1- Total Recall, de Paul Verhoeven, 1990
2- Travaux, de Brigitte Rouan, 2004
3- Drôle de drame, de Marcel Carné, 1937
4- Le Faucon maltais, de John Huston, 1941
5- Citizen Kane, d’Orson Welles, 1941
6- Liberté Oléron, de Bruno Podalydès, 2000
7- C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel et B. Poelvoorde, 1992
8- Monty Python Sacré Graal, de Terry Jones et Terry William, 1975
9- Michael Kohlhaas, d’Arnaud Des Pallières, 2013
10- Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006
11- Mammuth, de Gustave Kervern et Benoît Delépine, 2010
12- Grease, de Randal Kleiser, 1978
13- On achève bien les chevaux, de Sydney Pollack, 1969
14- Big, de Penny Marshall, 1988
15- 30 ans sinon rien, de Gary Winick, 2004
16- Les Marmottes, de Élie Chouraqui, 1993
17- Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970
18- En quatrième vitesse, de Robert Aldrich, 1955
19- Ascenseur pour l’échafaud, de Louis Malle, 1958
20- L’Année du dragon, de Michael Cimino, 1985
21- Elle, de Paul Verhoeven, 2016
22- Les Délices de Tokyo, de Naomi Kawase, 2015
23- Leviathan, de Andrei Zviaguintsev, 2014
24- L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2002
25- A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013
26- Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, 2002
27- Le Loup de Wall Street, de Martin Scorsese, 2013
28- Porco Rosso, d’Hayao Miyazaki, 1992
29- Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, 1970
30- Vanishing Point (Point limite zéro), de Richard Sarafian, 1971
31- Somewhere, de Sofia Coppola, 2010
32- Drive, de Nicolas Winding Refn, 2011
33- Rain Man, de Barry Levinson, 1988
34- Priscilla folle du désert, de Stephan Elliott, 1994
35- Cold in July, de Jim Mickle, 2014
36- La Balade sauvage, de Terrence Malick, 1973
37- Easy Rider, de Dennis Hopper, 1969
38- Fitzcarraldo, de Werner Herzog, 1982
39- Tchao Pantin, de Claude Berri, 1983
40- Allemagne année zéro, de Roberto Rossellini, 1948
41- La Double Vie de Véronique, de Krzysztof Kieslowski, 1991
42- Profs, de Patrick Schulmann, 1985
43- Diabolo menthe, de Diane Kurys, 1977
44- Green Hornet, de Michel Gondry, 2011
45- Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009
46- Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941
47- Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
48- Twin Peaks, de David Lynch, 1992
49- Prisoners, de Denis Villeneuve, 2013
50- There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, 2007
51- Misery, de Rob Reiner, 1990
52- Touche pas à la femme blanche, de Marco Ferreri, 1974
53- La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011
54- Le Magasin des suicides, de Patrice Leconte, 2012
55- Basic Instinct, de Paul Verhoeven, 1992
56- Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul, 2010
57- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch, 2013
58- Valse avec Bachir, d’Ari Folman, 2007
59- Persona, d’Ingmar Bergman, 1966
60- Belladonna (La Belladonne de la tristesse), de Eiichi Yamamoto, 1973
61- Mademoiselle, de Park Chan-wook, 2016
62- Max et les ferrailleurs, de Claude Sautet, 1971
63- La Règle du jeu, de Jean Renoir, 1939
64- Panic sur Florida Beach, de Joe Dante, 1993
65- Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001
66- The Big Lebowski, d’Ethan et Joel Coen, 1998
67- Indiana Jones et le temple maudit, de Steven Spielberg, 1984
68- The Party, de Blake Edwards, 1968
69- OSS 117 Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009
70- Kill Bill, de Quentin Tarantino, 2003
71- Le Salaire de la peur, d’Henri-Georges Clouzot, 1953
72- The Sorcerer (Le Convoi de la peur), de William Friedkin, 1977
73- Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Milos Forman, 1975
74- Les Innocents, de Jack Clayton, 1961
75- Les Premiers les derniers, de Bouli Lanners, 2015
76- De battre mon cœur s’est arrêté, de Jacques Audiard, 2005
77- Whiplash, de Damien Chazelle, 2014
78- Star Wars 7 : le réveil de la Force, de J. J. Abrams, 2015
79- Holy Motors, de Leos Carax, 2012
80- Spiderman, de Sam Raimi, 2002
81- Fantômas, d’André Hunebelle, 1964
82- Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992
83- Midnight Special, de Jeff Nichols, 2016 (2 images)
84- La Montagne sacrée, d’Alejandro Jodorowsky, 1973
85- Solaris, d’Andreï Tarkovski, 1972
86- Premier contact, de Denis Villeneuve, 2016
87- H2G2, le guide du voyageur galactique, de Garth Jennings, 2005
88- Metropolis, de Fritz Lang, 1927
89- Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, 1994
90- Il était une fois en Amérique, de Sergio Leone, 1984
91- Birdman, d’Alejandro González Iñárritu, 2014
92- Comme un avion, de Bruno Podalydès, 2014
93- Persepolis, de Marjane Satrapi, 2007
94- L’Extase et l’agonie, de Carol Reed, 1965
95- Voyage au bout de l’enfer, de Michael Cimino, 1978
96- L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
97- I comme Icare, d’Henri Verneuil, 1979
98- Marche à l’ombre, de Michel Blanc, 1984
99- Le Magnifique, de Philippe de Broca, 1973
100- Les Ensorcelés, de Vincente Minnelli, 1953
101- Le Cuirassé Potemkine, de Sergei Eisenstein, 1925
102- Les Incorruptibles, de Brian De Palma, 1987
103- La Grande Vadrouille, de Gérard Oury, 1966
104- Les Feux de la rampe, de Charlie Chaplin, 1952
105- Shining, de Stanley Kubrick, 1980
106- Playtime, de Jacques Tati, 1967
107- Ran, d’Akira Kurosawa, 1985
108- Anomalisa, de Charlie Kaufman, 2015
109- Zootopie, de Byron Howard et Rich Moore, 2016
110- Dogville, de Lars von Trier, 2003
111- Léon, de Luc Besson, 1994
112- La Chambre interdite, de Guy Maddin et Evan Johnson, 2015
113- L’Homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, 1976
114- Les Ailes du désir, de Wim Wenders, 1987
115- Une femme est une femme, de Jean-Luc Godard, 1961
116- Incendies, de Denis Villeneuve, 2010
117- Fahrenheit 451, de François Truffaut, 1966
118- Dernier train pour Busan, de Yeon Sang-ho, 2016
119- 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow, 2005
120- Démolition, de Jean-Marc Vallée, 2015
121- Ne nous fâchons pas, de Georges Lautner, 1966
122- La Chèvre, de Francis Veber, 1981
123- Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), « Est-ce que les expériences scientifiques en matière de sexualité servent à quelque chose ? », de Woody Allen, 1972.
124- L’Été de Kikujiro, de Takeshi Kitano, 1999

Poesia sin fin marque la huitième collaboration entre le maître Alejandro Jodorowsky et son fils Brontis. Un film apaisé où Alejandro se réconcilie avec son propre père, interprété justement par Brontis. Le réalisateur d’El Topo et de La Montagne sacrée qui transpire autant la poésie que l’art, ne pouvait qu’engendrer de l’artistique lui-même. Brontis Jodorowsky est devenu comédien et metteur en scène, avec son propre univers qu’il nous invite à explorer. Tout en parlant d’Alejandro, qui n’est jamais bien loin…

Dans La Danza de la realidad et Poesia sin fin, vous jouez le rôle du père de votre père. Comment passe-t-on de fils à père ?

J’ai simplement revêtu un costume et plongé dans les situations, car je suis un acteur. Vous savez, j’ai beaucoup travaillé avec d’autres metteurs en scène que mon père. Pour La Danza de la realidad, il m’avait dit de bien me préparer, car j’allais incarner mon grand-père. Je lui ai dit qu’en réalité je n’allais pas devenir cette autre personne que je n’avais jamais connue, sinon que, que j’allais plutôt incarner le personnage de son scénario. Le cinéma est un artisanat très lourd, avec de nombreuses personnes impliquées sur le tournage, beaucoup d’argent investi, donc on ne peut pas être dans le psychologique, les rapports au père. On fait simplement ce qu’on a à faire. L’effet psychologique, par contre, d’incarner un tel rôle, ça a commencé pour Alejandro et moi à la projection du film il y a deux ans, à la Quinzaine des réalisateurs, au moment où le film était enfin livré au monde, devenait lui-même. Nous commencions enfin à le percevoir avec du recul.

Comment interprétez-vous la scène où votre fils vous rase la tête ?

C’est une scène dont on me parle beaucoup. Il y a quelque chose qui touche, mais qui n’est pas simple à expliquer. Le fils enlève les attributs d’identité à son père. Il libère son père de l’image que lui, le fils, se fait de son père. La mémoire est toujours une fiction. Ce qu’Alejandro montre de son père dans La Danza de la realidad et Poesia sin fin, c’est la vision qu’il en a, faite d’éléments réels, de ressentis et de ressentiments. C’est donc un regard porté. Alejandro réinvente sa mémoire pour pouvoir travailler avec. Il en a le droit, car tout souvenir que l’on a est en partie faussé, de toute manière. C’est toujours le reflet d’un point de vue sur les choses : quand tu as cinq ans, tu vois ta mère comme une femme grande et surpuissante et quand tu arrives à dix-huit ans, tu t’aperçois que non, qu’elle mesure 1,60 mètre et qu’elle se débat comme elle peut avec la vie ; ton regard a changé. C’est la même personne pourtant. Je pense que ça a été très libérateur pour Alejandro, car tondre quelqu’un, c’est très violent. Il avait le sentiment que son père voulait lui voler sa vie et, même si c’est de l’ordre du fantasme, il avait besoin de lui rendre cette violence avant de le pardonner. Mais quand il lui tond sa moustache et ses cheveux, il se dit à lui-même : « Cesse de voir ton père comme ça. » Ce n’est pas tuer le père, mais l’accepter enfin avec ses qualités et ses limites et se libérer du ressentiment.

Dans Poesia sin fin, votre père vous dirige, vous jouez avec votre frère Adan, il y a quelque chose de sécurisant de travailler ainsi en famille ?

Je ne dirais pas sécurisant, car les enjeux sont très forts pour Alejandro que de faire reposer le film sur les épaules de ses fils, moi dans La Danza de la realidad et mon frère Adan dans Poesia sin fin. C’est un gros risque pour lui. On aurait pu ne pas être en cohérence avec ce projet. Mais on se connaît et on s’apprécie artistiquement. En tant qu’artiste moi-même, j’aime beaucoup l’univers de mon père et je le respecte énormément. Tout comme j’admire beaucoup mon frère qui a aussi composé la musique de Poesia sin fin qui apporte tant au film.

On peut imaginer que grandir avec Jodorowsky peut aider à se découvrir une vocation artistique…

En fait, ça s’est trouvé comme ça, car Alejandro n’a poussé aucun de ses enfants à devenir artiste, même si chacun s’est épanoui dans son domaine, s’est développé avec une forme de rigueur et d’ambition artistiques et qu’ensemble, tout fonctionne bien, comme un orchestre. Alejandro aime aussi travailler avec nous, car il n’aime pas le faire avec des stars, il fuit le star-system et je le comprends. D’un autre côté, je crois qu’il s’est dit qu’avec nous, il avait un matériau sous la main ! Les liens familiaux ne doivent obliger à rien. A la base, je voulais être vétérinaire ou pilote d’avion, mais ça m’est passé quand j’ai compris que c’était sensiblement pareil qu’être chauffeur de bus. Puis, j’ai fait une fac de psycho et je suis arrivé au théâtre par hasard. Quand j’ai dit à mon père que j’arrêtais la fac pour être sur scène, il m’a dit de faire ce que je voulais. Il ne m’a ni encouragé, ni découragé, il m’a laissé entièrement libre de mon choix. J’ai fait mon parcours d’acteur pendant une vingtaine d’années au théâtre, tout seul. Le nom de mon père ne m’a jamais aidé. Maintenant, il est reconnu, mais avant, c’était difficile pour lui. C’est pour ça qu’il s’est tourné vers la bande dessinée. Quand j’ai fait du théâtre pendant sept ans avec Ariane Mnouchkine, le nom de Jodorowsky ne l’a pas impressionnée ! J’ai recommencé à travailler avec lui quand j’avais 48 ans, parce qu’il était venu me voir au théâtre et avait adoré ce que j’avais fait. On a collaboré ensemble sur trois pièces de théâtre, dont Le Gorille, que je reprends cet été dans le festival off d’Avignon, et c’était un vrai désir mutuel.

Vous pouvez donc lui dire que tel rôle qu’il vous donne ne vous intéresse pas…

Absolument ! Je pourrai lui faire comprendre qu’il n’a pas besoin de moi pour ce rôle-ci ou celui-là, mais ce n’est jamais arrivé car il m’a toujours proposé une véritable aventure artistique. Autre exemple, j’ai une nièce qui était adolescente à l’époque et qui a refusé un second rôle qu’il lui offrait parce qu’il fallait partir tourner pendant deux mois au Chili et qu’elle sentait que ce serait trop long pour elle.

Combien de temps a duré le tournage de Poesia sin fin ?

Huit semaines. La préparation du film elle-même a été très rapide aussi, pendant deux mois, car il y avait très peu d’argent au départ. Ils ont commencé sans avoir le budget. Alejandro s’est dit qu’il irait jusqu’où il pouvait, ce qui fait partie de sa fantaisie. Il voulait même terminer le film en plan fixe, avec lui-même racontant la fin si on n’avait pas le budget d’ici là, dans un esprit brechtien. La préparation a été si courte que parfois, on jouait avec des costumes terminés d’être cousus quelques secondes avant la scène ! Heureusement, le budget s’est complété avec le crowfunding et un producteur s’est greffé à la toute fin, ainsi que Le Pacte.

Vous avez joué avec de nombreux metteurs en scène. Le travail avec eux est-il différent que celui d’avec votre père ?

Chaque metteur en scène est unique et à chaque fois, c’est une aventure différente. Il n’y a pas de règle, l’art est réfractaire au dogme. Il faut que ce soit une rencontre, que l’autre vienne vers toi et toi vers lui. En général, pour moi, ce qui prime, c’est l’œuvre. J’essaie d’éviter l’ego. Je suis un acteur très discipliné. Quand un réalisateur vient me diriger et m’indiquer ce que je dois faire, ça ne me pose aucun problème. Car certains n’aiment d’ailleurs pas que l’on propose des choses. Le bon réalisateur donne l’impression aux acteurs que c’est eux qui ont tout trouvé. Le bon acteur, lui, donne l’impression au réalisateur qu’il lui doit tout… Quand tous les deux sont bons, alors les choses surgissent d’elles-mêmes, dans l’amour porté à l’œuvre. La différence avec Alejandro, c’est qu’on se connaît, on s’est pratiqué depuis que je suis enfant, qu’on adore tout ce qui est poétique et métaphorique et qu’on se fait entièrement confiance. Quand je démarre un film avec lui, je sais qu’il sera beau et qu’à l’intérieur de son univers, je pourrai composer mon personnage.

Aimeriez-vous réaliser à votre tour ?

Oui, ça me démange. J’ai mis en scène des pièces de théâtre et trois opéras, mais je sais que réaliser un film, c’est très différent. Quand j’ai mis en scène des opéras, je me suis vraiment senti à ma place, j’arrivais à proposer une vision dans laquelle les artistes pouvaient bouger et ils y prenaient beaucoup de plaisir. Ils pouvaient être eux-mêmes à l’intérieur d’un univers. Et puis, j’aimerais réaliser car la condition de l’acteur est en quelque sorte misérable : on est tributaire du désir des autres. Il faut être désiré pour devenir aimant. La chose la plus difficile au monde est d’ailleurs de dire à quelqu’un « je t’aime ». On devient vulnérable, c’est une marque de confiance énorme. Etre simplement acteur, c’est très difficile, très angoissant.

Alejandro Jodorowsky a dit que Poesia sin fin était un « acte poétique ». Etes-vous d’accord avec cette définition ?

Oui. Il cherche en tout cas à porter la poésie à l’écran. C’est la première fois que j’entends des poèmes déclamés dans un film qui paraissent naturels, comme dans les films de Jacques Demy où les personnages chantent. Ca passe très bien. J’ai vu dernièrement des films français où il s’agissait simplement de filmer un scénario. Qu’on l’aime ou non, quoi qu’on en pense, le cinéma de mon père est celui de quelqu’un qui cherche une expression purement cinématographique très visuelle, avec des couleurs, des compositions, une expressivité des corps,où chaque image est une proposition poétique. Après, est-ce que c’est un bon ou un mauvais poème, un poème qui touche ou non, c’est à chacun de le dire selon son ressenti. Dans la famille, on s’est toujours dit “un poème par jour” ; une activité qui ne sert à rien… à part polir son âme.

Après tout ce travail opéré avec votre père, arrive-t-il encore à vous surprendre et vous-même, le surprenez-vous ?

Je ne peux pas répondre pour lui, mais d’une certaine manière, non. Mais ça ne veut pas dire que je sois blasé. C’est un jardin dans lequel j’ai grandi et où j’ai toujours plaisir à me promener. A chaque saison, ça fleurit et c’est beau. Si je ne suis pas surpris, je garde intacte ma capacité d’émerveillement.

Et en tant que spectateur, comment percevez-vous l’évolution des films de votre père ?

Je trouve qu’il va de la frustration à une expression plus apaisée. Dans El Topo par exemple, ça crie tout le temps. C’est le film d’un échec. Il y a deux parties dans le film et à chaque fois ça se termine par un échec. Il y exprimait son désespoir, confrontation avec ses limites et ses efforts désespérés pour les dépasser. Alors que dans ses derniers films, il n’y a plus de désespoir. Il ne se bat plus contre le monde, mais pour le monde. Pour résumer, je dirais qu’Alejandro est passé d’une recherche mentale à une recherche émotionnelle.

 
Poesia sin fin de et avec Alejandro Jodorowsky, avec aussi Adan Jodorowsky, Brontis Jodorowsky, Pamela Flores, Leandro Taub… France, Chili, 2016. Présenté à la Quinzaine des réalisateurs 2016.

 
Pourquoi animer cette discussion avec Alejandro Jodorowsky ?

C’était une proposition du Festival et j’ai accepté tout de suite avec plaisir, car je trouve le cinéma de Jodorowsky passionnant. Ce sera un grand moment, car c’est un artiste sans langue de bois et très généreux en entretien, qui va sans doute interpeler un public qui ne serait pas habitué à son style de cinéma. Un cinéma qui ne ressemble à rien de traditionnel et qui est un véritable choc émotionnel.

Comment définir Jodorowsky ?

C’est un poète visionnaire. Il part de films de genre qu’il distord totalement pour en faire des films très personnels. Je pense à El Topo et Santa sangre, aux terrains balisés qui bifurquent. Son dernier film, La Danza de la realidad est par exemple un film autobiographique racontant sa jeunesse et que l’on pourrait rapprocher des films de Bunuel ou Ruiz, mais qui devient une quête mystique. On pourrait dire que son cinéma rappelle les effets de la drogue, mais sans en prendre. Même si on n’adhère pas à son œuvre, on ne peut qu’être saisi par la beauté et les idées incroyables qui s’en dégagent. On se souvient de ses films, car c’est un véritable choc à chaque fois. Tout cinéaste important ne peut, de toute manière, pas laisser indifférent et divise. Toutefois, son Danza de la realidad est mieux maîtrisé et a reçu un accueil unanime. Et on attend beaucoup de son prochain film, Poesia sin fin sur son enfance à Santiago du Chili.

Il semble inspirer bon nombre de cinéastes…

Oui, son adaptation de Dune en est l’exemple parfait. Il reste tout un tas d’éléments de préproduction comme les storyboards, où l’on prend la mesure de ce qu’aurait été ce film, que ce soit la distribution prévue (Mick Jagger, Orson Welles) ou la conception des vaisseaux qui rappellent ceux que l’on retrouvera plus tard dans Star Wars. Même ses créatures sont proches de l’Alien conçu par H.R. Giger. C’est incroyable, l’influence de cette œuvre qui pourtant n’a jamais vu le jour, faute de financement…

Qui sont ses héritiers ?

Nicolas Winding Refn se réclame de lui, comme un fils spirituel, car il fait aussi un cinéma mental, avec un vrai travail sur le genre, s’appuyant sur une réalité et allant au-delà. Il y aurait aussi Jan Kounen pour son intérêt des pratiques métaphysiques, que l’on retrouve dans Blueberry.
Il a lui aussi le talent de ne pas être seulement réalisateur.

Le cinéma n’est que l’une des facettes de l’œuvre de Jodorowsky…

Oui, c’est un artiste protéiforme comme l’était Cocteau. Il a par exemple créé le mouvement Panique, héritage du dadaïsme et du surréalisme, avec Roland Topor et Fernando Arrabal. Son cinéma est d’ailleurs le fruit de ce passé, c’est pourquoi ses films sont si bouillonnants et dans une ébullition créatrice. Entre Le Voleur d’arc-en-ciel et La Danza de la realidad, ce sont écoulés 23 ans pendant lesquels il a fait tout autre chose. Pour lui, le cinéma n’est qu’un mode d’expression.

Quels films conseiller à quelqu’un qui n’est pas familier de son cinéma ?

Pour commencer, je suggérerais La Danza de la realidad et Santa sangre, qui sont ses films les plus narratifs. Il y a dans Santa sangre un traitement extraordinaire du personnage du tueur en série. C’est un cinéma de sensation, d’émotion qui peut vite échapper à un public qui attend qu’on lui raconte une histoire. Alejandro Jodorowsky vise au sublime, en prenant le risque d’être grotesque.

Que pensez-vous des films choisis pour cet hommage ?

Ce sont ses quatre meilleurs films, le Festival ne s’y est pas trompé. Je conseillerais toutefois de terminer le cycle par La Montagne sacrée, sans doute le film le plus déroutant, avec des moments de cinéma inouïs.

Bone Tomahawk

En 1850, dans une paisible bourgade du sud des Etats-Unis, une mystérieuse horde d’Indiens kidnappe plusieurs personnes. Le shérif Hunt se lance à leur poursuite… C’est le début d’un voyage vers l’enfer.
On ne boude pas un tel pitch, surtout lorsque le shérif en question est interprété par Kurt Russell, capable du meilleur et à qui on pardonne toujours le pire, et que la promesse d’une mise à mort intolérable se cache dans ces 2h12 de pellicule.

Evolution

Lucile Hadzihalilovic n’a pas seulement un nom imprononçable ; elle a aussi un talent certain pour la mise en scène. En témoigne son premier long-métrage, Innocence, récompensé du Prix du Meilleur Jeune Cinéaste au Festival de Saint-Sébastien en 2004. Son deuxième long, Evolution, dont le scénario a été récompensé à Sundance en 2009, raconte l’histoire de jeunes garçons qui reçoivent un mystérieux traitement dans une communauté de femmes. Tous l’acceptent, sauf Nicolas, aidé dans son enquête par une infirmière de l’hôpital.

Jeruzalem

Un verset du Talmud dit (enfin nous, on n’en sait rien, mais on le croit sur parole) : “Il y a trois portes de l’Enfer, une dans le désert, une dans l’océan et une à Jérusalem” (Jérémie, 19). Il n’en fallait pas plus au tandem de cinéastes israéliens Doron et Yoav Paz pour réaliser Jeruzalem. Deux Américaines se trouvent en vacances à Jérusalem pendant Yom Kippour quand l’une des portes de l’Enfer s’ouvre. Et sonne le Jugement dernier, rien que ça.

What We Become

La famille Johansson passe un été parfait jusqu’à ce qu’une violente épidémie de grippe sème la mort dans le quartier. La police décide une mise à quarantaine. Le jeune Gustav, isolé, assiste à une situation qui dégénère, la foule enragée faisant couler le sang…
Dans une sélection trustée par les Etats-Unis, on attend avec impatience ce film danois, même s’il s’agit de la première expérience de long-métrage de Bo Mikkelsen, à qui l’on doit quand même un court multirécompensé, Taboo. Et comme il a par ailleurs collaboré avec Nicolas Winding Refn, on ne doute (presque) plus de ce What We Become.

Burying the Ex

Joe Dante est un passionné biberonné au cinéma de genre et aux références, cinéaste au talent fou et bien trop rare. De Piranhas à The Hole, en passant par Gremlins, Panic sur Florida Beach ou l’hallucinant Les Looney Tunes passent à l’action, la filmographie de Dante est exceptionnelle. Gageons que ce Burying the Ex, qui raconte comment une ex-petite amie jalouse et manipulatrice revient d’entre les morts pour éliminer celle qui lui succède dans les bras de Max, ne fera pas tache dans la liste.

Depuis 14 ans, les Journées cinématographiques dionysiennes prennent le temps, l’espace d’une semaine, de dresser le panorama d’un siècle d’évolution des mentalités à travers le prisme du cinéma. A chaque édition sa thématique de société. Utopia, c’est le nom de cette 14e édition qui se tiendra au cinéma L’Ecran de Saint-Denis du 5 au 11 février 2014. Après s’être interrogées l’année précédente sur les craintes suscitées par l’avenir, les Journées cinématographiques dionysiennes proposeront cette fois-ci une réflexion autour des autres possibles et des “visions” de sociétés idéales. L’utopie sous toutes ses formes, donc. Intime ou collective. Politique, sociale, économique, culturelle, écologique… 70 films – fictions, documentaires, films expérimentaux, longs et courts-métrages, films du patrimoine, inédits et avant-premières – ainsi que le regard aiguisé du grand rêveur Alejandro Jodorowsky serviront de socle pour mener cette méditation commune et conviviale. Une carte blanche sera notamment accordée au réalisateur Lionel Soukaz et un focus sera consacré à Chris Marker. L’occasion de découvrir un cinéma insolite, audacieux et d’une imagination sans limite.

» Plus d’infos sur le site de L’Ecran de Saint-Denis

En attendant de rencontrer Alejandro Jodorowsky, puisque Wildside ressort le 6 novembre prochain trois films restaurés du cinéaste et écrivain chilien (La Montagne sacrée, El Topo et Santa Sangre), scrutons un moment la voûte céleste pour contempler celle qui porte désormais son nom. Depuis le 24 juillet dernier, une planète se nomme, grâce à l’astronome français Jean-Claude Merlin qui l’a découverte à Nogales dans l’Arizona le 24 décembre 2005 (n’est-ce pas poétique ?) : 261690 JODOROWSKY. Rencontre.

Pouvez-vous nous raconter les conditions de découverte de cette planète ?

La plupart du temps, c’est en observant un astéroïde qu’on en découvre un autre qui passe dans le même coin du ciel au même moment. Et bien souvent, en suivant le deuxième, on en découvre un troisième, et ainsi de suite. C’est ce qui est arrivé avec l’objet découvert le 24 décembre 2005 qui est devenu aujourd’hui l’astéroïde Jodorowsky. Je l’ai trouvé en cherchant à ré-observer un autre astéroïde que j’avais découvert quelques jours auparavant. Il y en a encore des centaines de milliers à découvrir.

A quoi correspond le numéro 261690 ?

On connaît actuellement plus de 500 000 astéroïdes. Près de 370 000 d’entre eux ont été suffisamment observés pour que leur orbite autour du Soleil soit bien établie : ils portent alors un numéro d’ordre définitif. L’objet qui nous intéresse porte donc le numéro 261 690. A partir du moment où un astéroïde reçoit un tel numéro définitif, le découvreur a le privilège de proposer un nom. Sur les 370 000 astéroïdes numérotés, seulement 15 000 d’entre eux portent un nom, les autres se contentent d’un numéro en attendant que leurs découvreurs fassent une proposition… s’ils ont l’idée, le temps et l’inspiration de le faire.

Où se situe Jodorowsky dans le cosmos et à quoi ressemble-t-elle ?

C’est un bon gros caillou de 5 kilomètres environ, tout sombre, tout irrégulier et plein de cratères. Un peu comme un morceau de la surface lunaire. On ne l’a pas vu de près. On connaît son éclat et comme on connaît sa distance et la région du système solaire où il se trouve, on peut faire une estimation de son diamètre. C’est à peu près tout pour l’instant. Il gravite dans la ceinture principale entre Mars et Jupiter, en moyenne à 470 millions de kilomètres du Soleil. 261690 JODOROWSKY met environ 5 ans et demi pour boucler une révolution complète autour du Soleil. Elle s’approche au mieux à 290 millions de kilomètres de la Terre. Ce n’est donc pas très loin de la Terre, c’est beaucoup plus proche que la plus proche des étoiles.

Pourquoi avoir décidé de nommer cette planète Jodorowsky ?

On honore quelqu’un ou un lieu, un concept en fonction de critères purement subjectifs et personnels et d’une inspiration que l’on a à un moment donné. J’ai revu El Topo à cette époque et cela m’a incité à honorer Jodorowsky. C’est mon film préféré. La première fois que je l’ai vu, j’avais 16 ans. Je cherche aussi à proposer des noms qui ont pour moi une certaine esthétique et une orthographe originale pour qu’ils puissent se distinguer des autres astéroïdes.

Comment baptise-t-on une planète ?

Il y a des aspects techniques, scientifiques, littéraires – il faut pouvoir écrire quelques lignes en bon anglais. 16 caractères maximum, le plus court possible, prononçable par la plupart des êtres humains… Pas un truc du genre “zxqw”. Il y a aussi des choses qui ne se font pas : pas de militaires ni de politiques, pas de noms injurieux ou de mauvais goût. Pas de nom qui ressemble trop à des noms déjà donnés… C’est une activité rattachée au monde scientifique et donc gratuite. Il n’y a pas de business ni d’entreprise privée qui touche des royalties dans l’affaire. On ne paye pas pour cela et on ne gagne pas d’argent non plus.

Quels liens pouvez-vous faire entre cette planète et l’œuvre de Jodorowsky ?

Les liens que Jodo fera lui-même. Même (surtout) si c’est mystique, émotionnel, nostalgique. J’ai voulu lui offrir un petit morceau d’éternité : il va graviter là-haut tranquillement pour des dizaines de millions d’années, c’est déjà pas mal. Il ne regardera plus jamais le ciel de la même façon : si cela peut l’inspirer dans sa créativité, ce serait excellent.

Quand on pense à Jodorowsky, on pense plutôt à la magie qu’à la science, non ?

Quand on baptise un astéroïde, on est plus dans l’émotionnel que dans la science. Personnellement je voulais faire plaisir à un artiste dont j’ai apprécié les créations et j’ai pensé aussi que cela ferait plaisir à ceux qui l’apprécient. A ce stade-là, la science on s’en fout. Et puis quand on s’appelle Merlin, on a le droit de s’intéresser à la magie, non ?

Est-ce une évidence qu’un passionné d’astronomie s’intéresse à l’œuvre de Jodorowsky ?

Un passionné d’astronomie peut aussi être passionné de cinéma, de musique, de voyages, de vieilles pierres, de météorites, de monnaies anciennes, de bière belge (j’ai un faible pour la Grimbergen ambrée), de chocolat noir. J’arrête là, cela deviendrait indiscret… J’ai baptisé plusieurs dizaines d’astéroïdes parmi lesquels : Rammstein, Yves Coppens, Marcel Bleustein-Blanchet, Gotlib, Mandryka, Enki Bilal, Claire Bretécher, Amélie Nothomb, Peter Falk, Roberto Alagna et puis Carnac, Cluny, Rapa Nui… et même le Marsupilami ! J’ajoute tout de même que je suis un fan de science-fiction : j’en ai beaucoup consommé avant de plonger dans l’astronomie, ce qui fait que je suis en fait très bon public, tout à fait capable de laisser de côté les invraisemblances scientifiques pour me laisser aller dans le rêve et l’imaginaire.

Alejandro Jodorowsky est-il au courant de votre hommage ? Comment a-t-il réagi ?

Bien sûr qu’il est au courant. Les Humanoïdes Associés ont été super sympa de faire suivre l’information. Jodorowsky est plus que ravi et très reconnaissant. Je pense que pour lui l’honneur va au-delà de lui-même : c’est pour lui une réhabilitation de son nom de famille qui était méprisé au Chili, que ce soit à l’époque de son père ou à l’époque de ses études théâtrales.

Après plusieurs projets annoncés puis avortés (King Shot et Les fils d’El Topo) et vingt-trois ans de silence cinématographique, plus personne n’attendait vraiment un nouveau film d’Alejandro Jodorowsky. On s’était presque fait une raison : Jodorowsky était désormais écrivain, prolifique scénariste de bande dessinée et cartomancien à ses heures, mais il était devenu un cinéaste à la retraite. Alors, entendre que son nouveau film, tourné dans le plus grand des secrets, allait être projeté à la 45e Quinzaine des réalisateurs constituait une annonce d’envergure : le paisible papy entouré de ses chats dans son appartement parisien allait redonner vie à ses créatures monstrueuses, à ses héros tourmentés et à son univers surréaliste.

Surprise supplémentaire : La Danse de la réalité est l’adaptation de son propre ouvrage et lève enfin le mystère sur l’enfance du cinéaste. Ou plutôt : une partie du mystère. Car Jodorowsky est un conteur qui préfère la légende au réalisme cru, le symbolisme au fait. Qu’il soit né au Chili de parents immigrés, on n’en doute pas. Que sa mère se pensait diva et veillait affectueusement sur son « petit prince », certainement. Que son père représentait une autorité sèche et crainte, probablement. Mais le symbole agit chez Jodorowsky comme chez personne d’autre (ou alors peut-être chez Apichatpong Weerasethakul, autre électron libre du cinéma) : son processus de création relève davantage de l’écriture automatique et de « l’expérience cérébrale » que d’un souci de raconter une histoire intelligible et comprise intégralement par le plus grand nombre.

Ainsi chaque élément est forcé, chaque personnage fantasmé et chaque situation devient allégorie. Fidèle à ses concepts surréalistes et au mouvement Panique qu’il fonda, l’auteur se laisse dépasser par son univers. Embarqué dans le train de ses pensées, il réalise une œuvre psychique et œdipienne : « Pour moi, ce film est comme une bombe psychologique », admet le réalisateur. Alejandro y joue son propre personnage, quand l’un de ses fils joue son père, un autre le dictateur Ibañez. Derrière l’écran, sa femme réalise les costumes et son fils Adan compose la musique… Le cinéma envisagé comme moteur de la « psychomagie », cette doctrine qui propose de parler le langage de l’inconscient. Le cinéma comme don reçu, et non comme produit.

On retrouve en tout cas dans La Danse de la réalité les obsessions de son auteur et, peut-être, leurs plus lointaines racines : cette fascination pour les monstres de foire et autres freaks qu’Alejandro tient de sa découverte du monde circassien, son inclinaison pour les martyrs, pour la violence et la cruauté. Et, bien sûr, la foi qu’il a en la rédemption après la chute. Autant d’éléments qui, en substance, sont au centre de Fando et Lis, Santa Sangre, La Montagne sacrée et du cultissime El Topo. Adoré par certains, détesté par beaucoup, le cinéma d’Alejandro constitue surtout une promesse : celle d’un « autre chose », un univers singulier, bizarre, théâtral et terriblement original qui imprègne durablement le spectateur.

 
La Danse de la réalité (La Danza de la realidad) de et avec Alejandro Jodorowsky, avec aussi Brontis Jodorowsky, Pamela Flores, Jeremias Herskovits, Cristobal Jodorowsky, Adan Jodorowsky… Chili, France, 2013. Présenté à la 45e Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes. Sortie le 4 septembre 2013.

» Découvrez notre dossier dédié au 66e Festival de Cannes

Sous-titré “Amours interdites en 100 films”, le cycle du Forum des images Défense d’aimer (du 2 mai au 30 juin 2013) rend hommage aux histoires d’amour impossibles de cinéma, parce que subversives, monstrueuses, malheureuses, tragiques. Outre les canons du genre auxquels on pense (Roméo et Juliette et Love Story en tête), la programmation fait la part belle à des œuvres plus personnelles – et souvent plus controversées : Yo, tambien d’Álvaro Pastor et Antonio Naharro, Harold et Maude de Hal Ashby, Noces éphémères de Reza Serkanian, THX 1138 de George Lucas, Santa sangre d’Alejandro Jodorowsky, Jules et Jim de François Truffaut, Portier de nuit de Liliana Cavani, Bataille dans le ciel de Carlos Reygadas, Au-delà des collines de Cristian Mungiu, Les Anges exterminateurs de Jean-Claude Brisseau, Dernier tango à Paris de Bernardo Bertolucci, Le Soldat dieu de Koji Wakamatsu ou encore l’avant-première Meteora de Spiros Stathoulopoulos…
En ces temps où certains voudraient effectivement interdire l’amour à d’autres, un cycle bienvenu et fort à-propos !

Pour ceux qui sont restés frustrés à Paris ces deux dernières semaines sans mettre les pieds à Cannes, ou pour ceux qui, à Cannes, se sont perdus sur la Croisette sans prendre le temps d’aller jusqu’à la Quinzaine des réalisateurs, le Forum des images organise des séances de rattrapage du 30 mai au 9 juin 2013. Comme si vous aviez expérimenté la climatisation de la salle du Théâtre Croisette, quelques réalisateurs viendront présenter leurs films et débattre. A ne pas manquer : Yolande Moreau pour Henri (le 8 juin), Alejandro Jodorowsky pour La Danse de la réalité (le 9 juin), Antonin Peretjako pour La Fille du 14 juillet (le 2 juin), ou encore Clio Barnard, primée pour The Selfish Giant (le 31 mai).

 
1. Les visages mêlés de Liv Ullmann et Bibi Andersson dans Persona.
2. Les jeux de mots des Demoiselles de Rochefort… « – Bonjour monsieur Dame », « – Je vais en perm’ à Nantes »…
3. Le visage défait de Françoise Lebrun à la fin de La Maman et la putain.
4. Le “suce ton homme” de Fabrice Luchini à Alessandra Martines dans Tout ça pour ça !.
5. L’ombre de Maya Deren sur le mur ensoleillé de Meshes of the Afternoon.
6. Grégoire Colin dansant seul en fumant une cigarette sur « Hey Gyp » de The Animals dans US Go Home.
7. La déglutition difficile de Chloë Sevigny dans The Brown Bunny et celle de Michel Blanc dans Les Bronzés font du ski.
8. Michael Lonsdale fouetté cul nu devant des curés, et qui leur dit que ça ne fait que commencer dans Le Fantôme de la liberté.
9. Les tout petits yeux de Charles Bronson dans Il était une fois dans l’Ouest.

10. Le maléfique nichon géant tueur pourchassant Woody Allen dans Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander).
11. L’évasion de John Ryder dans The Hitcher de Robert Harmon.
12. La musique dans n’importe quel film de Rob Zombie.
13. Le cerf épargné dans Voyage au bout de l’enfer.
14. « – Bob ? Flingue… » dans Batman (le seul et l’unique, avec Jack Nicholson).
15. “I Got You Babe” de Sonny & Cher au réveil d’Un jour sans fin.
16. « Passé le pont, les fantômes vinrent à sa rencontre » : la poésie gothique du carton dans Nosferatu.
17. L’envoûtant “California Dreaming” chanté par Michael Fassbender au volant dans Fish Tank.
18. La justice expéditive de Steven Seagal dans Nico.
19. La sortie de la famille et du chien d’un tout petit kayak dans Nanouk l’Esquimau.
20. Les images hallucinogènes chez Alejandro Jodorowsky.
21. Le malaise croissant et l’horreur insoutenable de Kinatay.
22. Jeff Beck piétinant sa guitare dans Blow-Up.
23. La chute grotesque du cocktail molotov dans The Host.
24. La nature indomptable dans Le Convoi sauvage, Délivrance et Into the Wild.

25. Les clientes de supermarché nues dans Cashback.
26. Quentin Tarantino, aka Mr Brown, qui explique que « Like a Virgin », « – ça parle d’une fille qui est mordue d’un mec qui a une super queue ».
27. Le plan-séquence d’ouverture de La Soif du Mal.
28. Les yeux révulsés de Paul Meurisse dans Les Diaboliques de Clouzot.
29. Joe Pesci massacré à la batte de base-ball dans Casino.
30. La tasse qui se fracasse sur le sol dans Usual Suspects.
31. L’errance de Gene Hackman et de Al Pacino dans L’Epouvantail.
32. Les chevaliers qui disent “- Ni” et le Moyen Age de Holy Grail, qui est le meilleur Moyen Age du cinéma, il faut le reconnaître.
33. Le swing d’Arno Frisch dans Funny Games.
34. Martin Lamotte, aka Miguelito, qui « – paraît-il fait de très jolis cendriers en rotin » dans Les Bronzés.
35. La culotte rose de Scarlett Johansson et l’air paumé de Bill Murray dans Lost in Translation.

36. La pluie apocalyptique s’abattant dans le couloir de l’hôpital psychiatrique de Shock Corridor.
37. La chambre interdite du Secret derrière la porte de Fritz Lang.
38. « Moonriver » chanté par Audrey Hepburn à son balcon dans Diamants sur canapé.
39. La scène du bunker dans The War Zone.
40. Les tatouages “Hate” et “Love” sur les phalanges de Robert Mitchum dans La Nuit du chasseur.
41. L’inquiétante activité des fourmis dans Phase IV de Saul Bass.
42. « The end » par The Doors dans Apocalypse Now.
43. Brad Pitt croyant parler italien dans Inglorious Basterds.
44. Kathleen Turner tuant une vieille dame à coups de gigot parce qu’elle ne rembobine pas ses VHS dans Serial Mother.
45. La scène d’ouverture silencieuse de Wall-E.
46. Les couleurs de Suspiria.

47. Heath Ledger retrouvant sa chemise entrelacée avec celle de Jake Gyllenhaal à la fin de Brokeback Mountain.
48. Holly Hunter se faisant couper un doigt à la hache, sans broncher et sous la pluie dans La Leçon de piano.
49. Marina Foïs chantant “Trentenaire et célibataire” dans J’me sens pas belle.
50. Le meurtre de Drew Barrymore dans Scream et celui de Johnny Depp dans Les Griffes de la nuit.
51. Kate Winslet qui vomit sur les livres d’art de Jodie Foster dans Carnage.
52. Le rire insolent et interminable de Claudia Cardinale au premier dîner du prince Salina
dans Le Guépard.
53. Le chignon de Kim Novak dans Vertigo et celui de Tippi Hedren dans Les Oiseaux.
54. La mélodie entêtante et angoissante sifflée par Peter Lorre dans M le Maudit.
55. Le premier orgasme de Winona Ryder dans Great Balls of Fire.
56. Les explications sur la pédophilie au petit garçon dans Happiness de Todd Solondz.
57. Les synthétiseurs de Popol Vuh au coeur de l’Amazonie dans Aguirre.
58. L’ambiance de la rôtisserie Ragueneau dans Cyrano de Bergerac.
59. Le brushing de Mélanie Griffith dans Working Girl.
60. La moiteur de l’air dans Coup de torchon.
61. La peau diaphane et le regard décidé de Carole Bouquet sur sa barque à la fin de Buffet froid.
62. La voix de Jean Rochefort dans Un éléphant, ça trompe énormément.
63. L’avant-gardisme du pétillant Hellzapoppin.
64. L’élasticité du ventre de Totoro.

65. L’attelle de Rosanna Arquette dans Crash.
66. King Kong mastiquant ses victimes en roulant des yeux dans la version de 1933.
67. L’infinie tristesse éthylique de Marie Trintignant dans Betty.
68. Le van des survivants au pied d’une créature monumentale dans la brume malfaisante de The Mist.
69. La couronne de dynamite de Pierrot le fou.
70. Michel Serrault réclamant du pain à sa femme dans Les Fantômes du chapelier.
71. Les yeux rouges et les dents en plastique des Morlocks dans La Machine à explorer le temps.
72. Le pull rouge de Nastassja Kinski dans Paris, Texas.
73. L’incontinence de Linda Blair dans L’Exorciste.
74. Le berceau noir dans Rosemary’s Baby.
75. Les clopes et les tonneaux de Michel Piccoli dans Les Choses de la vie.
76. Les renards et les dents qui poussent de Michel Blanc dans Marche à l’ombre.
77. La générosité mammaire et pâtissière d’Andrea Ferreol dans La Grande Bouffe.
78. L’angoissant travelling forestier en caméra subjective dans Evil Dead.
79. Britt Ekland, première tentatrice de l’île de la tentation, dans The Wicker Man.

80. “The Sound of Silence” dans Le Lauréat.
81. L’ultime allumette de Los Angeles 2013.
82. Les cheveux blancs de Frank Drebin.
83. Les fulgurances grotesques de Frenzy.
84. La touche F5 comme outil scénaristique hautement émotionnel dans The Social Network.
85. L’explosion pinkfloydienne à la fin de Zabriskie Point, preuve, s’il en fallait une, que cinéaste italien + groupe anglais = grand film américain.
86. Eva Greene se déshabillant sur “La Mer” de Trénet dans Innocents – The Dreamers, preuve, s’il en fallait une, que cinéaste italien + acteurs anglo-saxons = grand film français.
87. Le premier baiser dans Histoire de fantômes chinois de Ching Siu-tung.
88. La colère filmée par Claude Sautet… Celle de Montand dans César et Rosalie, la fureur de Michel Piccoli dans Vincent, François, Paul & les autres, Emmanuelle Béart face à Daniel Auteuil au restaurant dans Un coeur en hiver.
89. Les larmes de Meg Ryan dans Quand Harry rencontre Sally parce qu’« – I’m gonna be 40 ».
90. La nuque de Charlotte Gainsbourg dans Ma femme est une actrice.
91. Le “- Yippie-Kay-yee, pauvre con” de Bruce Willis dans Die Hard.
92. Les chiottes qui explosent dans L’Arme fatale.
93. Combo générique parlé, métafilm et citation bazinienne au début du Mépris : déjà 50 ans de branlette pour étudiants en cinéma, sans même avoir besoin des séquences avec Bardot.
94. De la première à la dernière minute, le traumatisme ultime qu’est La Mouche, ou l’intense dépucelage cronenbergien.

95. L’accouchement monstrueux et loufoque dans Gozu.
96. Le délire de Jerry Lewis dans la file d’attente de Hollywood or Bust.
97. La clé dans la main d’Ingrid Bergman dans Les Enchaînés.
98. La tempête de neige dans Dersou Ouzala d’Akira Kurosawa.
99. N’importe quel plan de Jean Yanne avec de la musique de Michel Magne pour aller avec. L’équivalent cinématographique du couple sauternes/foie gras.

Ont participé à ces 99 fragments de cinéma : Alex Rizzo, Alexandre Prouvèze, Anne-Claire Cieutat, Caroline Vié, Cédric Janet, Clément Arbrun, Gaëlle Pairel, Jean-Nicolas Berniche, Julien Wagner, Marion Haudebourg, Mathieu Menossi, Mélanie Carpentier, Stéphanie Amigues, Thomas Chouanière, Yvan-Pierre Kaiser et Jean-Marc Toussaint.