Terminator 2, de James Cameron, 1991.
Les Chansons d’amour, de Christophe Honoré, 2007.
Camping 2, de Fabien Onteniente, 2010.
Dikkenek, de Olivier Van Hoofstadt, 2006.
Le Salon de musique, de Satyajit Ray, 1958.
Le Mépris, de Jean-Luc Godard, 1963.
La Classe américaine, de Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette, 1993.
Ghost World, de Terry Zwigoff, 1999.
Intouchables, d’Olivier Nakache et Éric Toledano, 2011.
Astérix et Obélix : mission Cléopâtre, d’Alain Chabat, 2002.
Le Grand Bleu, de Luc Besson, 1988.
Seuls Two, de Éric Judor et Ramzy Bedia, 2008.
Naissance des pieuvres, de Céline Sciamma, 2007.
Leaving Las Vegas, de Mike Figgis, 1995.
Le Grand Bain, de Gilles Lellouche, 2018.
Husbands, de John Cassavetes, 1970.
Fiston, de Pascal Bourdiaux.
Un poisson nommé Wanda, de Charles Crichton, 1988.
La Poudre d’escampette, de Philippe de Broca, 1971.
Vincent, François, Paul… et les autres, de Claude Sautet, 1974.
Un éléphant ça trompe énormément, d’Yves Robert, 1976.
Clara et les chics types, de Jacques Monnet, 1981.
Le téléphone sonne toujours deux fois, de Jean-Pierre Vergne, 1985.
Knightriders, de George Andrew Romero, 1981.
Casablanca, de Michael Curtiz, 1942.
Quand Harry rencontre Sally, de Rob Reiner, 1989.
Femme fatale, de Brian de Palma, 2002.
Marie-Octobre, de Julien Duvivier, 1959.
Le Repas des fauves, de Christian-Jaque, 1964.
Fight Club, de David Fincher, 1999.
La Guerre des boutons, d’Yves Robert, 1962.
L’Aurore, de Friedrich Wilhelm Murnau, 1927.
Clerks, de Kevin Smith, 1994.
The Mission, 1999, et Exilé, de Johnnie To, 2006.
Crazy Amy (Trainwreck), de Judd Apatow, 2014.
Breaking Away, de Peter Yates, 1979 (aka La Bande des quatre).
Mystic River, de Clint Eastwood, 2003.
Voyage au bout de l’enfer (The Deer Hunter), de Michael Cimino, 1978.
La Ligne rouge (The Thin Red Line), de Terrence Malick, 1998.
Les As de la jungle, David Alaux, 2017.
Bernard et Bianca, Disney, 1977.
Pierre Lapin, de Will Gluck, 2018.
Plague Dogs, de Martin Rosen, 1982.
Quatre mariages et un enterrement, de Mike Newell, 1994.
Drôles d’espions (Spies Like Us), de John Landis, 1985.
Hot Fuzz, de Edgar Wright, 2007.
Sideways, d’Alexander Payne, 2004.
L’Auberge espagnole, de Cédric Klapisch, 2002.
Les Copains d’abord (The Big Chill), de Lawrence Kasdan, 1983.
La Cité de la peur, d’Alain Berbérian, 1994.
The Breakfast Club, de John Hughes, 1985.
Elephant, de Gus Van Sant, 2003.
Very Bad Things, de Peter Berg, 1998.
Orphée, de Jean Cocteau, 1950.
Un homme et une femme, de Claude Lelouch, 1966.
Tournée, de Mathieu Amalric, 2010.
Man on the Moon, de Milos Forman, 1999.
Les Blancs ne savent pas sauter, de Ron Shelton, 1992.
Soyez sympas, rembobinez (Be Kind Rewind), de Michel Gondry, 2008.
Do the Right Thing, de Spike Lee, 1989.
Hamburger Film Sandwich, de John Landis, 1977.
Le Loup-garou de Londres, de John Landis, 1981.
Un fauteuil pour deux, de John Landis, 1983.
2001, Odyssée de l’espace, de Stanley Kubrick, 1968.
Dogma, de Kevin Smith, 1999.
Les Invasions barbares, de Denys Arcand, 20003.
Volver, de Pedro Almodovar, 2006.
La Haine, de Mathieu Kassovitz, 1995.
4 mois, 3 semaines, 2 jours, de Cristian Mungiu, 2007.
La Chèvre, de Francis Veber, 1981.
Rio Bravo, de Howard Hawks, 1959.
Le Kimono pourpre (The Crimson Kimono), de Samuel Fuller, 1959.
Why Don’t You Play in Hell, de Sion Sono, 2013.
Les Affranchis, de Martin Scorsese, 1990.
Romanzo criminale, de Michele Placido, 2006.
La Féline (Cat People), de Jacques Tourneur, 1942.
Comment c’est loin, d’Orelsan et Christophe Offenstein, 2015.
Le Péril jeune, de Cédric Klapisch, 1994.
Coffee and Cigarettes, de Jim Jarmusch, 2003.
Mes meilleurs copains, de Jean-Marie Poiré, 1989.
Itinéraire d’un enfant gâté, de Claude Lelouch, 1988.
Le Cœur des hommes, de Marc Esposito, 2003.
Delphine 1, Yvan 0, de et avec Dominique Farrugia, 1996.
La Forteresse cachée, d’Akira Kurosawa, 1958.
Les Amours imaginaires, de Xavier Dolan, 2010.
Gazon maudit, de Josiane Balasko, 1995.
L’Évadé d’Alcatraz, de Don Siegel, 1979.
Y tu mama tambien (aka Et même ta mère), de Alfonso Cuaron, 2001.
Signes, de M. Night Shyamalan, 2002.
Persona, d’Ingmar Bergman, 1966.
Jules et Jim, de François Truffaut, 1962.

2017 : 70e édition de Cannes mais seulement 62e Palme d’or. Sacré Graal du septième art, la récompense la plus en vogue dans le monde du cinéma n’a pas toujours eu le vent en poupe et son histoire a été quelque peu chaotique.
Si vous le voulez bien, remontons aux années 1950. A l’époque, pas de Palme d’or mais le « Grand Prix du Festival international du film ». Oubliés également l’or et le cristal, le réalisateur consacré recevait un diplôme et une œuvre signée par un artiste en vogue. Pas très glamour pour la Croisette, vous en conviendrez !
C’est pourquoi, dès 1955, le Festival de Cannes voit apparaître la Palme d’or. Créée par la joaillière Lucienne Lazon, c’est le réalisateur américain Delbert Mann, pour son film Marty, qui recevra la récompense telle qu’on la connaît (plus ou moins) aujourd’hui pour la toute première fois de l’histoire du cinéma. Mais volte-face en 1963 quand l’administration décide de rétablir le « Grand Prix du Festival » avec les anciennes récompenses des années 1950.
C’est finalement en 1975 que la Palme d’or est définitivement adoptée, bien qu’elle ne reçoive officiellement cette nomination qu’en 1980.
Après quelques modifications, elle obtient la forme qu’on lui connaît aujourd’hui en 1997, lorsque la joaillerie Chopard obtient l’exclusivité de la réalisation du trophée.

Mais outre l’aspect glamour à paillettes de la sculpture, la Palme d’or est, bien évidemment, un enjeu médiatique dangereux. Le réalisateur qui remporte ce prix n’est pas assuré du succès de son film auprès des critiques et du box-office. On observe bien souvent l’effet inverse avec une partie du public se sentant exclue par un cinéma qu’elle considère comme élitiste et pompeuse. Des films tels que Les Meilleures Intentions de Bille August (Palme d’or 1992), L’Eternité et un jour de Theo Angelopoulos (Palme d’or 1998) ou encore Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures d’Apichatpong Weerasethakul (Palme d’or 2010) en ont fait les frais avec respectivement 91 000, 130 000 et 182 000 entrées en France – à titre de comparaison, La Vie d’Adèle : chapitre 1 et 2 d’Abdellatif Kechiche, Palme d’or 2013, a recensé plus d’un million d’entrées dans l’Hexagone.

Toute institution historique (car oui, la Palme d’or est à elle seule une institution) a son lot de « premières fois » plus ou moins originales. En ce qui concerne la récompense suprême, il convient d’en retenir trois. A vous ensuite de juger de l’excentricité de chacune d’elle.
En 59 ans, la Palme d’or n’a été décernée qu’une seule fois à une femme : Jane Campion pour La Leçon de piano en 1993. Et ce, malgré la sélection en compétition officielle de Valeria Bruni Tedeschi en 2013, Alice Rohrwacher et Naomi Kawase en 2014, Valérie Donzelli et Maïwenn pour cette édition 2015.
A ce jour, seulement sept réalisateurs ont remporté deux fois le précieux trophée : Francis Ford Coppola (Conversation secrète en 1974 et Apocalypse Now en 1979), Shoei Imamura (La Ballade de Narayama en 1983 et L’Anguille en 1997), Bille August (Pelle le conquérant en 1988 et Les Meilleures Intentions en 1992), Emir Kusturica (Papa est en voyage d’affaires en 1985 et Underground en 1995), les frères Dardenne (Rosetta en 1999 et L’Enfant en 2005) et Michael Haneke (Le Ruban blanc en 2009 et Amour en 2012).
Il y a deux ans, et pour la première fois dans l’histoire de la Palme, le trophée a été remis à un réalisateur et à ses deux actrices principales : Abdellatif Kechiche, Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux pour La Vie d’Adèle.

En 2015, pour célébrer les 60 ans de la création du trophée, Cannes Classics projette La Légende de la Palme d’or, d’Alexis Veller.

Dernières précisions avant de vous dévoiler la liste du palmarès du Festival de Cannes depuis sa création. La première édition de Cannes devait avoir lieu du 1er au 20 septembre 1939 sous la présidence de Louis Lumière. Malgré un film récompensé (Pacific Express de Cecil B. DeMille), les événements tragiques de cette époque ont contraint les réalisateurs à reporter la première édition effective du Festival au 20 septembre 1946. A partir de cette année il aura lieu tous les ans, sauf en 1948 et 1950, pour raisons budgétaires. A partir de 1952, le Festival se déroule au printemps.
 

Pré-guerre

1939
Pacific Express (Union Pacific) de Cecil B. DeMille

Première période : « Grand Prix du Festival international du Film »

1946
L’Epreuve (Iris och löjtnantshjärta) d’Alf Sjöberg
Le Poison (The Lost Weekend) de Billy Wilder
La terre sera rouge (De Røde enge) de Bodil Ipsen et Lau Lauritzen Jr
La Ville basse (नीचा नगर, Neecha Nagar) de Chetan Anand
Brève rencontre (Brief Encounter) de David Lean
María Candelaria d’Emilio Fernández
Le Tournant décisif (Великий перелом, Velikiy perelom) de Fridrikh Ermler
La Symphonie pastorale de Jean Delannoy
La Dernière Chance (Die letzte Chance) de Leopold Lindtberg
Les Hommes sans ailes (Muzi bez krídel) de Frantisek Cáp
Rome, ville ouverte (Roma città aperta) de Roberto Rossellini

1947
Ziegfeld Follies de Vincente Minnelli
Dumbo de Ben Sharpsteen & Walt Disney
Les Maudits de René Clément
Antoine et Antoinette de Jacques Becker
Feux croisés (Crossfire) d’Edward Dmytryk

1949
Le Troisième Homme (The Third Man) de Carol Reed

1951
Mademoiselle Julie (Fröken Julie) d’Alf Sjöberg
Miracle à Milan (Miracolo a Milano) de Vittorio De Sica

1952
Othello (The Tragedy of Othello : The Moor of Venice) d’Orson Welles
Deux sous d’espoir (Due soldi di speranza) de Renato Castellani

1953
Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot

1954
La Porte de l’enfer (地獄門, Jigokumon) de Teinosuke Kinugasa

Deuxième période : la Palme d’or

1955
Marty de Delbert Mann

1956
Le Monde du silence de Jacques-Yves Cousteau et Louis Malle

1957
La Loi du Seigneur (Friendly Persuasion) de William Wyler

1958
Quand passent les cigognes (Летят журавли, Letjât žuravli) de Mikhaïl Kalatozov

1959
Orfeu Negro de Marcel Camus

1960
La dolce vita de Federico Fellini

1961
Une aussi longue absence d’Henri Colpi
Viridiana de Luis Buñuel

1962
La Parole donnée (O Pagador de Promessas) d’Anselmo Duarte

1963
Le Guépard (Il gattopardo) de Luchino Visconti

Troisième période : retour au « Grand Prix du Festival »

1964
Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy

1965
Le Knack… et comment l’avoir (The Knack …and How to Get It) de Richard Lester

1966
Un homme et une femme de Claude Lelouch
Ces messieurs dames (Signore & signori) de Pietro Germi

1967
Blow-Up de Michelangelo Antonioni

1968
Interrompu suite aux événement de Mai 68.

1969
If… de Lindsay Anderson

1970
M*A*S*H de Robert Altman

1971
Le Messager (The Go-Between) de Joseph Losey

1972
La classe ouvrière va au paradis (La classe operaia va in paradiso) d’Elio Petri
L’Affaire Mattei (Il Caso Mattei) de Francesco Rosi

1973
La Méprise (The Hireling) d’Alan Bridges
L’Epouvantail (Scarecrow) de Jerry Schatzberg

1974
Conversation secrète (The Conversation) de Francis Ford Coppola

Dernière période : le retour définitif de la Palme d’or

1975
Chronique des années de braise (وقائع سنين الجمر, Waqa’i’ sanawat ed-djamr) de Mohammed Lakhdar-Hamina

1976
Taxi Driver de Martin Scorsese

1977
Padre padrone de Paolo et Vittorio Taviani

1978
L’Arbre aux sabots (L’albero degli zoccoli) d’Ermanno Olmi

1979
Apocalypse Now de Francis Ford Coppola
Le Tambour (Die Blechtrommel) de Volker Schlöndorff

1980
Que le spectacle commence (All That Jazz) de Bob Fosse
Kagemusha, l’ombre du guerrier (影武者, Kagemusha) d’Akira Kurosawa

1981
L’Homme de fer (Człowiek z żelaza) d’Andrzej Wajda

1982
Missing de Costa-Gavras
Yol, la permission (Yol) d’Yılmaz Güney et Şerif Gören

1983
La Ballade de Narayama (楢山節考, Narayama bushiko) de Shōhei Imamura

1984
Paris, Texas de Wim Wenders

1985
Papa est en voyage d’affaires (Отац на службеном путу, Otac na službenom putu) d’Emir Kusturica

1986
Mission (The Mission) de Roland Joffé

1987
Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat

1988
Pelle le conquérant (Pelle erobreren) de Bille August

1989
Sexe, mensonges et vidéo (Sex, Lies and Videotape) de Steven Soderbergh

1990
Sailor et Lula (Wild at Heart) de David Lynch

1991
Barton Fink de Joel Coen

1992
Les Meilleures Intentions (Den Goda viljan) de Bille August

1993
Adieu ma concubine (霸王別姬, Bàwáng biéjī) de Chen Kaige
La Leçon de piano (The Piano) de Jane Campion

1994
Pulp Fiction de Quentin Tarantino

1995
Underground (Подземље, Podzemlje) d’Emir Kusturica

1996
Secrets et mensonges (Secrets and Lies) de Mike Leigh

1997
Le Goût de la cerise (طعم گیلاس, Ta’m-e gilās) d’Abbas Kiarostami
L’Anguille (うなぎ, Unagi) de Shōhei Imamura

1998
L’Eternité et un jour (Μια αιωνιότητα και μια μέρα, Mia éoniotita kai mia méra) de Theo Angelopoulos

1999
Rosetta de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2000
Dancer in the Dark de Lars von Trier

2001
La Chambre du fils (La stanza del figlio) de Nanni Moretti

2002
Le Pianiste (The Pianist) de Roman Polanski

2003
Elephant de Gus Van Sant

2004
Fahrenheit 9/11 de Michael Moore

2005
L’Enfant de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2006
Le vent se lève (The Wind That Shakes the Barley) de Ken Loach

2007
4 mois, 3 semaines, 2 jours (4 luni, 3 săptămâni și 2 zile) de Cristian Mungiu

2008
Entre les murs de Laurent Cantet

2009
Le Ruban blanc (Das weiße Band) de Michael Haneke

2010
Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures (ลุงบุญมีระลึกชาติ ; Lung Boonmee raluek chat) d’Apichatpong Weerasethakul

2011
The Tree of Life de Terrence Malick

2012
Amour de Michael Haneke

2013
La Vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche (prix reçu conjointement avec Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos, ses deux actrices principales)

2014
Winter Sleep (Kış Uykusu) de Nuri Bilge Ceylan

2015
Dheepan de Jacques Audiard

2016
Moi, Daniel Blake de Ken Loach

2017
The Square de Ruben Ostlund

En 1817 dans l’Indiana, l’histoire d’une famille de fermiers qui vit au gré des saisons. Ils luttent contre la nature et les maladies. Pour le jeune fils d’une dizaine d’années, c’est une période qui va forger son caractère et le marquer à jamais. Cet enfant, c’est le jeune Abraham Lincoln, futur président des Etats-Unis.

Hollywood a créé les biopics et leur destin plus gros que nature ; le cinéma indépendant s’en est emparé pour proposer quelque chose de plus riche et symbolique. The Better Angels couvre une période de trois années environ et se base sur le récit de Dennis Hanks, le cousin d’Abraham. Si l’on n’a pas lu le synopsis avant ou si l’on ne connaît pas l’histoire du seizième président américain sur le bout des doigts, impossible de comprendre qui sont les personnages. Ce qui n’enlève rien à la portée du film, qui déroule les thèmes de l’apprentissage et de l’éducation, de la volonté et de la liberté qui se construit. Chaque homme façonne son destin en fonction de ce qu’il voit, de ce qu’il perçoit des autres et de ce qu’il veut défendre. Le jeune Abraham lisait pendant que ses frères se battaient, il observait la nature et préférait s’accuser d’un crime qu’il n’avait pas commis plutôt que voir les autres souffrir. Autant d’éléments qui participent à l’aura extraordinaire du personnage.

The Better Angels aurait dû être un projet réalisé par Terrence Malick. Par manque de temps, il l’a confié à A. J. Edwards, son monteur sur Le Nouveau Monde et The Tree of Life, et s’est cantonné au rôle de producteur exécutif. C’est probablement là le seul écueil du film : en bon élève, A. J. Edwards décide de faire ce que son mentor n’a pas pu faire lui-même : du Malick. Plans flottants, nature étourdissante, musique omniprésente, narration elliptique… Tout y est, mais n’est pas Malick qui veut. La puissance tellurique et l’onirisme littéraire qu’il insuffle à ses œuvres ne se retrouvent pas chez A. J. Edwards, qui use même d’un noir et blanc sans contraste pour tenter de faire oublier la platitude de certaines images. L’impression d’assister à une pâle imitation cinématographique se fait un peu trop sentir dans la première partie du film, avant de s’effacer heureusement (par résignation ?) ensuite devant l’élégant jeu des acteurs et la quête initiatique en construction du jeune Abraham.

 
The Better Angels d’A. J. Edwards, avec Wes Bentley, Diane Kruger, Braydon Denney, Brit Marling, Jason Clarke… Etats-Unis, 2013. Sélectionné en compétition au 40e Festival de Deauville.

 
Attention : malgré son titre (« Histoire banale » en français), Mundane History n’a rien de quelconque. Le premier long-métrage d’Anocha Suwichakornpong vient même confirmer avec éclat tout le bien qu’on pensait du septième art thaïlandais de ces dernières années. Injustement réduit à un cinéma poussif, incohérent voire casse-pieds depuis la Palme d’or à Apichatpong Weerasethakul en 2010 pour le pourtant superbe Oncle Boonmee, de plus en plus de réalisateurs viennent trouver écho hors des frontières de la Thaïlande et dans les nombreux festivals européens. C’est le cas de ce Mundane History, récompensé à Breslau, à Rotterdam et en Transylvanie en 2010, qui sort enfin sur les écrans français ce 16 janvier 2013.

Outre un nom à rallonge, Anocha Suwichakornpong partage avec Apichatpong Weerasethakul un goût pour la liberté cinématographique : celle, notamment, de suspendre volontairement le temps du récit, accentuant ainsi dans toute la première partie du film la pesante situation d’une existence qui ne se vit plus vraiment, avant de redonner mouvement – et donc vie – à sa caméra et à son personnage ; la mise en scène se fait plus métaphysique, plus onirique. Ake se livre, il se rêve autrement, s’imagine supernova. Mundane History est frappé d’étrangeté et se regarde alors comme une succession de tableaux sensoriels et cosmiques, à la manière du Tree of Life de Terrence Malick. Anocha Suwichakornpong mêle passé et présent, non sans égarer avec délicatesse un spectateur sous le charme. Ici, la liberté se retrouve aussi dans le choix de lancer le générique après seize minutes de film – comme Apichatpong l’avait fait dans Blissfully Yours -, dans l’utilisation par touches intenses d’une musique aérienne, dans des plans décadrés ou dans une séquence d’accouchement aussi chirurgicale que magnifique.

Œuvre impressionniste, Mundane History n’en est pas moins forte : la réalisatrice propose une réflexion sur la situation politique thaïlandaise à travers la relation entre un fils affaibli, dépendant, et un père tout-puissant. La réussite tient à ne jamais être insistant mais à rester dans cet entre-deux, quelque part entre le pragmatisme terrestre et la spiritualité céleste.

 
Mundane History (Jao nok krajok) de Anocha Suwichakornpong, avec Phakpoom Surapongsanuruk, Arkaney Cherkam, Paramej Noiam, Anchana Ponpitakthepkij. Thaïlande, 2010. Sortie le 16 janvier 2013.

Une odyssée dans le bayou : en voyage dans la région pour un court-métrage en 2006, Benh Zeitlin découvre la Louisiane et ne la quittera plus. Source d’inspiration en littérature (James Lee Burke, maître du roman noir, fait s’y dérouler la plupart de ses intrigues) comme au cinéma (Robert Flaherty avait consacré un film merveilleux à la région en 1948 : Louisiana Story), la Louisiane passionne. Peut-être parce qu’avec les catastrophes naturelles, la vie y est plus fragile, plus précaire, donc plus précieuse. Peut-être parce que sa culture est multiple – cajun, créole et néo-orléanaise –, donc plus riche. Benh Zeitlin s’inspire de la région pour créer le Bassin, microcosme perdu au milieu du bayou où évoluent des personnages uniques, sauvages et indomptables. Des personnages forts en gueule qui affrontent la nature autant qu’ils la vénèrent.

Les Bêtes du sud sauvage tient du conte initiatique panthéiste et halluciné. L’univers créé par Benh Zeitlin et sa coscénariste Lucy Alibar – le film est une adaptation de sa pièce Juicy and Delicious – slalome entre rêve et réalité : après une montée des eaux apocalyptique, on y croise des poissons qui s’attrapent à la main et des aurochs en transhumance qui détruisent tout sur leur passage, comme le pétrole de BP déversé par millions de litres dans le bayou anéantit la vie. Si tout cela est possible, c’est parce que la caméra épouse le point de vue d’Hushpuppy, magnétique gamine de 6 ans (jouée par une impressionnante Quvenzhané Wallis). Dans la réalité d’Hushpuppy, on trouve aussi bien des animaux terrifiants qu’une mère fantasmée. Le réalisateur crée une fable à l’identité visuelle marquée et à la narration cassée. Si l’ombre de Terrence Malick plane – les images, la musique, la narration à hauteur d’enfant qui rappelle Les Moissons du ciel -, jamais elle ne parvient à amoindrir la claque esthétique et émotionnelle reçue devant ces Bêtes du sud sauvage. Conçu comme une déclaration d’amour à la Louisiane, le film souligne aussi l’extrême urgence de prendre en compte une population et une culture qui disparaissent au profit d’industries et du monde « de l’autre côté du pont », fade et sans surprise, un monde où la magie n’a plus sa place.

 
Les Bêtes du sud sauvage de Benh Zeitlin, avec Quvenzhané Wallis, Dwight Henry, Levy Easterly, Lowell Landes, Pamela Harper, Gina Montana, Amber Henry… Etats-Unis, 2011. Sortie le 12 décembre 2012. En sélection Un Certain Regard au 65e Festival de Cannes. Caméra d’or du 65e Festival de Cannes. Grand Prix du 38e Festival du cinéma américain de Deauville.

» Lire aussi l’interview de Benh Zeitlin à propos des Bêtes du sud sauvage
» Toutes les infos sur la bande originale des Bêtes du sud sauvage avec Cinezik

De ce que Terrence Malick a fait, je prends tout. De but en blanc. Sans réserve. Je chasse d’un revers de la main les quelques sifflets qui se sont perdus dans le théâtre Lumière du Festival de Cannes, les quelques critiques trop instantanées pour être honnêtes. Comme l’actrice de son film Jessica Chastain, « J’adore cet homme. » L’homme, son film, son univers, sa façon d’envisager le cinéma, son langage. J’aime ce qu’il offre, ce qu’il dit, ce qu’il crie. Ce qu’il décide de taire.

J’aime ce que The Tree of Life me laisse imaginer. La métamorphose et toutes les possibilités qu’il offre. J’aime cette histoire intime d’une famille américaine dans les années 1950, que l’on me conte par bribes. Cette fratrie. Ce père qui élève ses enfants à la dure, tout en les aimant profondément. Cette mère lumineuse, dans le constant pardon. Ces souvenirs incertains, ces photographies d’enfance. Ce qui forge un être.

J’aime cette façon de perturber sans cesse le récit, de s’autoriser d’incroyables digressions sur la création de l’univers. Car ici, on croise des dinosaures, des planètes, des cellules. De l’infiniment petit à l’infiniment grand, Malick explore ce qui se transmet, se transforme ou s’oublie.

J’aime la radicalité de cette mise en scène, les chemins sinueux qu’emprunte Malick, la puissance de ses images, de ses allégories. Les thèmes éternels qu’il revisite : le deuil, la vie, la religion, le paganisme. L’équilibre permanent entre le spirituel et le rationnel. Entre Dieu et Darwin. J’aime ces paysages sculptés. Ces reflets. Ces couchers de soleil. Ces plans-séquences hallucinants, hallucinogènes.

D’un Dieu. Du hasard. De la Nature. Du cosmos dans un brin d’herbe. De l’harmonie… De quoi est-il question dans ce film-expérience où la foi est multiple et palpable ? Nous sommes la somme de nos souvenirs, et nous continuerons d’exister dans le souvenir des autres. Peut-être pour moi.

Ce n’est pas une leçon de vie que donne le réalisateur des Moissons du ciel. C’est la vie elle-même qu’il célèbre. Son film est organique. Respire. Palpite. Retient son souffle. Dans un va-et-vient constant.

 
The Tree of Life de Terrence Malick, avec Brad Pitt, Jessica Chastain. Etats-Unis, 2011. Palme d’or du Festival de Cannes 2011. Sortie le 17 mai 2011.

Palme d’or

The Tree of Life de Terrence Malick
 

Grand Prix ex aequo

Le Gamin au vélo de Jean-Pierre et Luc Dardenne
Il était une fois en Anatolie de Nuri Bilge Ceylan
 

Prix d’interprétation masculine

Jean Dujardin pour The Artist de Michel Hazanavicius
 

Prix de la mise en scène

Drive de Nicolas Winding Refn
 

Prix d’interprétation féminine

Kirsten Dunst pour Melancholia de Lars von Trier
 

Prix du scénario

Footnote de Joseph Cedar
 

Prix du jury

Polisse de Maïwenn
 

Caméra d’or

Las Acacias de Pablo Giorgelli
 

Prix Un Certain Regard ex aequo

Arirang de Kim Ki-duk
Arrêt en pleine voie de Andreas Dresen

Palme d’or

Drive de Nicolas Winding Refn
 

Grand Prix

Le Havre d’Aki Kaurismaki
 

Prix de la mise en scène

Pater d’Alain Cavalier
 

Prix du scénario

Habemus Papam de Nanni Moretti
 

Prix d’interprétation féminine

Tilda Swinton dans We Need to Talk about Kevin de Lynne Ramsay
 

Prix d’interprétation masculine

André Wilms dans Le Havre d’Aki Kaurismaki
 

Prix du jury

Polisse de Maïwenn
 

Prix Un Certain Regard

Au revoir de Mohammad Rasoulof
 

Prix spécial que chaque année le Festival nous invente, ou Palme d’or ex aequo :

The Tree of Life de Terrence Malick
 

Prix de la classe du 64e Festival :

Michel Piccoli pour l’ensemble de son oeuvre
 
Et sinon, pour fêter le dix-septième anniversaire et quart de La Cité de la peur, on a aussi un palmarès alternatif : retrouvez ici le faux pronostic.