Film d’ouverture : Café Society de Woody Allen (avec Jesse Eisenberg, Kristen Stewart, Steve Carell, le grand écart de générations entre des petits jeunes devant la caméra et un petit vieux derrière).

En compétition (ils sont 20 à vouloir décrocher la timbale) :

Toni Erdmann de Maren Ade (Allemagne)
Julieta de Pedro Almodovar (Espagne)
American Honey d’Andrea Arnold (Royaume-Uni)
Personal Shopper d’Olivier Assayas (France)
La Fille inconnue des Frères Dardenne (Belgique)
Juste la fin du monde de Xavier Dolan (Canada)
Ma loute de Bruno Dumont (France)
Mal de pierres de Nicole Garcia (France)
Rester vertical d’Alain Guiraudie (France)
Paterson de Jim Jarmusch (USA)
Aquarius de Kleber Mendonça Filho (Brésil)
I, Daniel Blake de Ken Loach (Royaume-Uni)
Ma’Rosa de Brillante Mendoza (Philippines)
Baccalaureat de Cristian Mungiu (Roumanie)
Loving de Jeff Nichols (USA)
Agassi de Park Chan-wook (Corée du Sud)
The Last Face de Sean Penn (USA)
Sieranevada de Cristi Puiu (Roumanie)
Elle de Paul Verhoeven (Pays-Bas)
The Neon Demon de Nicolas Winding Refn (Danemark)
The Salesman d’Asghar Farhadi (Iran)

Hors compétition :

The Nice Guys de Shane Black (USA)
Money Monster de Jodie Foster (USA)
Goksung de Na Hong-jin (Corée du Sud)
Le Bon Gros Géant de Steven Spielberg (USA)

Un Certain Regard :

Eshtebak (Clash) de Mohamed Diab (ouverture)
Hell or High Water de David Mackenzie
After the Storm de Kore-eda Hirokazu
La Tortue rouge de Michael Dudok De Wit
La Larga Noche de Francisco Márquez & Andrea Testa
The Transfiguration de Michael O’Shea
Varoonegi de Behnam Behzadi
Apprentice de Boo Junfeng
Voir du pays de Delphine & Muriel Coulin
La Danseuse de Stéphanie Di Giusto
Eshtebak de Mohamed Diab
Fuchi Ni Tatsu de Fukada Kôji
Omor Shakhsiya de Maha Haj
Me’ever Laharim Vehagvaot de Eran Kolirin
Caini de Bogdan Mirica
Pericle Il Nero de Stefano Mordini
Captain Fantastic de Matt Ross
Uchenik de Kirill Serebrennikov
Hymyilevä Mies de Juho Kuosmanen

Séances de minuit :

Gimme Danger de Jim Jarmusch (USA)
Bu-san-Haeng de Yeon Sang-ho (Corée du Sud)
Blood Father de Jean-François Richet (France)

Séances spéciales :

L’Ultima Spiaggia de Thanos Anastopoulos et Davide Del Degan (Grèce et Italie)
Hissein Habré, une tragédie tchadienne de Mahamat-Saleh Haroun (Tchad)
La Mort de Louis XIV d’Albert Serra (Espagne)
Le Cancre de Paul Vecchiali (Fance)
Wrong Elements de Jonathan Littell (Etats-Unis)
La Forêt de quinconces de Grégoire Leprince-Ringuet (France)
Chouf de Karim Dridi (France/Tunisie)
Peshmerga de Bernard-Henri Lévy (France)

Quinzaine des réalisateurs :

Divines de Houda Benyamina
Dog Eat Dog de Paul Schrader
Fai Bei Sogni de Marco Bellocchio
Fiore de Claudio Giovannesi
L’Economie du couple de Joachim Lafosse
L’Effet aquatique de Sólveig Anspach
La Pazza gioia de Paolo Virzì
Les Vies de Thérèse de Sébastien Lifshitz
Ma vie de Courgette de Claude Barras
Mean Dreams de Nathan Morlando
Mercenaire de Sacha Wolff
Neruda de Pablo Larraín
Poesía sin fin de Alejandro Jodorowsky
Raman Raghav 2.0 de Anurag Kashyap
Risk de Laura Poitras
Tour de France de Rachid Djaïdani
Two Lovers and a Bear de Kim Nguyen
Wolf and Sheep de Shahrbanoo Sadat

Projetés le même jour au Palais de ce 68e Festival de Cannes, An de Naomi Kawase et Notre petite sœur de Kore-eda Hirokazu. Deux films qui donnent du sens à la gastronomie.

Les deux cinéastes japonais ont souvent monté les célèbres marches du Festival de Cannes. En 2013, Kore-eda dévoilait Tel père, tel fils, l’histoire d’un échange de bébés à la maternité. L’année dernière, en 2014, Naomi Kawase y livrait l’un de ses plus beaux films, Still the Water. Tantôt heureux au palmarès (le Prix du jury pour Tel père, tel fils), tantôt moins (Still the Water oublié du jury), ces deux-là constituent pour l’Occident de fiers représentants du cinéma nippon. Pourquoi Notre petite sœur de Kore-eda Hirokazu est projeté en compétition, en lice pour la Palme d’or, et An, de Naomi Kawase, « relégué » à la section Un Certain Regard, nul ne peut le savoir. Ce qui est sûr, c’est qu’alors que leurs précédents films ne partageaient que lointainement des sujets, ceux-là ont de nombreuses choses en commun – et même une actrice merveilleuse, Kirin Kiki.

Il y a différentes façons d’appréhender une culture. Pour embrasser une société – et ses membres –, on peut passer par l’art, par l’économie. Par le sport. Ce qui est plus rare, c’est les pas de côté : au Japon par exemple, la gastronomie, tout à la fois art et artisanat, lien social et rite. Notre petite sœur n’est pas à proprement parler un film qui parle de la nourriture, mais, en bon cinéaste biberonné par les œuvres de Yasujiro Ozu, Kore-eda aime les séquences autour d’un bon repas, qu’il distille aux moments opportuns. Là où des cinéastes d’action mettraient une scène de course-poursuite pour faire avancer l’intrigue, Kore-eda place un déjeuner. C’est au cours du repas – ou en le préparant – que les quatre sœurs du film, abandonnées de parents tantôt morts, tantôt démissionnaires, vont parler de leur famille, de leurs attentes, de leurs craintes. La nourriture, alcool y compris, permet de se remémorer les bons souvenirs comme les mauvais, de grandir et de progresser.

An donne aussi à la gastronomie une place prépondérante. C’est l’histoire de Sentaro, gérant d’une boutique de dorayakis, ces délicieuses pâtisseries japonaises fourrées à la pâte de haricots rouges (« an »). Un jour une vieille femme, Tokue (la comédienne Kirin Kiki, par ailleurs actrice fétiche de Kore-eda), lui propose de l’aider et lui apporte une pâte qu’elle a préparée elle-même. Sentaro refuse d’abord, avant de goûter ladite pâte, délicieuse. Ensemble, ils vont redonner vie à la boutique.

Derrière ce sujet a priori léger se cache un film à l’infinie intensité. Comme dans Notre petite sœur, préparation et dégustation de mets constituent des moments clés du film. A cela près qu’à travers cette petite faiblesse nippone, Naomi Kawase livre une œuvre pleine de grâce et merveilleuse, d’une justesse incroyable. Les dorayakis du sujet sont un prétexte à une progression constante de l’intrigue, qui dépasse largement le cadre professionnel d’une boutique. Sentaro et Tokue, deux laissés-pour-compte à leur façon, vont apprendre chacun l’un de l’autre. L’un reprendra goût à la vie ; l’autre se frottera de nouveau à un monde qui l’a violemment exclue, et transmettra son savoir-faire.

Un savoir-faire qui englobe la préparation de la pâte de haricots rouges, mais qui s’étend bien au-delà. Entre Tokue et Sentaro, c’est le choc des générations. Si le Japon reste encore pour nous Occidentaux, une nation mystérieuse, quoique souvent réduite soit au bouddhisme zen, soit aux perversions sexuelles, elle est pour les Japonais un pays dont la face change radicalement et à toute allure. Ce que fait Naomi Kawase, c’est exprimer les croyances animistes et chamaniques qui sont au cœur de l’existence. Tokue ne se contente pas de cuisiner des haricots, elle les remercie pour le bien-être prochainement procuré, elle les invite « à faire connaissance avec le sucre », elle les écoute et les ressent.

En japonais, on ne dit pas « bon appétit » mais « itadakimasu ». La formule peut être traduite par « je reçois ». Elle n’est pas destinée aux autres convives mais à soi-même : « itadakimasu » exprime la déférence envers des dieux archaïques et une nature toute-puissante, qui offre à l’humanité ses bienfaits. Tokue respecte la vie, où qu’elle soit. Comme des millions de Japonais chaque année, elle chérit aussi la courte période de floraison des cerisiers – « Hanami », une dizaine de jours au début du mois d’avril –, se laissant d’ailleurs porter par le vent qui agite les branches des cerisiers en direction de l’échoppe de Sentaro. Dans An et dans Notre petite sœur, Hanami symbolise le cycle de la vie et de la mort : une beauté sublime et fulgurante qui meurt pour mieux revivre l’année suivante, éternellement.

Mais le cinéma de Kawase et d’Hirokazu ne passe pas non plus sous silence les heurts de la société japonaise : Still the Water appelait autant l’émerveillement que l’effroi face à la nature ; Nobody Knows, Air Doll et Tel père, tel fils, disait la tragique perte de repères dans l’archipel. Dans An comme dans Notre petite sœur, la difficulté de trouver sa place. Jadis atteinte de la lèpre, la vieille femme de An fut internée de force dans un sanatorium. Il y a encore peu, le gouvernement excluait toute personne atteinte de la lèpre, réminiscence du passé eugéniste de la première partie du XXe siècle japonais. Kawase et Kore-eda ne dépeignent pas un Japon idéal, qui serait exclusivement fait d’une grand-mère drôle et touchante, de quatre sœurs belles et intelligentes, et de fabuleux plats, mais le Japon tel qu’il est, fait de nombreux paradoxes et parfois d’une stupéfiante violence. L’archipel nippon ne se révèle qu’à ceux qui gardent les yeux grands ouverts, tout comme son impalpable cinéma, dont Kore-eda Hirokazu et surtout Naomi Kawase livrent la quintessence.

Qui ?
Retour sur la Croisette du réalisateur japonais dont le film Tel père, tel fils a décroché le Prix du jury en 2013 : l’histoire d’un échange de nouveau-nés qui force un couple de riches citadins à rencontrer une famille de ruraux. On pense à La vie est un long fleuve tranquille, bien sûr. Mais ce sont les tensions familiales qui intéressent Kore-eda, plus que les différences de milieux. Comme dans la plupart de ses films : Distance (en sélection officielle, 2001) et Still Walking (2008) racontent deux journées de commémoration de proches décédés, tandis que I Wish (2011) suit les parcours divergents de deux frères. Selon le réalisateur, cette obsession provient de son propre passé. « Nous avons été élevés, mes deux grandes sœurs et moi, par notre mère, explique-t-il. Notre père, irresponsable et joueur invétéré, n’était quasiment jamais à la maison. Nous vivions dans l’angoisse de ne pas voir notre mère rentrer, à nous demander ce que nous ferions si elle mourait dans la journée. » Un thème qui l’inscrit dans la lignée du grand Yasujiro Ozu, dont la plupart des films étudient avec minutie l’éclatement de la famille traditionnelle dans un Japon en plein boom économique (Fleurs d’équinoxe, Le Goût du saké…).

Quoi ?
Notre petite sœur offre un angle féminin à cette recherche, en contant l’histoire de trois sœurs âgées d’une vingtaine d’années dont la jeune demi-sœur réapparaît après la mort de leur père. Elles choisissent d’inviter la petite orpheline à s’installer dans leur maison de bord de mer. Une trame qui sera familière aux amateurs de manga, le scénario s’inspirant de l’ouvrage éponyme Umimachi Diary de Akimi Yoshida, très populaire au Japon.

Résultat des courses ?
Un film qui donne envie de manger à lire ici !

 
Notre petite sœur (Umimachi Diary) de Kore-eda Hirozaku, avec Haruka Ayase, Masami Nagasawa, Kaho… Japon, 2014. Présenté en compétition au 68e Festival de Cannes. Sortie le 28 octobre 2015.

Si l’entrée en matière rappelle un grand succès français, l’inénarrable La vie est un long fleuve tranquille, la comparaison s’arrête là. Hirokazu n’est pas Chatiliez, et préfère la gravité à l’humour. Avec Tel père, tel fils, le cinéaste japonais pose la question de la paternité : à partir de quand un père devient-il réellement un père ? Le sang est-il suffisant pour légitimer la paternité, ou bien est-ce l’éducation, la complicité, le partage et l’amour qui justifient le droit à la famille ? Si la réponse paraît évidente de prime abord, et qu’il semble inconcevable d’échanger un enfant, six ans après sa naissance, sous prétexte que son ADN n’est pas compatible, le papa de Tel père, tel fils ne l’entend pas de cette oreille et est obsédé par cette question, d’autant que son véritable fils se trouve dans une famille modeste qui n’offre a priori aucun avenir à son héritier.

Kore-eda n’appuie jamais ses propos, laisse place aux émotions des personnages des deux familles et, à sa façon typiquement japonaise, laisse parler les silences. Des silences tantôt terriblement touchants, tantôt effroyablement cruels. Tel père, tel fils est un beau film, quoique trop sérieux. On voudrait sentir davantage d’humanité chez ses personnages, moins de raideur ; on voudrait entendre la voix des enfants, premières victimes de l’erreur d’une infirmière, six ans plus tôt. Alors que les personnages principaux de Nobody Knows et I Wish étaient les enfants, plongés brutalement dans le monde de l’adulte, à l’instar des œuvres du maître Ozu, les gosses de Tel père, tel fils sont presque absents, réduits à leur fonction d’objet de discorde. En ne s’intéressant (presque) qu’aux inquiétudes des adultes, Kore-eda déçoit parce qu’il s’empêche (et nous empêche) de laisser les choses aller et de surprendre : il est évident que ce père, même s’il est détestable, va finir par retrouver la raison et comprendre ce qu’est une famille. Reste que même lorsqu’il ne surprend pas, Hirokazu Kore-eda n’a pas son pareil pour raconter une histoire, offrant quelques plans sublimes, une musique superbe et des acteurs fabuleux.

 
Tel père, tel fils (Soshite, chichi ni naru) de Kore-eda Hirokazu, avec Masaharu Fukuyama, Machiko Ono, Yoko Maki, Lily Franky… Japon, 2013. Prix du jury du 66e Festival de Cannes.

» Retrouvez tout notre dossier dédié au 66e Festival de Cannes

“150 films pour le quinzième anniversaire de la MCJP.” Avec son cycle Paysages du cinéma japonais, la Maison de la culture du Japon à Paris fait les choses en grand : en deux parties et à travers quinze thèmes différents, elle va non seulement retracer l’histoire et l’évolution de l’industrie cinématographique japonaise, mais va surtout permettre de mieux appréhender la culture nippone.

Du 2 mai au 28 juillet 2012, la première partie revient sur les questions environnementales et la catastrophe de Fukushima : “Avant, pendant et après Fukushima” va s’attacher, en quatorze documentaires et fictions, à montrer l’ampleur des événements de mars 2011 et les conséquences politiques, culturelles et sociétales engendrées.
D’autres thèmes – plus légers – vont compléter cette première partie : “Les liens familiaux”, avec des films comme Colorful (Keiichi Hara, 2010), Toute la famille travaille (Mikio Naruse, 1939), The Taste of Tea (Katsuhito Ishii, 2004) ou Voyage à Tôkyô (Yasujirô Ozu, 1953) ; “Le monde des enfants” ne se contentera pas de montrer des films pour enfants, mais bien des films faits à hauteur d’enfants : sera évidemment projeté l’inoubliable Bonjour de Yasujirô Ozu (1959), mais aussi L’Eté de Kikujirô (Takeshi Kitano, 1998) ou encore Nobody Knows (Hirokazu Kore-Eda, 2004). Quant au thème “Variations sur le sentiment amoureux”, il soulignera le regard singulier de cinéastes (et écrivains dont sont parfois adaptées les œuvres) : à l’élégance du Fusil de chasse (Heinosuke Gosho, 1961) répondront la sensualité de La Chambre noire (Kirio Urayama, 1983), l’excentricité de Love Exposure (Sion Sono, 2009) ou encore la noirceur magnifique de La Vie d’Oharu, femme galante (Kenji Mizoguchi, 1952). Enfin, une rétrospective dédiée au cinéaste Jun Ichikawa, disparu en 2008, complétera cette première partie et permettra de mieux connaître un auteur largement influencé par Eric Rohmer.

Du 4 septembre au 22 décembre 2012, la seconde partie abordera de nouveaux thèmes riches, tels que le sens du beau et de la nature, les héroïnes japonaises et les formes cinématographiques de l’immédiat après-guerre. On vous en dira plus sur celle-ci dans les semaines à venir.

» Toutes les informations sur le cycle Paysages du cinéma japonais sur le site de la MCJP