Tous les films :

La Soupe aux choux, de Jean Girault, 1981
Gens de Dublin, John Huston, 1987
Festen, de Thomas Vinterberg, 1998
Mes meilleurs copains, de Jean-Marie Poiré, 1988
Le Grand Blond avec une chaussure noire, d’Yves Robert, 1972
Une femme douce, de Robert Bresson, 1969
Une femme douce, de Serguei Loznitsa, 2017
De l’amour, de Jean Aurel, 1964
La Fiancée du pirate, de Nelly Kaplan, 1969
Buffalo 66, de Vincent Gallo, 1998
Mon roi, de Maiwenn, 2015
Les Evadés, de Frank Darabont, 1994
Boulevard du crépuscule, de Billy Wilder, 1950
Vol au-dessus d’un nid de coucous, de Milos Forman, 1975
Shining, de Stanley Kubrick, 1980
Batman, de Tim Burton, 1989
Hoffa, de Danny de Vito, 1993
Full Metal Jacket, de Stanley Kubrick, 1987
Mes meilleures amies, de Paul Feig, 2011
Les Diaboliques, de Henri Georges Clouzot, 1954
Hamburger Film Sandwich, de John Landis, 1977
Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon, d’Elio Petri, 1970
Bernard et Bianca, de Wolfgang Reitherman, Art Stevens et John Lounsbery, 1977
Cendrillon, Walt Disney, 1950
Le Roi Lion, Walt Disney, 1994
Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980
Alice au pays des merveilles, Walt Disney, 1951
OSS 117 : Le Caire nid d’espions, de Michel Hazanavicius, 2006
The Voices, de Marjane Satrapi, 2014
Le Chat, de Pierre Granier-Deferre, 1971
L’Aventure des Ewoks : la caravane du courage, de John Korty, 1984
Petit paysan, d’Hubert Charuel, 2017
King of Pigs, de Yeon Sang-ho, 2011
Eva, de Kike Maillo, 2011
Le Festin nu, de David Cronenberg, 1991
Lettre d’une inconnue, de Max Ophüls, 1948
Un éléphant ça trompe énormément, de Yves Robert, 1976
Possession, d’Andrzej Zulawski, 1981
La Mariée était en noir, de François Truffaut, 1968
Mélodie en sous-sol, de Henri Verneuil, 1962
Le Privé, de Robert Altman, 1973
Bananas, de Woody Allen, 1971
Punch Drunk Love, de Paul Thomas Anderson, 2002
Les Malheurs d’Alfred, de Pierre Richard, 1972
Requiem for a Dream, de Darren Aronofsky, 2000
Hors Satan, de Brunot Dumont, 2011
Mort à Venise, de Luchino Visconti, 1971
Franz, de Jacques Brel, 1971
Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, 2015
Quelques jours avec moi, de Claude Sautet, 1988
Que la fête commence, de Bob Fosse, 1980
Kagemusha, l’ombre du guerrier, d’Akira Kurosawa, 1980
La Forteresse noire, de Michael Mann, 1983
Les Sorcières de Salem, de Raymond Rouleau, 1952
Le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene, 1920
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, 1999
Haxan – la sorcellerie à travers les âges, de Benjamin Christensen, 1922
Chute libre, de Joel Schumacher, 1993
Le Charme discret de la bourgeoisie, de Luis Bunuel, 1972
Toni Erdmann, de Maren Ade, 2016
Big Boss, de Lo Wei, 1971
Jour de fête, de Jacques Tati, 1949
Christophe Colomb, de Ridley Scott, 1992
Blade Runner, de Ridley Scott, 1982
Thelma & Louise, de Ridley Scott, 1991
Alien, de Ridley Scott, 1979
Underground, d’Emir Kusturica, 1995
Les nains aussi ont commencé petits, de Warner Herzog, 1970
L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
Ah ! si j’étais riche, de Michel Munz et Gérard Bitton, 2002
Titicut Follies, de Frederick Wiseman, 1967
The Big Lebowski, de Joel Coen, 1998
Dans la chaleur de la nuit, de Norman Jewison, 1967
Retour vers le futur, de Robert Zemeckis, 1985
Toy Story, de John Lasseter, 1995
Chicken Run, de Nick Park et Peter Lord, 2000
Blanche-Neige et les 7 nains, de David Hand, 1937
Le Château dans le ciel, d’Hayao Miyazaki, 1986
Zombillénium, de Arthur de Pins et Alexis Ducord, 2017
Sans toit ni loi, d’Agnès Varda, 1985
La Ballade de Narayama, de Keisuke Kinoshita, 1958
A Beautiful Day, de Lynne Ramsay, 2017
Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson, 1997
Small Soldiers, de Joe Dante, 1998
Les Dents de la mer, de Steven Spielberg, 1975
Django Unchained, de Quentin Tarantino, 2012
Le Guépard, de Luchino Visconti, 1963
Devine qui vient dîner, de Stanley Kramer, 1967
On aura tout vu, de Georges Lautner, 1976
L’Incorrigible, de Philippe de Broca, 1975
Rubber, de Quentin Dupieux, 2010
Le Dernier des hommes, de Friedrich Wilhelm Murnau, 1924
Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry, 2004
Antichrist, de Lars von Trier, 2009
L’Effrontée, de Claude Miller, 1985
Ma femme est une actrice, de Yvan Attal, 2001
Jacky au royaume des filles, de Riad Sattouf, 2014
La Femme sur la lune, de Fritz Lang, 1929
Pépé le Moko, de Julien Duvivier, 1937
Le Blob (Danger planétaire) , de Irvin S. Yeaworth Jr.
L’Homme qui rétrécit, de Jack Arnold, 1957
L’Homme au bras d’or, d’Otto Preminger, 1955
Le Cri du sorcier, de Jerzy Skolimowski, 1978
Last Action Hero, de John McTiernan, 1993
Soudain l’été dernier, de Joseph Mankiewicz, 1959
L’homme qui voulut être roi, de John Huston, 1975
The Burbs (Les Banlieusards) , de Joe Dante, 1989
All is Lost, de J. C. Chandor, 2013
Le Placard, de Francis Veber, 2000
Le Dîner de cons, de Francis Veber, 1998
Les Compères, de Francis Veber, 1983
Les Fugitifs, de Francis Veber, 1986
L’Emmerdeur, de Edouard Molinaro, 1973
Coup de torchon, de Bertrand Tavernier, 1981
Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy, 1963
Zero Theorem, de Terry Gilliam, 2013
La Dernière Vague, de Peter Weir, 1977
Usual Suspects, de Bryan Singer, 1995
Un ticket pour l’espace, de Eric Lartigau, 2006
Ne vous retournez pas, de Nicolas Roeg, 1973
Poltergeist, de Tobe Hooper, 1982

 
Premier souvenir de cinéma ?

Je crois que c’est Jurassic Park. J’avais huit ans et j’étais fan de dinosaures à l’époque. C’est sans doute le film le plus extraordinaire que je pouvais voir alors ! C’est la première fois que je suis allé au cinéma et la première cassette vidéo que je me suis acheté avec mon argent de poche. J’avais dû économiser plusieurs mois pour me l’offrir, car ça coûtait 200 francs !

Le film qui a bercé votre enfance ?

C’est le tout premier film que j’ai vu, à la télé, Brisby et le Secret de Nimh [de Don Bluth, ndlr]. Je le trouvais super beau, mais aussi très dur et triste. Mais sinon, un de mes films préférés reste Edward aux mains d’argent. La musique est magnifique et j’aime la dichotomie entre le côté sombre et fragile de Johnny Depp et du château et l’univers très coloré, cartoonesque et parfait de la petite ville. Winona Ryder y est un idéal féminin absolu.

Un acteur – ou une actrice – disparu avec qui vous aimeriez dîner ?

Une actrice ! Marilyn Monroe, puisqu’on est dans l’ordre de l’impossible. C’est un personnage hyper-complexe dans son ultra-superficialité. Quelqu’un qu’on a envie d’aimer énormément, même cinquante ans après sa mort. Elle dégage une fragilité et un paradoxe touchants. C’était une icône tellement extraordinaire !

Premières larmes devant un film ?

Forrest Gump. C’est un film que j’ai vu jeune, le premier pas complètement pour enfants que j’ai vu, même si c’est grand public. Il y a un côté épopée de vie assez incroyable. J’avais du coup l’impression d’avoir accès à plein de facettes de la vie que je n’avais jamais pu voir auparavant, soit au cinéma, soit dans la vraie vie, avec plein d’émotions que je n’étais pas forcément prêt à recevoir. C’est un souvenir vraiment marquant. Mais je l’ai revu récemment et j’étais un peu déçu.

Derniers fous rires au cinéma ?

Je crois que c’est Légendes vivantes 2, que j’ai trouvé très drôle. Je suis client de la plupart des films avec Will Ferrell. C’est un type d’humour différent de ce que l’on connaît en France, mais une fois qu’on a adopté ce langage-là, ça devient très addictif.

Le film le plus effrayant ?

Take shelter de Mike Nichols, car il y a une atmosphère très pesante. Sinon, Shining, évidemment.

Le film le plus érotique ?

Ca fait bien longtemps que je n’ai pas vu une scène érotique intéressante au cinéma ! Je vais alors citer Mulholland Drive car j’ai vu ce film à un âge où je n’avais jamais vu de scènes lesbiennes et j’avais trouvé que c’était une bonne idée !

Un film culte que vous gardez précieusement ?

Edward aux mains d’argent ou The Hook. J’adore les films des années 1990, époque où j’allais au cinéma et il y avait alors une vraie dimension magique. Mon imaginaire était réceptif au cinéma, pour m’en imprégner, car je ne faisais pas encore de musique. Depuis que je compose, le cinéma a plus une dimension de détente que réellement artistique, même si je peux apprécier un bon film. Je vois surtout des blockbusters, comme Les Gardiens de la galaxie. C’est un sujet de débat fréquent avec ma copine…

La BO qui vous a le plus marqué ?
There Will be Blood.

Qui mettriez-vous dans votre Panthéon du cinéma ?

Spielberg, car il a réalisé un bon paquet de films qui m’ont marqué. Il y aurait aussi Danny Elfman pour la musique et j’hésite entre Brad Pitt et Leonardo DiCaprio. Allez, une petite préférence pour Brad Pitt que je trouve plus simple, il me fait plus rire. DiCaprio peut avoir tendance à me fatiguer.

Vous avez composé avec le groupe Revolver la BO du film Comme des frères. Que gardez-vous de cette expérience ?

C’était assez particulier car c’était la première fois qu’on faisait ça. On avait rencontré Hugo Gélin, le réalisateur, avant même qu’il ne tourne ses images. On s’était donc projeté sur sa première intention de départ, ce qui était plutôt intéressant. Il avait flashé sur un de nos morceaux sorti sur un EP à l’époque, Parallel Lives et il avait construit tout l’imaginaire de la BO de son film à partir de ce titre. L’exercice était alors de faire comme une sorte d’album qui partirait de cette chanson-là. On venait de finir notre deuxième opus et c’était comme si on faisait un album alternatif, car il y avait beaucoup de chansons à écrire. Une très bonne expérience. J’aimerais beaucoup le retenter. C’est une façon de composer qui est très différente, car la musique n’a pas besoin d’être signifiante, elle peut juste être un jeu d’atmosphère, avec des structures étirées. Ce ne sont pas les mêmes codes et formats qu’en chanson. C’est aussi l’occasion d’expérimenter énormément. J’en ai beaucoup discuté avec Rob qui compose pour des films des musiques complètement folles, avec des expérimentations hyper-osées, car il y a une écoute différente au cinéma, presque subliminale.

Un type de films pour lequel vous pourriez composer ?

J’adore les BO de Jonny Greenwood, le guitariste de Radiohead. A chaque fois, il invente un nouveau style de musique de film. J’aimerais essayer de développer ce genre-là, pas faire quelque chose à la John Williams, même si j’en suis un grand fan. J’aimerais écrire quelque chose qui soit à la fois posé et en décalage avec le style de film, ce que je ne peux pas me permettre en chanson. J’aime quand la musique détonne par rapport aux images.

Il y a une cohérence entre la musique que vous proposez et l’univers visuel qu’il y a autour…

J’ai l’impression en effet que ma musique a une dimension très visuelle, mais c’est involontaire. Je ne me figure pas, quand j’écris, quelque chose de visuel. J’ai l’impression qu’il y a des éléments cinématographiques qui se dégagent, mais je ne pars pas d’images pour écrire ma musique. Je pars de la musique en elle-même, de notes, de sons, je me laisse complètement errer par la musique. Si je devais aborder la musique de manière visuelle, ce serait des images très abstraites, des formes, des couleurs, des atmosphères, des constructions géométriques. Pour moi, le clip est un travail à part, une interprétation de ma musique. Je trouve ça intéressant qu’un réalisateur puisse lui apporter quelque chose en plus.

Justement, votre premier clip, In Between, est très abstrait et géométrique…

Oui, ce fut une rencontre incroyable avec Ismaël Moumin, le réalisateur, également photographe de la pochette de mon EP. La veille de rentrer en studio pour le tournage, il voulait qu’on parle du thème de la chanson, de ce que ça voulait dire pour moi. Et en fait, il avait écrit des semaines auparavant, sans qu’on ne se consulte, des métaphores très précises du texte. Il avait réussi à le traduire visuellement et c’était étonnant de précision et de justesse.

Vous évoluez désormais en solo. Une manière de travailler identique, différente ?

C’est différent, car être seul est à la fois plus facile et difficile. Plus facile car on va plus vite, il n’y a pas besoin de défendre ses idées, de convaincre d’autres personnes, on peut aller là où on le souhaite. Le plus ardu, c’est qu’on est seul à pouvoir le faire, il faut donc avoir beaucoup d’énergie et de motivation. C’est un métier incroyable, mais très dur. L’avantage du groupe est de pouvoir se soutenir. Mais pour cet album, j’ai beaucoup travaillé avec Benjamin Lebeau du groupe The Shoes qui l’a réalisé et ce qui était agréable, c’est qu’il était au service de ma musique et s’appropriait le projet. Il y avait une logique dans notre façon de fonctionner qui était plus simple que dans un groupe. C’était à moi d’avoir le dernier mot et dans un groupe, c’est dur de trouver le compromis en permanence. Etre seul permet d’aller plus loin artistiquement.

Qu’en pensent alors vos anciens acolytes de Revolver ?

Ils ont écouté. On est resté très proches. Le groupe s’est arrêté, mais ça ne veut pas dire qu’on ne travaillera plus jamais ensemble. On est redevenus meilleurs amis car à la fin du groupe, on en avait marre des uns des autres après cinq ans à vivre toujours ensemble. On a sauvé notre amitié en mettant un terme à cette aventure.

Film d’ouverture : Café Society de Woody Allen (avec Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, le grand écart de générations entre des petits jeunes devant la caméra et un petit vieux derrière).

En compétition (ils sont 20 à vouloir décrocher la timbale) :

Toni Erdmann de Maren Ade (Allemagne)
Julieta de Pedro Almodovar (Espagne)
American Honey d’Andrea Arnold (Royaume-Uni)
Personal Shopper d’Olivier Assayas (France)
La Fille inconnue des Frères Dardenne (Belgique)
Juste la fin du monde de Xavier Dolan (Canada)
Ma loute de Bruno Dumont (France)
Mal de pierres de Nicole Garcia (France)
Rester vertical d’Alain Guiraudie (France)
Paterson de Jim Jarmusch (USA)
Aquarius de Kleber Mendonça Filho (Brésil)
I, Daniel Blake de Ken Loach (Royaume-Uni)
Ma’Rosa de Brillante Mendoza (Philippines)
Baccalaureat de Cristian Mungiu (Roumanie)
Loving de Jeff Nichols (USA)
Agassi de Park Chan-wook (Corée du Sud)
The Last Face de Sean Penn (USA)
Sieranevada de Cristi Puiu (Roumanie)
Elle de Paul Verhoeven (Pays-Bas)
The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (Danemark)
The Salesman d’Asghar Farhadi (Iran)

Hors compétition :

The Nice Guys de Shane Black (USA)
Money Monster de Jodie Foster (USA)
Goksung de Na Hong-jin (Corée du Sud)
Le Bon Gros Géant de Steven Spielberg (USA)

Un Certain Regard :

Eshtebak (Clash) de Mohamed Diab (ouverture)
Hell or High Water de David Mackenzie
After the Storm de Kore-eda Hirokazu
La Tortue rouge de Michael Dudok De Wit
La Larga Noche de Francisco Márquez & Andrea Testa
The Transfiguration de Michael O’Shea
Varoonegi de Behnam Behzadi
Apprentice de Boo Junfeng
Voir du pays de Delphine & Muriel Coulin
La Danseuse de Stéphanie Di Giusto
Eshtebak de Mohamed Diab
Fuchi Ni Tatsu de Fukada Kôji
Omor Shakhsiya de Maha Haj
Me’ever Laharim Vehagvaot de Eran Kolirin
Caini de Bogdan Mirica
Pericle Il Nero de Stefano Mordini
Captain Fantastic de Matt Ross
Uchenik de Kirill Serebrennikov
Hymyilevä Mies de Juho Kuosmanen

Séances de minuit :

Gimme Danger de Jim Jarmusch (USA)
Bu-san-Haeng de Yeon Sang-ho (Corée du Sud)
Blood Father de Jean-François Richet (France)

Séances spéciales :

L’Ultima Spiaggia de Thanos Anastopoulos et Davide Del Degan (Grèce et Italie)
Hissein Habré, une tragédie tchadienne de Mahamat-Saleh Haroun (Tchad)
La Mort de Louis XIV d’Albert Serra (Espagne)
Le Cancre de Paul Vecchiali (Fance)
Wrong Elements de Jonathan Littell (Etats-Unis)
La Forêt de quinconces de Grégoire Leprince-Ringuet (France)
Chouf de Karim Dridi (France/Tunisie)
Peshmerga de Bernard-Henri Lévy (France)

Quinzaine des réalisateurs :

Divines de Houda Benyamina
Dog Eat Dog de Paul Schrader
Fai Bei Sogni de Marco Bellocchio
Fiore de Claudio Giovannesi
L’Economie du couple de Joachim Lafosse
L’Effet aquatique de Sólveig Anspach
La Pazza gioia de Paolo Virzì
Les Vies de Thérèse de Sébastien Lifshitz
Ma vie de Courgette de Claude Barras
Mean Dreams de Nathan Morlando
Mercenaire de Sacha Wolff
Neruda de Pablo Larraín
Poesía sin fin de Alejandro Jodorowsky
Raman Raghav 2.0 de Anurag Kashyap
Risk de Laura Poitras
Tour de France de Rachid Djaïdani
Two Lovers and a Bear de Kim Nguyen
Wolf and Sheep de Shahrbanoo Sadat

Ecrivain majeur de la seconde partie du XXe siècle, J.G. Ballard est l’un des plus grands visionnaires de la littérature contemporaine. S’attaquer à l’adaptation d’une de ses œuvres-phares n’est donc pas anodin. D’autant plus quand les réalisateurs qui l’ont précédé avec succès sont Steven Spielberg (L’Empire du soleil) et David Cronenberg (Crash).
Mais même en faisant abstraction des réalisateurs susmentionnés, il reste le simple (sic) fait que l’œuvre ballardienne est en soi un vecteur de réflexion immensément riche. Rares sont ceux qui ont scruté avec autant de perspicacité leur époque et ont « prédit » l’avenir avec autant de finesse psychologique que Ballard tout au long de ses romans.
S’attaquer à Ballard, c’est affronter le défi de représenter l’espace ballardien, une notion qui établit un rapport complexe et organique entre espace intérieur et espace extérieur, l’un et l’autre se reflétant mutuellement. Tout comme Lovecraft professait l’existence d’une géométrie « non-euclidienne » impossible à représenter, Ballard a imaginé des paysages lointains issus d’un rêve et décrit des errances humaines dont l’intérêt réside dans l’acceptation finale du héros de se laisser aller au temps, un temps nouveau, autre…
Et puis, il y a le regard de l’écrivain sur la ville, l’architecture, la suburbia (« L’espace suburbain est pour lui le nouveau terrain de la déviance, de l’obsession, de la bizarrerie. C’est une sorte de lieu pathogène, de paysage mi trivial et mi infâme. » (2)), terme contemporain qui désigne les villes en périphérie, les « banlieues » aux espaces similaires partout dans le monde, cet espace intermédiaire que Ballard a décidé d’habiter, ayant été un résident de Shepperton la plupart de sa vie.

I.G.H., titre français de High-Rise, clôture ainsi la « trilogie du béton », une phase déterminante de l’œuvre ballardienne. C’est un aboutissement stylistique et philosophique : narrant la détérioration des relations interpersonnelles dans un immeuble de grande hauteur dans la banlieue londonienne, Ballard y décrit une société repliée sur elle-même qui régresse et développe une guerre balkanique au sein de la tour. Ce qui pourrait être une fable un peu indigeste et prévisible devient un miroir effrayant de notre civilisation où les écarts entre riches et pauvres ne cessent de déchirer le tissu social et où les rêves d’un chacun se fracassent contre le béton d’une architecture aveugle, tombeau d’une humanité qui retrouve une étincelle de sérénité dans l’acceptation de sa sauvagerie inévitable.

D’emblée on peut se réjouir d’une chose : il n’est pas nécessaire de savoir tout cela pour apprécier High-Rise de Ben Wheatley. Alors pourquoi un tel préambule ? Car c’est tout aussi bien de le savoir, que de l’apprendre après coup. Ben Wheatley ne s’embarrasse pas d’un discours théorique pesant, il nous dévoile un film foutraque, généreux, parfois bancal mais toujours divertissant, surprenant et esthétiquement ravissant. Et il se trouve en plus que c’est là peut-être la plus fidèle adaptation de Ballard au cinéma. Spielberg et Cronenberg avaient tous deux brillamment trahi la source de leur récit. Wheatley embrasse le roman, s’y plonge, injecte ses obsessions et ressort avec un film dont la fragilité et le côté punk se marient parfaitement avec le ton de Ballard qui semble parfois (faussement) découvrir ses personnages au moment de les écrire. Il y a ainsi des moments de fureur, de poésie, des échappées lyriques et des blagues vulgaires. Tout ça s’enchaînant avec la logique qui se trouvait dans les films des années 1970.

En situant son film à l’époque où Ballard a écrit le roman, Wheatley renoue avec l’esprit libre et expérimental du cinéma de cette époque. Et comme il l’explique, situer le film de nos jours aurait été une erreur : les technologies actuelles, particulièrement les réseaux sociaux rendraient un tel événement différent, c’est un prisme biaisé qui donnerait une portée trop étroite à ce récit. Alors qu’en renouant avec le look 70’s, Wheatley crée une dystopie du passé qui nous éclaire mieux sur notre société actuelle.

Soutenu par un casting cinq étoiles en très grande forme, High-Rise, pardonnez le jeu de mots, atteint des sommets. Tom Hiddleston confirme qu’il est un des acteurs les plus intéressants de sa génération et Sienna Miller trace une carrière singulière tout en douceur et discrétion. Jeremy Irons retrouve les sommets de son art en étant sur le toit de cet immeuble improbable, entre la pyramide et le HLM.

La liberté de ton du film en agacera certains, d’autres critiqueront le désordre ambiant qui semble affecter la mise en scène. Mais ce n’est pas sans rappeler le précédent film du réalisateur : A Field In England. Manifeste anarcho-punk psychédélique complètement barré dont on ne sort pas indemne. Wheatley injecte autant de folie et d’inventivité dans son immeuble au récit (presque) classique que dans son petit film expérimental. Le résultat est détonnant, déroutant, enthousiasmant… pour qui accepte son destin et se laisse porter par la créature hybride qu’est High-Rise, odyssée dévastatrice, onde de choc, murmure, bref, une œuvre un peu inclassable mais bouleversante car elle parle à notre être profond.

Tout comme un roman de Ballard qui nous perd parfois (et se perd sûrement…), il faut accepter que nous n’avons pas le contrôle de la narration, que nous sommes une figure dans un faisceau de connexions et que tout cela est appelé à disparaître, tôt ou tard. Ce réseau est peut-être une fiction, un rêve ou autre chose, peu importe, il faut enfin intérioriser qu’il n’y a plus de distinction entre ça et la « vie », entre le cinéma et la réalité. High-Rise n’est pas qu’un film, c’est le fragment d’une histoire à venir, l’annonce d’une apocalypse qui épelle notre nom.

(1) J.G. Ballard dans « Zones d’influences », entretien avec J.G. Ballard par Stan Barets & Yves Frémion, 1977. Paru dans J.G. Ballard – Hautes altitudes (dir.) Jérôme Schmidt & Emilie Notéris, Editions ère, 2008, Alfortville.
(2) Bruce Bégout « SUBURBIA du monde (urbain) clos à l’univers (suburbain) infini ». Paru dans J.G. Ballard – Hautes altitudes (dir.) Jérôme Schmidt & Emilie Notéris, Editions ère, 2008, Alfortville.

 
High-Rise de Ben Wheatley, avec Tom Hiddleston, Jeremy Irons, Sienna Miller… Angleterre, 2015. Sortie le 6 avril 2016.

 
Flight de Robert Zemeckis, avec Denzel Washington, Kelly Reilly, Don Cheadle, John Goodman, Bruce Greenwood… Etats-Unis, 2012. Sortie le 13 février 2013.

Steven Spielberg s’en prend aujourd’hui au président Abraham Lincoln, l’une des figures les plus emblématiques de l’histoire des Etats-Unis. Plus exactement, le cinéaste a choisi de concentrer son récit sur les derniers mois de la présidence – et de la vie – de Lincoln. Quatre derniers mois, en 1865, pendant lesquels l’homme d’Etat a livré sans doute sa plus grande bataille : adjoindre un 13e amendement à la Constitution américaine destiné à abolir l’esclavage, tout en maintenant par ailleurs l’unité de son pays, embourbé depuis quatre ans en pleine guerre civile.

Cela faisait dix ans que Spielberg travaillait sur ce projet. Dix ans qu’il y planchait avec son scénariste Tony Kushner (Munich) sans trop savoir par quel bout prendre ce fragment du passé, l’un des plus retentissants de toute l’histoire des Etats-Unis. Autant dire que ce Lincoln-là était un gros morceau pour Spielberg. Alors forcément, lorsque l’on s’assoit dans son fauteuil, on est un peu fébrile, redoutant l’écueil du film hagiographique, rampant au pied du mythe.

2h30 plus tard, on ressort circonspect. Avec cette sensation malgré tout de s’être agréablement fait avoir. Certes on ne comprend toujours pas très bien l’intérêt cinématographique du “biopic” (à défaut de très bien en saisir les intérêts financiers). Certes on a entendu couiner quelques violons ici ou là et déplorer quelques plans sur-esthétisés. On s’est également senti parfois perdu au cœur d’une histoire dont nous, Européens, pouvons avoir du mal à saisir toutes les résonances. L’intrigue est complexe, en effet. Spielberg la voulait ainsi : réaliste et précise. Mais voilà, Spielberg, on l’a dit, sait raconter des histoires. Et avec Lincoln, le cinéaste nous révèle un sens de l’intime et une austérité dans la mise en scène que l’on ne lui connaissait pas.

2h30 de film donc et pourtant point de clignements de paupières ou de décrochements de mâchoire à signaler. Et ce en dépit du caractère extrêmement bavard du film (ce qui est assez rare chez le cinéaste pour être signalé). Spielberg ne ménage pas son assistance, exigeant de sa part la plus grande attention. Au poids des images, il a préféré celui des mots. Le moteur de l’histoire n’est pas la caméra mais le jeu des acteurs. Celui de Daniel Day-Lewis, évidemment. Impeccable, efflanqué et barbichu à souhait, l’acteur donne toute la mesure au tempérament de Lincoln chez qui s’enchevêtre l’éloquence et l’obstination, l’humour et la malice, la mélancolie et la poésie. Homme d’Etat, chef militaire, mari et père : Daniel Day-Lewis s’est imprégné des multiples facettes de son personnage. Il lui insuffle un rythme, une façon de laisser échapper les mots, de traîner sa grande carcasse. Toute une attitude qui nous fait ressentir la lourde solitude qu’implique la charge présidentielle.

A l’écart des champs de batailles, Lincoln est un film d’intérieur. Un huis clos à l’univers élégant, aux intérieurs richement décorés, baignés d’une lumière patinée, tout en clair-obscur. La caméra, discrète, quasi statique, nous plonge au cœur de l’ultime combat d’Abraham Lincoln. Au cœur des rouages humains de l’appareil démocratique. Des tumultes et de la tension des débats. Steven Spielberg filme la politique, ses mécanismes, ses engrenages subtils, sans en écarter les machinations parfois pernicieuses lorsque la fin justifiait les moyens. Et alors que dehors la guerre gronde entre Unionistes et Confédérés, nous arpentons les couloirs de la Maison Blanche, ses appartements privés. Nous nous immisçons en catimini dans le cabinet du Président qui a réuni ses conseillers. Nous siégeons à la Chambre des représentants, assistant en privilégiés à ses joutes partisanes.

Complexe donc, ample, bavard, parfois confus, Lincoln met effectivement le public à rude épreuve. Celle de lui faire ressentir toute la difficulté qu’a constitué le vote de ce 13e amendement pendant l’une des crises politiques les plus importantes des Etats-Unis. Les inconditionnels du “grand blanc” ou de l’intrépide archéologue auront peut-être le sentiment de ne pas en voir le bout. Pourtant Lincoln se révèle d’une richesse visuelle et d’une précision historique véritablement impressionnante. C’est indéniable. Et Daniel Day-Lewis est excellent, mais on l’a dit. Et Sally Field et Tommy Lee Jones, on a oublié de le dire, le sont tout autant, en Première dame et représentant républicain radical et goguenard. Et si Lincoln est un film sans véritable surprise dans sa construction – problème inhérent au biopic –, il est traversé par une réelle puissance narrative et témoigne de la nature complexe et laborieuse du processus démocratique.

 
Lincoln de Steven Spielberg, avec Daniel Day-Lewis, Sally Field, Joseph Gordon-Lewitt, Tommy Lee Jones… Etats-Unis, 2013. Sortie le 30 janvier 2013.

Alors que tout le monde s’enthousiasme pour la sortie de Drive de Nicolas Winding Refn – et nous les premiers -, Arte a la bonne idée de diffuser Duel, premier long-métrage de Steven Spielberg, ce jeudi 13 octobre 2011 à 20h40. Drive / Duel : deux films de caisses réjouissants et pleins de points communs, notamment leur façon d’utiliser la parole avec parcimonie et intelligence, et la dextérité d’une mise en scène qui flirte avec le fantastique. Au cinéma ou devant la télé, le mois d’octobre est résolument celui du bitume.

Pour la première, on vous propose un Top 5 des courses-poursuites bizarres. On laisse sciemment de côté les géniales poursuites de Bullitt ou le magnifique Duel de Steven Spielberg, qui figurent déjà parmi les classiques, et on s’intéresse à des séquences plus… excentriques. Au menu : des courses à pied, des courses moteur arrêté, des courses sans chevaux et des courses contre le métro.

French Connection de William Friedkin (1971)

Deux ans avant le raz-de-marée L’Exorciste, William Friedkin réalise un polar noir sur le lien entre Marseille et l’arrivée d’héroïne à New York – la fameuse french connection, qui défraie la chronique dans les années 1960. Il engage Gene Hackman pour tenir le rôle du flic aux méthodes musclées et critiquables Popeye Doyle, bien décidé à en finir avec les gangsters qui inondent son quartier de drogue. Friedkin veut inclure dans son film une scène de course-poursuite à couper le souffle, et engage même pour ça le cascadeur de Bullitt, Bill Hickman. Mais voilà, la fameuse course-poursuite de Bullitt figure déjà parmi les classiques, et il n’est pas question de la plagier. Le cinéaste a alors l’idée d’une scène où Popeye, en voiture, chercherait à rattraper le métro aérien, et se met en quête d’obtenir les autorisations pour la tourner à Brooklyn. Evidemment, elles lui sont toutes refusées, et la seule qu’il obtient l’appauvrit de 40 000 dollars et ne l’autorise à rien officiellement. Qu’à cela ne tienne, Hickman installe Friedkin sur la banquette arrière et lance la voiture à 150 km/h sur 36 blocs de Brooklyn. C’est complètement insensé et irresponsable, mais le résultat, c’est une course-poursuite culte et inédite entre une caisse et le métro :

Way of the Gun de Christopher McQuarrie (2000)

Quand on s’imagine une course-poursuite au cinéma, on voit des aiguilles de compteurs qui défilent à grande vitesse, des pneus qui crissent, de la tôle froissée et beaucoup d’excitation. Sauf quand on s’appelle Christopher McQuarrie, qu’on est déjà un talentueux scénariste (de Usual Suspects notamment), et qu’on veut faire un premier film qui tord le cou aux conventions hollywoodiennes. La course-poursuite de Way of the Gun est probablement la plus lente de l’histoire du cinéma : voitures lancées à 7 km/h, portes ouvertes avec un pied qui dépasse pour donner de l’élan à la voiture, il s’agit d’un jeu de cache-cache avec les poursuivants. Malgré la lenteur, McQuarrie parvient à dégager de la séquence une tension et une excitation jouissives. Si la sortie du film en 2000 est pourtant passée relativement inaperçue malgré son casting (Ryan Phillippe, Benicio Del Toro, Juliette Lewis, James Caan, Taye Diggs…), il n’en constitue pas moins une petite pépite du cinéma d’action, aux frontières du polar et du western, avec une bonne dose d’humour noir. L’histoire de deux ratés barges qui s’en prennent à la mauvaise personne et n’hésitent pas à malmener une future mère enceinte jusqu’au cou était probablement trop crue pour les distributeurs, mais elle ravit les cinéphiles…

The Chaser de Na Hong-jin (2007)

Na Hong-jin réalise The Chaser en 2007, alors qu’il est encore étudiant en cinéma en Corée. Projeté en séance spéciale au Festival de Cannes 2008, le public découvre un film brillant et savamment orchestré, au réalisme dérangeant et aux scènes d’action à couper le souffle. Difficile de croire qu’il s’agisse du premier film d’un étudiant… Au palmarès des scènes géniales du film, une poursuite à pied entre Joong-ho, ancien flic devenu proxénète, et un tueur en série. Pas de voitures cette fois, les deux hommes se courent après dans un Séoul montré sans artifice : sale, sombre et poisseux. Il courent, crient, trébuchent, tombent, reprennent leur souffle… et recourent. Na Hong-jin est bien plus proche de la réalité dans The Chaser que les réalisateurs de la plupart des films hollywoodiens : la poursuite n’est jamais facile, les coups atteignent rarement leur but, et la violence est à la limite du supportable. Na Hong-jin fait partie de la « nouvelle vague » déjà vieillissante du cinéma coréen, capable en quelques plans d’aller droit au but quand la plupart des films s’enlisent dans un maniérisme ou des introductions poussives. Pas de palabres, The Chaser est un film d’action pur et dur, tout comme le film suivant du réalisateur, The Murderer, qui contient lui aussi son lot de courses-poursuites saisissantes…

On achève bien les chevaux de Sydney Pollack (1969)

Certes, il ne s’agit pas à proprement parler d’une course-poursuite puisqu’elle se déroule autour d’une piste, mais le chef-d’oeuvre de Sydney Pollack mérite amplement de figurer ici : les hommes y courent après leur destin, apparaissant tels des canassons qui piétinent autour d’une piste de cirque, rappelant le mythe de Sisyphe et l’absurdité de l’humanité. L’histoire : un marathon de danse comme il en existait aux Etats-Unis après la Grande Dépression dans les années 1930, avec une épreuve de vitesse récurrente. La fatigue est physique autant qu’émotionnelle, et l’un des participants trouvera même la mort lors de l’épreuve de vitesse. Pollack filme le marathon de manière aussi haletante qu’une véritable course-poursuite, et en visionnaire, s’interroge sur la condition humaine, la société du spectacle, la dignité et le droit à la mort. Avec une star montante qui porte le film : Jane Fonda.

La Cité de la peur d’Alain Berbérian (1994)

Non content d’être le film le plus drôle des années 1990, le film de les Nuls comprend aussi sa scène de course-poursuite d’anthologie – filmée sans voitures, évidemment, parce que ça aurait explosé le budget, un peu comme dans un autre film drôlissime, Monty Python : sacré Graal, où les chevaux sont absents par manque de moyens. C’est bien ce bricolage qui rend le résultat si bon chez les Anglais et chez le trio comique français, le scato en plus chez les Nuls. Serge Karamazov (aucun rapport), le détective qu’incarne Alain Chabat, est chargé de veiller sur le projectionniste (l’hilarant Jean-Pierre Bacri) du film Red is Dead mais doit s’absenter pour aller aux toilettes… ratant ainsi Emile, le serial killer à la faucille, au moment où il découpe le fameux projectionniste. S’ensuit une course-poursuite endiablée, faites de dérapages, marches arrière, cascades et crissements de pneu, qui se termine par une malheureuse crevaison intestinale. Et pendant ce temps, à Vera Cruz…

 
» Voir aussi le Top 5 des plans-séquences

Outre la totalité des épisodes mettant en scène le célèbre docteur cynique, Bad Hat Harry a surtout produit les films de Bryan Singer (Usual Suspects, Un élève doué, la série des X-Men, Superman Returns et Walkyrie jusqu’à présent) et quelques autres séries télé.