielberg (USA)

Un Certain Regard :

Eshtebak (Clash) de Mohamed Diab (ouverture)
Hell or High Water de David Mackenzie
After the Storm de Kore-eda Hirokazu
La Tortue rouge de Michael Dudok De Wit
La Larga Noche de Francisco Márquez & Andrea Testa
The Transfiguration de Michael O’Shea
Varoonegi de Behnam Behzadi
Apprentice de Boo Junfeng
Voir du pays de Delphine & Muriel Coulin
La Danseuse de Stéphanie Di Giusto
Eshtebak de Mohamed Diab
Fuchi Ni Tatsu de Fukada Kôji
Omor Shakhsiya de Maha Haj
Me’ever Laharim Vehagvaot de Eran Kolirin
Caini de Bogdan Mirica
Pericle Il Nero de Stefano Mordini
Captain Fantastic de Matt Ross
Uchenik de Kirill Serebrennikov
Hymyilevä Mies de Juho Kuosmanen

Séances de minuit :

Gimme Danger de Jim Jarmusch (USA)
Bu-san-Haeng de Yeon Sang-ho (Corée du Sud)
Blood Father de Jean-François Richet (France)

Séances spéciales :

L’Ultima Spiaggia de Thanos Anastopoulos et Davide Del Degan (Grèce et Italie)
Hissein Habré, une tragédie tchadienne de Mahamat-Saleh Haroun (Tchad)
La Mort de Louis XIV d’Albert Serra (Espagne)
Le Cancre de Paul Vecchiali (Fance)
Wrong Elements de Jonathan Littell (Etats-Unis)
La Forêt de quinconces de Grégoire Leprince-Ringuet (France)
Chouf de Karim Dridi (France/Tunisie)
Peshmerga de Bernard-Henri Lévy (France)

Quinzaine des réalisateurs :

Divines de Houda Benyamina
Dog Eat Dog de Paul Schrader
Fai Bei Sogni de Marco Bellocchio
Fiore de Claudio Giovannesi
L’Economie du couple de Joachim Lafosse
L’Effet aquatique de Sólveig Anspach
La Pazza gioia de Paolo Virzì
Les Vies de Thérèse de Sébastien Lifshitz
Ma vie de Courgette de Claude Barras
Mean Dreams de Nathan Morlando
Mercenaire de Sacha Wolff
Neruda de Pablo Larraín
Poesía sin fin de Alejandro Jodorowsky
Raman Raghav 2.0 de Anurag Kashyap
Risk de Laura Poitras
Tour de France de Rachid Djaïdani
Two Lovers and a Bear de Kim Nguyen
Wolf and Sheep de Shahrbanoo Sadat

On se quitte en images et – chose promise, chose due – avec la liste des films aperçus ou entendus pendant ce deuxième Apéro Ciné Quiz.

1. Paul, de Greg Mottola, 2011.
2. Les Lois de l’hospitalité (Our Hospitality), de Buster Keaton, 1923.
3. Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard), de Billy Wilder, 1950.
4. Gremlins, de Joe Dante, 1984.
5. Les Goonies, de Richard Donner, 1985.
6. Twin Peaks : Fire Walk With Me, de David Lynch, 1992.
7. La Machine (aka En route vers la mort), de Paul Vecchiali, 1977.
8. Les Sorcières de Zugarramurdi (Las Brujas de Zugarramurdi), d’Alex de la Iglesia, 2013.
9. Les Vampires, de Louis Feuillade, 1915.
10. Green Hornet, de Michel Gondry, 2011.
11. La Classe américaine, de Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette, 1993.
12. Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul.
13. Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001.
14. Strange Days, de Kathryn Bigelow, 1995.
15. Ne nous jugez pas (Somos lo que hay), de Jorge Michel Grau, 2010.
16. Tremors, de Ron Underwood, 1990.
17. Leviathan, d’Andrei Zviaguintsev.
18. La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011.
19. Les Yeux sans visage, de Georges Franju, 1960.
20. Holy Motors, de Leos Carax, 2012.
21. Invasion USA, de Joseph Zito, 1985.
22. Retour vers le futur 2, de Robert Zemeckis, 1989.
23. Cold in July, de Jim Mickle, 2014.
24. Point Limite Zéro (Vanishing Point), de Richard Sarafian, 1971.
25. Terminus, de Pierre-William Glenn, 1987.
26. Bellflower, d’Evan Glodell, 2011.
27. Rain Man, de Barry Levinson, 1988.
28. Hercule à New York, d’Arthur Allan Seidelman, 1969.
29. Velvet Goldmine, de Todd Haynes, 1998.
30. Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992.
31. The Color Wheel, d’Alex Ross Perry, 2011.
32. L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2001.
33. A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013. Avec Zhao Tao.
34. Calcium Kid, d’Alex de Rakoff, 2004.
35. Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas, 2012.
36. Le Viol du vampire, de Jean Rollin, 1967.
37. La Main sur le berceau (The Hand that rocks the cradle), de Curtis Hanson, 1992.
38. Kingsman, de Matthew Vaughn, 2015.
39. The Wicker Man, de Robin Hardy, 1973.
40. Kill List, de Ben Wheatley, 2012.
41. Tonnerre sous les tropiques (Tropic Thunder), de Ben Stiller, 2008.
42. Beetlejuice, de Tim Burton, 1988.
43. Jackie Brown, de Quentin Tarantino, 1997.
44. Mean Streets, de Martin Scorsese, 1973.
45. Le Sud (Sur), de Fernando Solanas, 1988.
46. Damnation, de Bela Tarr, 1988.
47. Edge of Tomorrow, de Doug Liman, 2014.
48. Intolerance, de Phil Mulloy, 2000.
49. Lucifer Rising, de Kenneth Anger, 1972-1980.
50. Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages, de Michel Audiard, 1968.
51. L’Espion qui venait du surgelé (Dr Goldfoot and the Girl Bombs), de Mario Bava, 1966.
52. Emprise (Frailty), de Bill Paxton, 2001.
53. Crocodile, de Kim Ki-duk, 1996.
54. Profs, de Patrick Schulmann, 1987.
55. L’An 01, de Jacques Doillon, Gébé, Alain Resnais et Jean Rouch, 1973.
56. Mary et Max, d’Adam Elliot, 2009.
57. Réalité, de Quentin Dupieux, 2014.
58. Drôle de grenier, de Vivian Schilling et Jiri Barta, 2009.
59. Control, d’Anton Corbijn, 2007.
60. L’Au-delà, de Lucio Fulci, 1981.
61. A l’intérieur, de Julien Maury et Alexandre Bustillo, 2007.
62. Cendrillon, studios Disney, 1950.
63. Chicken Run, studios Aardman, 2000.
64. Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980.
65. Alice au pays des merveilles, studios Disney, 1951.
66. Les Muppets, le film (The Muppet Movie), de James Frowley, 1979.
67. Princess Bride, de Rob Reiner, 1987.
68. Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006.
69. Buffet froid, de Bertrand Blier, 1979.
70. Le Convoi sauvage (Man in the Wilderness), de Richard Sarafian, 1971.
71. Tales from the Gimli Hospital, de Guy Maddin, 1988.
72. Institut Benjamenta (ou ce rêve que les gens appellent la vie humaine), des frères Quay, 1995.
73. Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009.
74. Taram et le chaudron magique (The Black Cauldron), 1985.
75. Mind Game, de Masaaki Yuasa, 2004.
76. De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites (The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds), de Paul Newman, 1972.
77. Great Balls of Fire, de Jim McBride, 1989.
78. It Follows, de David Robert Mitchell, 2014.
79. Jusqu’en enfer (Drag Me To Hell), de Sam Raimi, 2009.
80. Le Secret de mon succès, d’Herbert Ross, 1987.
81. M.A.S.H., de Robert Altman, 1970.
82. Léon, de Luc Besson, 1994.
83. Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970.
84. En quatrième vitesse (Kiss me Deadly), de Robert Aldrich, 1955.
85. L’Impasse (Carlito’s Way), de Brian De Palma, 1993.
86. Nostalgie de la lumière (Nostalgia de la luz), de Patricio Guzman, 2010.
87. Still the Water (Futatsume no mado), de Naomi Kawase, 2014.
88. Truman Show, de Peter Weir, 1998.
89. La Porte du paradis (Heaven’s Gate), de Michael Cimino, 1980.
90. Mort ou vif (The Quick and the Dead), de Sam Raimi, 1994.
91. Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), de Woody Allen, 1972.
92. L’Impitoyable lune de miel ! (I Married a strange person !), de Bill Plympton, 1997.
93. Turkish Délices (Turks Fruit), de Paul Verhoeven, 1973.
94. Midori, de Hiroshi Harada, 1992.
95. L’Inspecteur Harry, de Don Siegel, 1971.
96. La Balade sauvage (Badlands), de Terrence Malick, 1973.
97. Mister Lonely, d’Harmony Korine, 2007.
98. Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli, 2002.
99. Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941.
100. La Poupée (Die Puppe), d’Ernst Lubitsch, 1919.
101. Playtime, de Jacques Tati, 1967.
102. Le Sadique (The Sadist), de James Landis, 1963.
103. Persona, d’Ingmar Bergman, 1966.
104. Dead Sushi, de Noboru Iguchi, 2012.
105. Le Dernier Rivage (On the Beach), de Stanley Kramer, 1959.
106. Mad Max : Fury Road, de George Miller, 2015.
107. Malevil, de Christian de Chalonge, 1980.
108. La Nuit américaine, de François Truffaut, 1973.
109. Jennifer 8, de Bruce Robinson, 1992.
110. Crash, de David Cronenberg, 1996.
111. Les Autres, d’Alejandro Amenabar, 2001.
112. Belle de jour, de Luis Bunuel, 1966.
113. Les Maîtres de l’univers, de Gary Goddard, 1987.
114. La Passion de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer, 1927.
115. Frankenstein Junior, de Mel Brooks, 1974.
116. Adieu au langage, de Jean-Luc Godard, 2014.

A quoi ça sert, le crowdfunding ?

Le crowdfunding permet au commun des mortels de participer à la création d’œuvres aussi diverses et variées que le nouveau film de Michèle Laroque, un court-métrage oscarisé, ou un film de zombies avides de… seins. Alors, les deux premiers exemples ayant été largement financés, il serait injuste que Zomboobies (Oscar du meilleur titre de film comprenant le mot « zombies ») ne le soit pas aussi. On vous passe le pitch (on s’en moque…), le nom des acteurs (il y a des zombies et des seins, donc forcément on ne se souviendra que de ça…) et on vous livre la bande-annonce de cette œuvre où il y a tout de même une bataille de seins géants… Si, si. (Yvan Pierre-Kaiser)

Et pour participer c’est par ici : www.kickstarter.com…
 

Scarlett Johansson en mangeuse d’hommes

Ce simple intitulé devrait suffire à financer n’importe quel film contenant une telle promesse. Mais l’œuvre de Jonathan Glazer est plus ambitieuse. A la croisée de la froideur formelle kubrickienne, de la bizarrerie lynchienne, Under the Skin raconte l’histoire d’une alien (Scarlett, donc…) ramassant des autostoppeurs pour mieux les engloutir. La bande-annonce est énigmatique, belle, étrange, poétique… On ne sait pas trop ce que ça peut donner, mais on l’attend avec impatience. Du WTF cérébral… (Yvan Pierre-Kaiser)

Le casting qu’on n’attendait pas…

Qui n’a jamais rêvé d’avoir dans un seul et même film John Turturro (un peu perdu depuis quelques années, notamment dans la saga Transformers), Woody Allen (et son Prozac), Sharon Stone (sans Botox), Sofia Vergara (la bombe latine de la série Modern Family) et notre Vanessa Paradis nationale avec une perruque peu seyante. Personne ? C’est normal. Pour son nouveau film en tant que réalisateur, John Turturro s’offre le casting le plus invraisemblable du printemps, pour une comédie romantique au titre qui fait saliver : Apprenti gigolo. Tout un programme. Sortie le 9 avril. (Julien Wagner)

L’Eté meurtrier, de Jean Becker – dimanche, 20h50 – D8
Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen – mercredi, 22h40 – France 4

Entre la vengeance, au cœur de L’Eté meurtrier, et la légère balade barcelonaise de Woody Allen, deux facettes d’une passion. Dans le film de Jean Becker, tiré du roman de Sébastien Japrisot, ça commence pourtant bien. L’aguicheuse Isabelle Adjani et le touchant Alain Souchon forment un couple improbable, digne d’un conte de fées. L’alliance de la carpe et du lapin. En l’occurrence, un lapin qui a un fusil. Du côté de Woody Allen – même si Isabelle Adjani nue, certains ne s’en sont pas remis -, c’est vers le marivaudage plus sensuel et charnel qu’on se tourne. La passion, c’est celle entre Javier Bardem et Penélope Cruz, qui ne peuvent vivre ni ensemble, ni séparément. Destructeur aussi, mais moins violent. Quoique, les engueulades du couple sont savoureuses. C’est aussi celle de Scarlett Johansson pour ce couple, qu’elle soude malgré tout. Une carte postale barcelonaise pour la période européenne de Woody Allen, ensoleillée et bienvenue en prélude à un été qui n’arrive décidément pas.
 

Holy Lola, de Bertrand Tavernier – lundi, 20h50 – HD1

On a beaucoup parlé d’adoption ces derniers mois, il est temps de vivre avec un couple d’adoptants le voyage, l’attente, et la rencontre avec l’enfant tant attendu, inconnu et déjà aimé. Après le soleil de Barcelone, bienvenue sous la pluie du Cambodge. Tavernier décrit avec minutie toutes les étapes, la corruption nécessaire des autorités locales, le parcours du combattant du couple formé par Isabelle Carré et Jacques Gamblin, épatants. Il joue avec les émotions, les rebondissements. La colère et la frustration se mêlent aux joies intenses. Parce qu’il ouvre son film à une communauté de personnages en dehors de son couple-héros, Tavernier brosse un portrait plus large, à la fois de l’adoption, et du Cambodge. D’un lien étrange entre Occidentaux et un pays émergent, à l’histoire lourde. Poignant.
 

Biutiful, de Alejandro Gonzalez Inarritu – mercredi, 00h45 – France 4

Barcelone, encore, Javier Bardem, toujours. Mais finie la bluette. C’est à une descente aux enfers qu’on assiste. Celle d’un homme tourmenté, obsédé par la peur. La peur de la mort, la peur de perdre ceux qu’il aime. Un vagabondage dans le Barcelone qu’on nous montre peu, des flics corrompus et des clandestins. La noirceur d’Inarritu n’a d’égale que la brillance du jeu de Bardem, d’ailleurs récompensé à Cannes. A la frontière du réel, et pourtant ancré dans le concret des mois qui lui restent à vivre.
 

Le Bal des actrices, de Maïwenn – jeudi, 22h25 – NRJ 12

Avant Polisse, Maïwenn s’était déjà mise en scène, caméra au poing. Dans le beaucoup plus léger Bal des actrices, elle se joue des ego et des images. Dans ce documentaire fictionné, toutes les actrices jouent leur propre rôle, à nous de savoir démêler le vrai du faux. De cet autoportrait collectif et moqueur, affleurent des moments de vérité, sur les masques, les ambitions, le désir. Le désir de susciter le désir, justement.

 
Et pour combler les trous de la semaine télé, laissez-vous tenter par un docu radio sur le nouveau cinéma, par les conseils ciné d’un philosophe ou par le dernier Sofia Coppola.

Dimanche 31 mars

Harry Potter et le Prince de Sang-mêlé, de David Yates – 20h50 – TF1
Chicken Run, de Peter Lord et Nick Park – 20h45 – Gulli
Toy Story 3, de Lee Unkrich – 20h50 – M6
Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu, de Woody Allen – 20h50 – HD1
American Beauty, de Sam Mendes – 22h35 – D8

Vendredi dernier, Richard Griffiths est mort. Second rôle éternel du cinéma britannique, figure bien connue de nos amis d’outre-Manche, et seulement remémoré en France pour le rôle d’Oncle Vernon dans la série des Harry Potter. La preuve que celui-ci n’est peut-être pas le meilleur de la série ? Richard Griffiths n’y apparaît pas.

Comme demain, il n’y a pas école, les enfants ont le droit de regarder la télé. Puisque cet épisode d’Harry Potter s’intéresse surtout aux amourettes naissantes de nos héros adolescents, les plus jeunes et leurs parents préféreront se tourner vers une version de La Grande Evasion (que France 3 diffuse en VF lundi soir) avec des poules et un coq un peu dépressif, doublé par Gérard Depardieu. Dans Chicken Run, une fois de plus, l’humour des créateurs de Wallace et Gromit et les clins d’œil à répétition sont toujours un régal.

Pour ceux qui ont su garder leur âme d’enfant, on jette un œil sur le troisième volet des aventures de Woody, le cow-boy pacifiste de Toy Story pris dans l’enfer de la crèche. Les auteurs de Pixar sont des génies, qui réussissent à nous faire pleurer avec des jouets méchants.

Woody toujours, mais le maître, et un programme alléchant : “Vous allez rencontrer un bel et sombre inconnu”, promet-il. Ok. Mais comme toujours chez Woody Allen, même s’ils s’appellent Josh Brolin ou Antonio Banderas, ses personnages sont à la fois séduisants et cruels, enthousiastes et lâches. Beaux et sombres.

Beau et sombre, c’est aussi le cas d’American Beauty. Avant de réaliser l’un des meilleurs James Bond de la série, Sam Mendes a commencé par un premier film sublime. La lumière, déjà, est magnifique. Le temps, souvent suspendu. Kevin Spacey dynamite les apparences, lève le voile sur la banlieue américaine bien-pensante, finalement aussi bien rangée que dérangeante. Comme les roses dont le rouge intense nous accompagne tout au long du film, c’est beau mais ça pique.
 

Lundi 1er avril

L’Auberge espagnole, de Cédric Klapisch – 14h55 – France 2
Molière, ou la Vie d’un honnête homme, d’Ariane Mnouchkine – 20h50 – Arte
Que la bête meure, de Claude Chabrol – 20h50 – HD1
Y a-t-il un pilote dans l’avion ?, de David Zucker, Jim Abrahams, Jerry Zucker – 13h35 – NRJ12
Y a-t-il enfin un pilote dans l’avion ?, de Ken Finkleman – 15h10 – NRJ12
Le Capitan, d’André Hunnebelle – 20h45 – 6ter

Avril débute et certains étudiants, au lieu de commencer à réviser sérieusement leurs partiels, se perdent dans la paperasse européenne pour préparer leur séjour Erasmus. Pour éloigner un temps les angoisses du départ imminent, L’Auberge espagnole s’impose. Mais éloignez vos parents de l’écran, ils pensent encore que vous partez étudier.

Ils sont des grandes figures de théâtre, mais c’est le tapis rouge de Cannes qu’ils ont foulé. Philippe Caubère est né dans le Molière d’Ariane Mnouchkine, il y meurt, il y est la mort. Mais Philippe Caubère n’est pas à un paradoxe près. Molière, provocateur sous les ors de la Couronne, non plus.

Chabrol aussi avait ses paradoxes. Bon vivant à l’œil narquois qui met en scène l’amuseur Jean Yanne, il signe un drame dérangeant avec Que la bête meure. On se demande parfois ce qu’est un salopard. Ici, pas de doute : il a le visage de Jean Yanne.

Un jour férié à la télé, il y a des incontournables. Le bon vieux film des années 1980 en VF, d’abord, avec la série des Y a-t-il un pilote dans l’avion ?. Le film de cape et d’épée avec Jean Marais, ensuite, avec Le Capitan. Pour ceux qui s’inquiètent, c’est OCS Happy qui a été tiré au sort cette année pour diffuser Joyeuses Pâques.
 

Mardi 2 avril

Urgences, de Raymond Depardon – 1h – France 2

Bien peu à se mettre sous la dent après la profusion de films du week-end. Il faudra donc être insomniaque pour se plonger dans les Urgences. Et avec Depardon, ce n’est pas la même ambiance qu’avec George Clooney.
 

Mercredi 3 avril

Whatever Works, de Woody Allen – 20h50 – Arte

Whaterver Works, écrit au moment d’Annie Hall, porte la marque des Woody Allen ancienne époque, avec Larry David dans le rôle de l’intello à lunettes qui balbutie sans comprendre son époque, tout en arpentant les rues de l’Upper East Side. Il n’est pas Woody Allen, certes, mais Manhattan est toujours Manhattan.
 

Jeudi 4 avril

Ma femme est une actrice, d’Yvan Attal – 20h45 – Chérie 25

Ma femme est une actrice est une déclaration d’amour. A sa femme, aux actrices, au cinéma. Dans son premier film, Yvan Attal révèle Charlotte Gainsbourg. Elle n’est plus, sous son œil, cette petite chose fragile qu’on nous montre depuis son adolescence. Noémie Lvovsky devient une grande gueule aussi flippante qu’hilarante. Et entre les deux, si son personnage patauge, le réalisateur, lui aussi, se révèle. Drôle, énergique et sensible.

 
Ce week-end, foncez au cinéma – ça fait longtemps que vous n’y êtes pas allés. Allez voir Pierre Rabhi, au nom de la terre, Guerrière ou Samsara, sortis la semaine dernière.

 
Le premier film vu ?

Curieusement il me reste deux souvenirs de ce que serait mon premier film… Un film de guerre, Le Pont [de Bernhard Wicki, 1959, ndlr] – curieux choix parental – dans lequel des écoliers allemands sont chargés durant la dernière guerre mondiale de défendre le pont de leur village ; et un dessin animé, le célèbre Bambi… Tous deux m’ayant laissé un sentiment de grande tristesse… et l’idée que le cinéma est une machine à faire pleurer.

Par quel genre de films a été bercée votre adolescence ?

Cette période de ma vie m’a fait découvrir les grands classiques, du côté de l’émotion et de l’imaginaire avec Fellini, du côté de la réflexion et de la conscience politique avec Godard… Mais s’il y a un film qui m’a fait grandir, c’est peut-être Jeux interdits avec, notamment, son insoutenable scène finale dans la gare. Comment la folie meurtrière des hommes éclabousse l’innocence des enfants.

Le premier film qui vous ait fait rire aux larmes ?

Chaplin et ses Temps modernes, je n’ai jamais oublié que, revenant avec ma grand-mère du cinéma où était projeté le film, je me suis couronné les genoux en essayant d’imiter la célèbre démarche en canard de Charlot… J’ai beaucoup pleuré après avoir beaucoup ri….

Y a-t-il eu un film interdit que vous avez essayé de vous procurer par tous les moyens ?

On parlait beaucoup dans les années 1970 d’un film érotique – même pornographique -, Derrière la porte verte [de Artie et Jim Mitchell, 1972, ndlr] qui avait des ambitions esthétiques inhabituelles dans ce genre de productions… Bonne excuse pour aller le louer dans un vidéoclub, en complément de deux ou trois grands classiques du cinéma pour ne pas avoir à affronter le regard de la propriétaire du magasin… Un peu comme Woody Allen glissant un magazine de sexe au milieu d’une pile de journaux, mais humilié par le caissier demandant de manière tonitruante au vendeur le prix du magazine en question…

Un film dont vous ne vous êtes jamais remis ?

Breaking the Waves, qui va trop loin… comme doit le faire tout chef-d’œuvre !

Si l’on vous dit “film et politique”, vous répondez ?

Godard… pour qui même un travelling est un acte politique.

Un film dont vous auriez aimé écrire le scénario ?

Huit et demi qui plonge avec tant de vérité et de fantasme dans l’angoisse de la création.

Le comédien avec lequel vous auriez aimé dîner ?

Greta Garbo, pour savoir si une femme existait derrière le mythe… Et sinon, j’aurais aimé partager un petit salé aux lentilles avec Philippe Noiret, allez savoir pourquoi…

Avez-vous déjà pleuré au cinéma ?

Je pleure facilement au cinéma si je suis seul… et je crains le moment où les lumières se rallument.

Un film dont vous gardez précieusement la VHS ?

La Fin du jour de Julien Duvivier. Louis Jouvet, Michel Simon, pensionnaires dans une maison de retraite pour vieux comédiens. Et cette terrifiante phrase finale de Michel Simon, prononcée de sa voix chevrotante : “C’est pas de ma faute, je suis vieux…”
 

Il est de ces cinéastes qui, à la seule évocation de leur patronyme, suscitent un émoi sans nom. Woody Allen est de ceux-ci. Une forme d’icône supposée intouchable, et pourtant, l’artiste, obsessionnel et prolixe, est aussi prompt à l’échange incongru qu’à la discussion de fond. Chaque année ou presque, son millésime l’amène dans nos contrées. La promotion du séduisant To Rome with Love l’a conduit à Paris. Nous l’avons, en public, « rencontré »…

Il était bel et bien là. Assis, recroquevillé, mais l’œil et l’oreille aux aguets : Woody Allen était accompagné d’une traductrice dont le caractère volubile et l’enthousiasme manifeste faisaient contraste avec l’apparente timidité de l’invité. Tandis que l’interprète oscillait du français à l’anglais, tous les regards étaient tournés vers « Woody ». Car le monsieur, outre sa récurrente présence en Europe – « Je suis un cinéaste européen », dit-il – est aussi d’un abord aisé. Monsieur Allen appartient à la constellation des cinéastes qui ont le sens de l’écoute. Ses films sont, pour le moins, bavards. De visu, l’homme semble plus mesuré. Il est attentif, répond promptement, entre franchise et roublardise, à tous types de questions. Celles-ci portèrent sur le culte qu’il voue à notre continent, sur son rapport à la mort, sur son goût de l’écriture, sur son inspiration – toujours vivace : « Je n’ai aucune envie de prendre ma retraite, ce mot n’appartient d’ailleurs pas à mon vocabulaire. Travailler, c’est être vivant. » La messe est dite.
Oui, mais comment œuvre-t-il, exactement, ce monsieur niché derrière ses lunettes aux montures noir de jais ? Quel type de travailleur est Woody Allen ? Ses films, on le sait – et ça fait tout le charme de To Rome with Love -, s’apparentent à une partition musicale faite de thèmes, d’anathèmes et de ritournelles. Comment s’entretiennent ses récurrences ? Comment se cisèlent-elles ? Osons, dès lors, quelques questions, de fond, de front, ou anecdotiques, de biais ; osons – une fois n’est pas coutume – pour mieux connaître l’artiste, l’artisan et l’homme. Levons la main, de vive voix, haute, demandons :

Aimez-vous Jean-Luc Godard ? (1)

“Je l’admire beaucoup. C’est un génie. Je n’en suis pas un. Voici ce qui nous relie. Dans mon groupe d’amis, on l’aimait car il inventait de nouvelles formes. Et je l’ai rencontré plusieurs fois, j’apparais même dans son film King Lear !”

Le chef opérateur est-il l’une de vos clefs de voûte ?

« Oui, très certainement. Je me repose beaucoup sur lui. C’est une personne fondamentale à mes côtés ».

Ecrivez-vous au stylo ou à l’ordinateur ?

« J’écris toujours à la main et sur une vieille machine à écrire. Une Olympia. Je ne suis pas doué pour les technologies. En fait, je ne suis pas de ce monde-là. Ma femme et mon enfant, eux, le sont ! »

Trouvez-vous l’inspiration en vous promenant ?

« Une de mes activités préférées consiste effectivement à marcher dans les rues. J’ai des amis qui aiment aller dans les musées et visiter les églises. Je fais ça aussi, un peu, mais ce que je préfère, c’est la ville, avec ses maisons, ses magasins, les gens, quel que soit l’endroit où je me trouve. Et à New York, chez moi, je sors tous les jours avec ma femme pour marcher. Elle me sort un peu comme on sort un chien, en fait ! C’est ma seule activité excitante de la journée. »

Pour l’heure, nous n’en saurons guère davantage. C’est ainsi plus sage. Il n’est pas bon de tout connaître des gens qu’on admire. Leur mystère n’a pas de prix et l’attente d’en savoir plus a son charme aussi. Comment se sent-il physiquement au moment du tournage ? Abuse-t-il du thé ? Noir, anglais, avec ou sans nuage de lait ? Les nuages, à propos : et la météo ? Lui importe-t-elle ? Est-il superstitieux ? A-t-il vu et aimé Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda ? Quel est son chiffre préféré ? Alice aux pays des merveilles de Lewis Carroll est-elle une œuvre chère à son cœur ? A-t-il le vertige ? Aime-t-il les vestiges ? Les non-sens ? Les paradoxes ? Les ponts et les pontons ?

Un jour, peut-être, nous saurons.
 

Merci à Stéphane Célérier, sentinelle avisée.
(1) Se procurer le formidable Paris vs New York de Vahram Muratyan dans la collection 10/18. Pour le pertinent face-à-face « Godard / Woody ».

Cannes Classics 2012 c’est 13 longs, 3 courts et 4 documentaires. Un cinéma classique, oui, mais éclectique. C’est par exemple un grand classique indonésien, After the Curfew, réalisé par Usmar Ismail en 1954, un thriller qui se déroule durant les mois qui suivent l’indépendance de l’Indonésie. Ou bien Kalpana d’Uday Shankar, le premier film indien intégralement musical qui date de 1948. Mais c’est aussi Narayama Bushi Ko (La Ballade de Narayama) de Keisuke Kinoshita, un classique du cinéma japonais de 1958 où une vieille femme dit adieu à la vie. Dans un tout autre genre le haletant Runaway Train d’Andrei Konchalovsky, sorti en 1985, met en scène un criminel évadé de prison qui se retrouve avec son ancien gardien dans un train sans conducteur. Les Barbouzes de Georges Lautner raviront les amateurs de comédie qui se délecteront du trio Ventura-Blanche-Blier.
Trois courts-métrages seront présentés à l’occasion du 30e anniversaire de la Cinémathèque de la danse : A Great Day in Harlem (60′) de Jean Bach et deux « jazz shorties » : An All Colored Vaudeville Show (4’) et Jammin the Blues (11’).
Enfin, quatre documentaires sur des personnalités du cinéma seront projetés. Woody Allen : a Documentary de Robert Weide, Method to the Madness of Jerry Lewis de Gregg Barson, Me and Me Dad (66′) sur John Boorman de sa fille Katrine Boorman et le film d’Emmanuel Barnault, Claude M le cinéma, sur Claude Miller. Et pour conclure les festivités de Cannes Classics, le film de montage Final Cut – Hölgyeim És Uraim (Hongrie), produit par Béla Tarr sera projeté le samedi 26 mai.

Mais cette année Cannes Classics c’est surtout…

» Se replonger dans la fresque virtuose de Sergio Leone Once Upon a Time in America (Il était une fois en Amérique) rallongée de 25 minutes de scènes inédites ! Au cœur de l’Amérique des années 1920, pour une virée avec Max et Noodles, ces deux truands liés par une éternelle amitié… en présence de Robert De Niro.

» Voir ou revoir Tess de Roman Polanski, ou le destin tragique d’une jeune femme en quête de bonheur dans l’Angleterre victorienne. Sans jamais bouder son plaisir face à la photographie saisissante et l’interprétation sublime de Nastassja Kinski, actrice trop rare qui sera présente dans la salle accompagnée de Roman Polanski.

» Revivre LE traumatisme originel de toute une génération, Jaws (Les Dents de la mer) de Steven Spielberg. En attendant la sortie en DVD du film restauré en août prochain…

» Découvrir la face cachée d’Alfred Hitchcock, qui a réalisé en 1927 une comédie de mœurs, The Ring, un de ses neuf films muets qui nous restent. L’histoire de deux hommes amoureux de la même femme. Deux jeunes boxeurs qui vont s’affronter sur le ring pour gagner l’amour d’une caissière de fête foraine. Le film sera accompagné d’un concert du musicien Stephen Horne.

» Fêter le 50e anniversaire du tournage de Lawrence d’Arabie (Lawrence of Arabia) de David Lean. Le film aux innombrables récompenses qui a propulsé Peter O’Toole et Omar Sharif au rang de légendes du cinéma.

» Se déchirer avec Ingrid Bergman et George Sanders sur fond de dolce vita en embarquant pour Viaggio in Italiana (Voyage en Italie) de Roberto Rossellini.

» Passer deux heures magiques avec Cléo de 5 à 7 d’Agnès Varda, qui invente en pleine Nouvelle Vague et 40 ans avant Jack Bauer, le film en temps réel, le cinéma-vérité. Un enchantement. A partager avec la réalisatrice qui sera là en personne pour présenter son film.