Vers la lumière (Hikari) de Naomi Kawase, avec Masatoshi Nagase, Ayame Misaki, Tatsuya Fuji. Japon, 2017. En compétition au 70e Festival de Cannes. Sortie le 20 septembre 2017.

1- Total Recall, de Paul Verhoeven, 1990
2- Travaux, de Brigitte Rouan, 2004
3- Drôle de drame, de Marcel Carné, 1937
4- Le Faucon maltais, de John Huston, 1941
5- Citizen Kane, d’Orson Welles, 1941
6- Liberté Oléron, de Bruno Podalydès, 2000
7- C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel et B. Poelvoorde, 1992
8- Monty Python Sacré Graal, de Terry Jones et Terry William, 1975
9- Michael Kohlhaas, d’Arnaud Des Pallières, 2013
10- Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006
11- Mammuth, de Gustave Kervern et Benoît Delépine, 2010
12- Grease, de Randal Kleiser, 1978
13- On achève bien les chevaux, de Sydney Pollack, 1969
14- Big, de Penny Marshall, 1988
15- 30 ans sinon rien, de Gary Winick, 2004
16- Les Marmottes, de Élie Chouraqui, 1993
17- Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970
18- En quatrième vitesse, de Robert Aldrich, 1955
19- Ascenseur pour l’échafaud, de Louis Malle, 1958
20- L’Année du dragon, de Michael Cimino, 1985
21- Elle, de Paul Verhoeven, 2016
22- Les Délices de Tokyo, de Naomi Kawase, 2015
23- Leviathan, de Andrei Zviaguintsev, 2014
24- L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2002
25- A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013
26- Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, 2002
27- Le Loup de Wall Street, de Martin Scorsese, 2013
28- Porco Rosso, d’Hayao Miyazaki, 1992
29- Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, 1970
30- Vanishing Point (Point limite zéro), de Richard Sarafian, 1971
31- Somewhere, de Sofia Coppola, 2010
32- Drive, de Nicolas Winding Refn, 2011
33- Rain Man, de Barry Levinson, 1988
34- Priscilla folle du désert, de Stephan Elliott, 1994
35- Cold in July, de Jim Mickle, 2014
36- La Balade sauvage, de Terrence Malick, 1973
37- Easy Rider, de Dennis Hopper, 1969
38- Fitzcarraldo, de Werner Herzog, 1982
39- Tchao Pantin, de Claude Berri, 1983
40- Allemagne année zéro, de Roberto Rossellini, 1948
41- La Double Vie de Véronique, de Krzysztof Kieslowski, 1991
42- Profs, de Patrick Schulmann, 1985
43- Diabolo menthe, de Diane Kurys, 1977
44- Green Hornet, de Michel Gondry, 2011
45- Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009
46- Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941
47- Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
48- Twin Peaks, de David Lynch, 1992
49- Prisoners, de Denis Villeneuve, 2013
50- There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, 2007
51- Misery, de Rob Reiner, 1990
52- Touche pas à la femme blanche, de Marco Ferreri, 1974
53- La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011
54- Le Magasin des suicides, de Patrice Leconte, 2012
55- Basic Instinct, de Paul Verhoeven, 1992
56- Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul, 2010
57- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch, 2013
58- Valse avec Bachir, d’Ari Folman, 2007
59- Persona, d’Ingmar Bergman, 1966
60- Belladonna (La Belladonne de la tristesse), de Eiichi Yamamoto, 1973
61- Mademoiselle, de Park Chan-wook, 2016
62- Max et les ferrailleurs, de Claude Sautet, 1971
63- La Règle du jeu, de Jean Renoir, 1939
64- Panic sur Florida Beach, de Joe Dante, 1993
65- Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001
66- The Big Lebowski, d’Ethan et Joel Coen, 1998
67- Indiana Jones et le temple maudit, de Steven Spielberg, 1984
68- The Party, de Blake Edwards, 1968
69- OSS 117 Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009
70- Kill Bill, de Quentin Tarantino, 2003
71- Le Salaire de la peur, d’Henri-Georges Clouzot, 1953
72- The Sorcerer (Le Convoi de la peur), de William Friedkin, 1977
73- Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Milos Forman, 1975
74- Les Innocents, de Jack Clayton, 1961
75- Les Premiers les derniers, de Bouli Lanners, 2015
76- De battre mon cœur s’est arrêté, de Jacques Audiard, 2005
77- Whiplash, de Damien Chazelle, 2014
78- Star Wars 7 : le réveil de la Force, de J. J. Abrams, 2015
79- Holy Motors, de Leos Carax, 2012
80- Spiderman, de Sam Raimi, 2002
81- Fantômas, d’André Hunebelle, 1964
82- Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992
83- Midnight Special, de Jeff Nichols, 2016 (2 images)
84- La Montagne sacrée, d’Alejandro Jodorowsky, 1973
85- Solaris, d’Andreï Tarkovski, 1972
86- Premier contact, de Denis Villeneuve, 2016
87- H2G2, le guide du voyageur galactique, de Garth Jennings, 2005
88- Metropolis, de Fritz Lang, 1927
89- Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, 1994
90- Il était une fois en Amérique, de Sergio Leone, 1984
91- Birdman, d’Alejandro González Iñárritu, 2014
92- Comme un avion, de Bruno Podalydès, 2014
93- Persepolis, de Marjane Satrapi, 2007
94- L’Extase et l’agonie, de Carol Reed, 1965
95- Voyage au bout de l’enfer, de Michael Cimino, 1978
96- L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
97- I comme Icare, d’Henri Verneuil, 1979
98- Marche à l’ombre, de Michel Blanc, 1984
99- Le Magnifique, de Philippe de Broca, 1973
100- Les Ensorcelés, de Vincente Minnelli, 1953
101- Le Cuirassé Potemkine, de Sergei Eisenstein, 1925
102- Les Incorruptibles, de Brian De Palma, 1987
103- La Grande Vadrouille, de Gérard Oury, 1966
104- Les Feux de la rampe, de Charlie Chaplin, 1952
105- Shining, de Stanley Kubrick, 1980
106- Playtime, de Jacques Tati, 1967
107- Ran, d’Akira Kurosawa, 1985
108- Anomalisa, de Charlie Kaufman, 2015
109- Zootopie, de Byron Howard et Rich Moore, 2016
110- Dogville, de Lars von Trier, 2003
111- Léon, de Luc Besson, 1994
112- La Chambre interdite, de Guy Maddin et Evan Johnson, 2015
113- L’Homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, 1976
114- Les Ailes du désir, de Wim Wenders, 1987
115- Une femme est une femme, de Jean-Luc Godard, 1961
116- Incendies, de Denis Villeneuve, 2010
117- Fahrenheit 451, de François Truffaut, 1966
118- Dernier train pour Busan, de Yeon Sang-ho, 2016
119- 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow, 2005
120- Démolition, de Jean-Marc Vallée, 2015
121- Ne nous fâchons pas, de Georges Lautner, 1966
122- La Chèvre, de Francis Veber, 1981
123- Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), « Est-ce que les expériences scientifiques en matière de sexualité servent à quelque chose ? », de Woody Allen, 1972.
124- L’Été de Kikujiro, de Takeshi Kitano, 1999

On se quitte en images et – chose promise, chose due – avec la liste des films aperçus ou entendus pendant ce deuxième Apéro Ciné Quiz.

1. Paul, de Greg Mottola, 2011.
2. Les Lois de l’hospitalité (Our Hospitality), de Buster Keaton, 1923.
3. Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard), de Billy Wilder, 1950.
4. Gremlins, de Joe Dante, 1984.
5. Les Goonies, de Richard Donner, 1985.
6. Twin Peaks : Fire Walk With Me, de David Lynch, 1992.
7. La Machine (aka En route vers la mort), de Paul Vecchiali, 1977.
8. Les Sorcières de Zugarramurdi (Las Brujas de Zugarramurdi), d’Alex de la Iglesia, 2013.
9. Les Vampires, de Louis Feuillade, 1915.
10. Green Hornet, de Michel Gondry, 2011.
11. La Classe américaine, de Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette, 1993.
12. Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul.
13. Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001.
14. Strange Days, de Kathryn Bigelow, 1995.
15. Ne nous jugez pas (Somos lo que hay), de Jorge Michel Grau, 2010.
16. Tremors, de Ron Underwood, 1990.
17. Leviathan, d’Andrei Zviaguintsev.
18. La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011.
19. Les Yeux sans visage, de Georges Franju, 1960.
20. Holy Motors, de Leos Carax, 2012.
21. Invasion USA, de Joseph Zito, 1985.
22. Retour vers le futur 2, de Robert Zemeckis, 1989.
23. Cold in July, de Jim Mickle, 2014.
24. Point Limite Zéro (Vanishing Point), de Richard Sarafian, 1971.
25. Terminus, de Pierre-William Glenn, 1987.
26. Bellflower, d’Evan Glodell, 2011.
27. Rain Man, de Barry Levinson, 1988.
28. Hercule à New York, d’Arthur Allan Seidelman, 1969.
29. Velvet Goldmine, de Todd Haynes, 1998.
30. Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992.
31. The Color Wheel, d’Alex Ross Perry, 2011.
32. L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2001.
33. A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013. Avec Zhao Tao.
34. Calcium Kid, d’Alex de Rakoff, 2004.
35. Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas, 2012.
36. Le Viol du vampire, de Jean Rollin, 1967.
37. La Main sur le berceau (The Hand that rocks the cradle), de Curtis Hanson, 1992.
38. Kingsman, de Matthew Vaughn, 2015.
39. The Wicker Man, de Robin Hardy, 1973.
40. Kill List, de Ben Wheatley, 2012.
41. Tonnerre sous les tropiques (Tropic Thunder), de Ben Stiller, 2008.
42. Beetlejuice, de Tim Burton, 1988.
43. Jackie Brown, de Quentin Tarantino, 1997.
44. Mean Streets, de Martin Scorsese, 1973.
45. Le Sud (Sur), de Fernando Solanas, 1988.
46. Damnation, de Bela Tarr, 1988.
47. Edge of Tomorrow, de Doug Liman, 2014.
48. Intolerance, de Phil Mulloy, 2000.
49. Lucifer Rising, de Kenneth Anger, 1972-1980.
50. Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages, de Michel Audiard, 1968.
51. L’Espion qui venait du surgelé (Dr Goldfoot and the Girl Bombs), de Mario Bava, 1966.
52. Emprise (Frailty), de Bill Paxton, 2001.
53. Crocodile, de Kim Ki-duk, 1996.
54. Profs, de Patrick Schulmann, 1987.
55. L’An 01, de Jacques Doillon, Gébé, Alain Resnais et Jean Rouch, 1973.
56. Mary et Max, d’Adam Elliot, 2009.
57. Réalité, de Quentin Dupieux, 2014.
58. Drôle de grenier, de Vivian Schilling et Jiri Barta, 2009.
59. Control, d’Anton Corbijn, 2007.
60. L’Au-delà, de Lucio Fulci, 1981.
61. A l’intérieur, de Julien Maury et Alexandre Bustillo, 2007.
62. Cendrillon, studios Disney, 1950.
63. Chicken Run, studios Aardman, 2000.
64. Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980.
65. Alice au pays des merveilles, studios Disney, 1951.
66. Les Muppets, le film (The Muppet Movie), de James Frowley, 1979.
67. Princess Bride, de Rob Reiner, 1987.
68. Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006.
69. Buffet froid, de Bertrand Blier, 1979.
70. Le Convoi sauvage (Man in the Wilderness), de Richard Sarafian, 1971.
71. Tales from the Gimli Hospital, de Guy Maddin, 1988.
72. Institut Benjamenta (ou ce rêve que les gens appellent la vie humaine), des frères Quay, 1995.
73. Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009.
74. Taram et le chaudron magique (The Black Cauldron), 1985.
75. Mind Game, de Masaaki Yuasa, 2004.
76. De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites (The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds), de Paul Newman, 1972.
77. Great Balls of Fire, de Jim McBride, 1989.
78. It Follows, de David Robert Mitchell, 2014.
79. Jusqu’en enfer (Drag Me To Hell), de Sam Raimi, 2009.
80. Le Secret de mon succès, d’Herbert Ross, 1987.
81. M.A.S.H., de Robert Altman, 1970.
82. Léon, de Luc Besson, 1994.
83. Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970.
84. En quatrième vitesse (Kiss me Deadly), de Robert Aldrich, 1955.
85. L’Impasse (Carlito’s Way), de Brian De Palma, 1993.
86. Nostalgie de la lumière (Nostalgia de la luz), de Patricio Guzman, 2010.
87. Still the Water (Futatsume no mado), de Naomi Kawase, 2014.
88. Truman Show, de Peter Weir, 1998.
89. La Porte du paradis (Heaven’s Gate), de Michael Cimino, 1980.
90. Mort ou vif (The Quick and the Dead), de Sam Raimi, 1994.
91. Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), de Woody Allen, 1972.
92. L’Impitoyable lune de miel ! (I Married a strange person !), de Bill Plympton, 1997.
93. Turkish Délices (Turks Fruit), de Paul Verhoeven, 1973.
94. Midori, de Hiroshi Harada, 1992.
95. L’Inspecteur Harry, de Don Siegel, 1971.
96. La Balade sauvage (Badlands), de Terrence Malick, 1973.
97. Mister Lonely, d’Harmony Korine, 2007.
98. Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli, 2002.
99. Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941.
100. La Poupée (Die Puppe), d’Ernst Lubitsch, 1919.
101. Playtime, de Jacques Tati, 1967.
102. Le Sadique (The Sadist), de James Landis, 1963.
103. Persona, d’Ingmar Bergman, 1966.
104. Dead Sushi, de Noboru Iguchi, 2012.
105. Le Dernier Rivage (On the Beach), de Stanley Kramer, 1959.
106. Mad Max : Fury Road, de George Miller, 2015.
107. Malevil, de Christian de Chalonge, 1980.
108. La Nuit américaine, de François Truffaut, 1973.
109. Jennifer 8, de Bruce Robinson, 1992.
110. Crash, de David Cronenberg, 1996.
111. Les Autres, d’Alejandro Amenabar, 2001.
112. Belle de jour, de Luis Bunuel, 1966.
113. Les Maîtres de l’univers, de Gary Goddard, 1987.
114. La Passion de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer, 1927.
115. Frankenstein Junior, de Mel Brooks, 1974.
116. Adieu au langage, de Jean-Luc Godard, 2014.

Projetés le même jour au Palais de ce 68e Festival de Cannes, An de Naomi Kawase et Notre petite sœur de Kore-eda Hirokazu. Deux films qui donnent du sens à la gastronomie.

Les deux cinéastes japonais ont souvent monté les célèbres marches du Festival de Cannes. En 2013, Kore-eda dévoilait Tel père, tel fils, l’histoire d’un échange de bébés à la maternité. L’année dernière, en 2014, Naomi Kawase y livrait l’un de ses plus beaux films, Still the Water. Tantôt heureux au palmarès (le Prix du jury pour Tel père, tel fils), tantôt moins (Still the Water oublié du jury), ces deux-là constituent pour l’Occident de fiers représentants du cinéma nippon. Pourquoi Notre petite sœur de Kore-eda Hirokazu est projeté en compétition, en lice pour la Palme d’or, et An, de Naomi Kawase, « relégué » à la section Un Certain Regard, nul ne peut le savoir. Ce qui est sûr, c’est qu’alors que leurs précédents films ne partageaient que lointainement des sujets, ceux-là ont de nombreuses choses en commun – et même une actrice merveilleuse, Kirin Kiki.

Il y a différentes façons d’appréhender une culture. Pour embrasser une société – et ses membres –, on peut passer par l’art, par l’économie. Par le sport. Ce qui est plus rare, c’est les pas de côté : au Japon par exemple, la gastronomie, tout à la fois art et artisanat, lien social et rite. Notre petite sœur n’est pas à proprement parler un film qui parle de la nourriture, mais, en bon cinéaste biberonné par les œuvres de Yasujiro Ozu, Kore-eda aime les séquences autour d’un bon repas, qu’il distille aux moments opportuns. Là où des cinéastes d’action mettraient une scène de course-poursuite pour faire avancer l’intrigue, Kore-eda place un déjeuner. C’est au cours du repas – ou en le préparant – que les quatre sœurs du film, abandonnées de parents tantôt morts, tantôt démissionnaires, vont parler de leur famille, de leurs attentes, de leurs craintes. La nourriture, alcool y compris, permet de se remémorer les bons souvenirs comme les mauvais, de grandir et de progresser.

An donne aussi à la gastronomie une place prépondérante. C’est l’histoire de Sentaro, gérant d’une boutique de dorayakis, ces délicieuses pâtisseries japonaises fourrées à la pâte de haricots rouges (« an »). Un jour une vieille femme, Tokue (la comédienne Kirin Kiki, par ailleurs actrice fétiche de Kore-eda), lui propose de l’aider et lui apporte une pâte qu’elle a préparée elle-même. Sentaro refuse d’abord, avant de goûter ladite pâte, délicieuse. Ensemble, ils vont redonner vie à la boutique.

Derrière ce sujet a priori léger se cache un film à l’infinie intensité. Comme dans Notre petite sœur, préparation et dégustation de mets constituent des moments clés du film. A cela près qu’à travers cette petite faiblesse nippone, Naomi Kawase livre une œuvre pleine de grâce et merveilleuse, d’une justesse incroyable. Les dorayakis du sujet sont un prétexte à une progression constante de l’intrigue, qui dépasse largement le cadre professionnel d’une boutique. Sentaro et Tokue, deux laissés-pour-compte à leur façon, vont apprendre chacun l’un de l’autre. L’un reprendra goût à la vie ; l’autre se frottera de nouveau à un monde qui l’a violemment exclue, et transmettra son savoir-faire.

Un savoir-faire qui englobe la préparation de la pâte de haricots rouges, mais qui s’étend bien au-delà. Entre Tokue et Sentaro, c’est le choc des générations. Si le Japon reste encore pour nous Occidentaux, une nation mystérieuse, quoique souvent réduite soit au bouddhisme zen, soit aux perversions sexuelles, elle est pour les Japonais un pays dont la face change radicalement et à toute allure. Ce que fait Naomi Kawase, c’est exprimer les croyances animistes et chamaniques qui sont au cœur de l’existence. Tokue ne se contente pas de cuisiner des haricots, elle les remercie pour le bien-être prochainement procuré, elle les invite « à faire connaissance avec le sucre », elle les écoute et les ressent.

En japonais, on ne dit pas « bon appétit » mais « itadakimasu ». La formule peut être traduite par « je reçois ». Elle n’est pas destinée aux autres convives mais à soi-même : « itadakimasu » exprime la déférence envers des dieux archaïques et une nature toute-puissante, qui offre à l’humanité ses bienfaits. Tokue respecte la vie, où qu’elle soit. Comme des millions de Japonais chaque année, elle chérit aussi la courte période de floraison des cerisiers – « Hanami », une dizaine de jours au début du mois d’avril –, se laissant d’ailleurs porter par le vent qui agite les branches des cerisiers en direction de l’échoppe de Sentaro. Dans An et dans Notre petite sœur, Hanami symbolise le cycle de la vie et de la mort : une beauté sublime et fulgurante qui meurt pour mieux revivre l’année suivante, éternellement.

Mais le cinéma de Kawase et d’Hirokazu ne passe pas non plus sous silence les heurts de la société japonaise : Still the Water appelait autant l’émerveillement que l’effroi face à la nature ; Nobody Knows, Air Doll et Tel père, tel fils, disait la tragique perte de repères dans l’archipel. Dans An comme dans Notre petite sœur, la difficulté de trouver sa place. Jadis atteinte de la lèpre, la vieille femme de An fut internée de force dans un sanatorium. Il y a encore peu, le gouvernement excluait toute personne atteinte de la lèpre, réminiscence du passé eugéniste de la première partie du XXe siècle japonais. Kawase et Kore-eda ne dépeignent pas un Japon idéal, qui serait exclusivement fait d’une grand-mère drôle et touchante, de quatre sœurs belles et intelligentes, et de fabuleux plats, mais le Japon tel qu’il est, fait de nombreux paradoxes et parfois d’une stupéfiante violence. L’archipel nippon ne se révèle qu’à ceux qui gardent les yeux grands ouverts, tout comme son impalpable cinéma, dont Kore-eda Hirokazu et surtout Naomi Kawase livrent la quintessence.

2017 : 70e édition de Cannes mais seulement 62e Palme d’or. Sacré Graal du septième art, la récompense la plus en vogue dans le monde du cinéma n’a pas toujours eu le vent en poupe et son histoire a été quelque peu chaotique.
Si vous le voulez bien, remontons aux années 1950. A l’époque, pas de Palme d’or mais le « Grand Prix du Festival international du film ». Oubliés également l’or et le cristal, le réalisateur consacré recevait un diplôme et une œuvre signée par un artiste en vogue. Pas très glamour pour la Croisette, vous en conviendrez !
C’est pourquoi, dès 1955, le Festival de Cannes voit apparaître la Palme d’or. Créée par la joaillière Lucienne Lazon, c’est le réalisateur américain Delbert Mann, pour son film Marty, qui recevra la récompense telle qu’on la connaît (plus ou moins) aujourd’hui pour la toute première fois de l’histoire du cinéma. Mais volte-face en 1963 quand l’administration décide de rétablir le « Grand Prix du Festival » avec les anciennes récompenses des années 1950.
C’est finalement en 1975 que la Palme d’or est définitivement adoptée, bien qu’elle ne reçoive officiellement cette nomination qu’en 1980.
Après quelques modifications, elle obtient la forme qu’on lui connaît aujourd’hui en 1997, lorsque la joaillerie Chopard obtient l’exclusivité de la réalisation du trophée.

Mais outre l’aspect glamour à paillettes de la sculpture, la Palme d’or est, bien évidemment, un enjeu médiatique dangereux. Le réalisateur qui remporte ce prix n’est pas assuré du succès de son film auprès des critiques et du box-office. On observe bien souvent l’effet inverse avec une partie du public se sentant exclue par un cinéma qu’elle considère comme élitiste et pompeuse. Des films tels que Les Meilleures Intentions de Bille August (Palme d’or 1992), L’Eternité et un jour de Theo Angelopoulos (Palme d’or 1998) ou encore Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures d’Apichatpong Weerasethakul (Palme d’or 2010) en ont fait les frais avec respectivement 91 000, 130 000 et 182 000 entrées en France – à titre de comparaison, La Vie d’Adèle : chapitre 1 et 2 d’Abdellatif Kechiche, Palme d’or 2013, a recensé plus d’un million d’entrées dans l’Hexagone.

Toute institution historique (car oui, la Palme d’or est à elle seule une institution) a son lot de « premières fois » plus ou moins originales. En ce qui concerne la récompense suprême, il convient d’en retenir trois. A vous ensuite de juger de l’excentricité de chacune d’elle.
En 59 ans, la Palme d’or n’a été décernée qu’une seule fois à une femme : Jane Campion pour La Leçon de piano en 1993. Et ce, malgré la sélection en compétition officielle de Valeria Bruni Tedeschi en 2013, Alice Rohrwacher et Naomi Kawase en 2014, Valérie Donzelli et Maïwenn pour cette édition 2015.
A ce jour, seulement sept réalisateurs ont remporté deux fois le précieux trophée : Francis Ford Coppola (Conversation secrète en 1974 et Apocalypse Now en 1979), Shoei Imamura (La Ballade de Narayama en 1983 et L’Anguille en 1997), Bille August (Pelle le conquérant en 1988 et Les Meilleures Intentions en 1992), Emir Kusturica (Papa est en voyage d’affaires en 1985 et Underground en 1995), les frères Dardenne (Rosetta en 1999 et L’Enfant en 2005) et Michael Haneke (Le Ruban blanc en 2009 et Amour en 2012).
Il y a deux ans, et pour la première fois dans l’histoire de la Palme, le trophée a été remis à un réalisateur et à ses deux actrices principales : Abdellatif Kechiche, Adèle Exarchopoulos et Léa Seydoux pour La Vie d’Adèle.

En 2015, pour célébrer les 60 ans de la création du trophée, Cannes Classics projette La Légende de la Palme d’or, d’Alexis Veller.

Dernières précisions avant de vous dévoiler la liste du palmarès du Festival de Cannes depuis sa création. La première édition de Cannes devait avoir lieu du 1er au 20 septembre 1939 sous la présidence de Louis Lumière. Malgré un film récompensé (Pacific Express de Cecil B. DeMille), les événements tragiques de cette époque ont contraint les réalisateurs à reporter la première édition effective du Festival au 20 septembre 1946. A partir de cette année il aura lieu tous les ans, sauf en 1948 et 1950, pour raisons budgétaires. A partir de 1952, le Festival se déroule au printemps.
 

Pré-guerre

1939
Pacific Express (Union Pacific) de Cecil B. DeMille

Première période : « Grand Prix du Festival international du Film »

1946
L’Epreuve (Iris och löjtnantshjärta) d’Alf Sjöberg
Le Poison (The Lost Weekend) de Billy Wilder
La terre sera rouge (De Røde enge) de Bodil Ipsen et Lau Lauritzen Jr
La Ville basse (नीचा नगर, Neecha Nagar) de Chetan Anand
Brève rencontre (Brief Encounter) de David Lean
María Candelaria d’Emilio Fernández
Le Tournant décisif (Великий перелом, Velikiy perelom) de Fridrikh Ermler
La Symphonie pastorale de Jean Delannoy
La Dernière Chance (Die letzte Chance) de Leopold Lindtberg
Les Hommes sans ailes (Muzi bez krídel) de Frantisek Cáp
Rome, ville ouverte (Roma città aperta) de Roberto Rossellini

1947
Ziegfeld Follies de Vincente Minnelli
Dumbo de Ben Sharpsteen & Walt Disney
Les Maudits de René Clément
Antoine et Antoinette de Jacques Becker
Feux croisés (Crossfire) d’Edward Dmytryk

1949
Le Troisième Homme (The Third Man) de Carol Reed

1951
Mademoiselle Julie (Fröken Julie) d’Alf Sjöberg
Miracle à Milan (Miracolo a Milano) de Vittorio De Sica

1952
Othello (The Tragedy of Othello : The Moor of Venice) d’Orson Welles
Deux sous d’espoir (Due soldi di speranza) de Renato Castellani

1953
Le Salaire de la peur d’Henri-Georges Clouzot

1954
La Porte de l’enfer (地獄門, Jigokumon) de Teinosuke Kinugasa

Deuxième période : la Palme d’or

1955
Marty de Delbert Mann

1956
Le Monde du silence de Jacques-Yves Cousteau et Louis Malle

1957
La Loi du Seigneur (Friendly Persuasion) de William Wyler

1958
Quand passent les cigognes (Летят журавли, Letjât žuravli) de Mikhaïl Kalatozov

1959
Orfeu Negro de Marcel Camus

1960
La dolce vita de Federico Fellini

1961
Une aussi longue absence d’Henri Colpi
Viridiana de Luis Buñuel

1962
La Parole donnée (O Pagador de Promessas) d’Anselmo Duarte

1963
Le Guépard (Il gattopardo) de Luchino Visconti

Troisième période : retour au « Grand Prix du Festival »

1964
Les Parapluies de Cherbourg de Jacques Demy

1965
Le Knack… et comment l’avoir (The Knack …and How to Get It) de Richard Lester

1966
Un homme et une femme de Claude Lelouch
Ces messieurs dames (Signore & signori) de Pietro Germi

1967
Blow-Up de Michelangelo Antonioni

1968
Interrompu suite aux événement de Mai 68.

1969
If… de Lindsay Anderson

1970
M*A*S*H de Robert Altman

1971
Le Messager (The Go-Between) de Joseph Losey

1972
La classe ouvrière va au paradis (La classe operaia va in paradiso) d’Elio Petri
L’Affaire Mattei (Il Caso Mattei) de Francesco Rosi

1973
La Méprise (The Hireling) d’Alan Bridges
L’Epouvantail (Scarecrow) de Jerry Schatzberg

1974
Conversation secrète (The Conversation) de Francis Ford Coppola

Dernière période : le retour définitif de la Palme d’or

1975
Chronique des années de braise (وقائع سنين الجمر, Waqa’i’ sanawat ed-djamr) de Mohammed Lakhdar-Hamina

1976
Taxi Driver de Martin Scorsese

1977
Padre padrone de Paolo et Vittorio Taviani

1978
L’Arbre aux sabots (L’albero degli zoccoli) d’Ermanno Olmi

1979
Apocalypse Now de Francis Ford Coppola
Le Tambour (Die Blechtrommel) de Volker Schlöndorff

1980
Que le spectacle commence (All That Jazz) de Bob Fosse
Kagemusha, l’ombre du guerrier (影武者, Kagemusha) d’Akira Kurosawa

1981
L’Homme de fer (Człowiek z żelaza) d’Andrzej Wajda

1982
Missing de Costa-Gavras
Yol, la permission (Yol) d’Yılmaz Güney et Şerif Gören

1983
La Ballade de Narayama (楢山節考, Narayama bushiko) de Shōhei Imamura

1984
Paris, Texas de Wim Wenders

1985
Papa est en voyage d’affaires (Отац на службеном путу, Otac na službenom putu) d’Emir Kusturica

1986
Mission (The Mission) de Roland Joffé

1987
Sous le soleil de Satan de Maurice Pialat

1988
Pelle le conquérant (Pelle erobreren) de Bille August

1989
Sexe, mensonges et vidéo (Sex, Lies and Videotape) de Steven Soderbergh

1990
Sailor et Lula (Wild at Heart) de David Lynch

1991
Barton Fink de Joel Coen

1992
Les Meilleures Intentions (Den Goda viljan) de Bille August

1993
Adieu ma concubine (霸王別姬, Bàwáng biéjī) de Chen Kaige
La Leçon de piano (The Piano) de Jane Campion

1994
Pulp Fiction de Quentin Tarantino

1995
Underground (Подземље, Podzemlje) d’Emir Kusturica

1996
Secrets et mensonges (Secrets and Lies) de Mike Leigh

1997
Le Goût de la cerise (طعم گیلاس, Ta’m-e gilās) d’Abbas Kiarostami
L’Anguille (うなぎ, Unagi) de Shōhei Imamura

1998
L’Eternité et un jour (Μια αιωνιότητα και μια μέρα, Mia éoniotita kai mia méra) de Theo Angelopoulos

1999
Rosetta de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2000
Dancer in the Dark de Lars von Trier

2001
La Chambre du fils (La stanza del figlio) de Nanni Moretti

2002
Le Pianiste (The Pianist) de Roman Polanski

2003
Elephant de Gus Van Sant

2004
Fahrenheit 9/11 de Michael Moore

2005
L’Enfant de Luc et Jean-Pierre Dardenne

2006
Le vent se lève (The Wind That Shakes the Barley) de Ken Loach

2007
4 mois, 3 semaines, 2 jours (4 luni, 3 săptămâni și 2 zile) de Cristian Mungiu

2008
Entre les murs de Laurent Cantet

2009
Le Ruban blanc (Das weiße Band) de Michael Haneke

2010
Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures (ลุงบุญมีระลึกชาติ ; Lung Boonmee raluek chat) d’Apichatpong Weerasethakul

2011
The Tree of Life de Terrence Malick

2012
Amour de Michael Haneke

2013
La Vie d’Adèle d’Abdellatif Kechiche (prix reçu conjointement avec Léa Seydoux et Adèle Exarchopoulos, ses deux actrices principales)

2014
Winter Sleep (Kış Uykusu) de Nuri Bilge Ceylan

2015
Dheepan de Jacques Audiard

2016
Moi, Daniel Blake de Ken Loach

2017
The Square de Ruben Ostlund

Qui ?
L’année dernière, la cinéaste japonaise est repartie bredouille de la compétition cannoise, malgré un film magistral, Still the Water. Qu’à cela ne tienne, celle qui alterne magnifiques films et poignants documentaires avec une régularité suisse n’en tient pas rigueur au jury et revient cette année avec An, présenté en ouverture de la sélection Un Certain Regard.

Quoi ?
Tous les films de Naomi Kawase parlent du Japon. Ils renseignent sur une culture et une spiritualité qui nous échappent – et qui échappent également en partie aux nouvelles générations nippones -, saisissent la beauté de l’archipel et le respect de la population pour la nature. An ne fait pas exception, appréhendant cette fois la société japonaise par le biais de la gastronomie. An, c’est la pâte à base de haricots rouges qui garnit les dorayakis, ces pâtisseries très populaires qu’on trouve partout au Japon, et dont chaque échoppe conserve jalousement ses secrets de fabrication. C’est le point de départ du film de Naomi Kawase : une septuagénaire, qui connaît la recette d’une pâte exquise, convainc un vendeur de dorayakis de l’embaucher. L’échoppe devient vite un endroit incontournable. Si le sujet semble plus léger que d’habitude, gageons que Naomi Kawase saura donner force et profondeur à son nouveau long-métrage.

Résultat des courses ?
Une œuvre intense à lire ici !

 
An de Naomi Kawase, avec Kirin Kiki, Masatoshi Nagase, Kyara Uchida… France, Japon, 2015. Film d’ouverture Un Certain Regard du 68e Festival de Cannes.

 
Pourquoi avoir choisi de tourner Still the Water sur l’île d’Amami ?

Parce que j’y ai mes racines familiales. Je ne l’ai découverte qu’il y a peu de temps, et j’ai été immédiatement émue par la façon dont les gens y vivent. J’ai eu envie de filmer quelque chose là-bas. Je voulais montrer la façon de vivre des habitants de l’île. Ce n’est qu’après que j’ai imaginé l’histoire et écrit le scénario.

Les habitants d’Amami participent au film, comme par exemple lors de la séquence de la mort d’Isa. Comment s’est passé le tournage ?

En fait, cette scène de la mort d’Isa, nous l’avons construite autour des habitants de l’île. C’est eux qui chantaient cette chanson, qui dansaient, comme s’ils accompagnaient vraiment quelqu’un qui allait mourir. C’est vraiment comme ça que ça se passe là-bas ; il n’était pas question de demander aux habitants de jouer. Il y avait simplement quelques acteurs disséminés au milieu de ces habitants. Nous avons préparé la séquence, il n’était pas question de tourner plusieurs prises, nous avons donc disposé les caméras de façon à pouvoir filmer en une seule fois, sans gêner les habitants de l’île qui apparaissent à l’écran.

C’était donc de l’improvisation ?

On ne pouvait pas leur demander de dire un dialogue, ce ne sont pas des acteurs. Quand ils disent quelque chose, c’est parce qu’ils ont été pris par la scène, c’est de l’improvisation. La seule chose qui était décidée en avance avec eux, c’était l’ordre des chansons. On savait ce qu’on allait chanter en premier puis en deuxième, puis ça a évolué de manière parfaitement naturelle entre les acteurs qui avaient déjà leurs répliques, et les habitants qui n’en avaient pas. Ca a donné ce que vous voyez dans le film…

Une séquence du film se déroule à Tokyo ; souhaitiez-vous opposer la vie tumultueuse de la capitale et la vie traditionnelle d’Amami ?

Je pense que l’une met l’autre en valeur. Je n’ai pas voulu condamner la vie à Tokyo, au contraire il s’y passe des choses formidables. Je pense que pour faire mieux ressortir la différence et la richesse de la vie de la campagne, il fallait aussi montrer la vie de Tokyo, et pour montrer la richesse de Tokyo, il fallait montrer la vie à la campagne. Pour moi, ce ne sont pas deux mondes qui s’opposent mais qui se complètent. Dans le film, je dis des choses sur Tokyo que je pense vraiment : c’est une ville qui est accueillante, d’une certaine manière, où tout est possible ; la campagne c’est le contraire : c’est la proximité avec la nature, avec les éléments, la possibilité de ressentir directement les choses. La coexistence des deux permet de faire mieux ressortir la beauté des deux.

La séquence du typhon évoque le tsunami de 2011 et la catastrophe de Fukushima : est-ce que ces événements ont influencé votre œuvre ?

La nature a toujours eu un rôle très important dans mes films, et la catastrophe de Fukushima n’a rien changé à cela. Une existence en harmonie avec la nature est un thème que je défendais déjà avant, et je continuerai de le faire, ça n’a pas eu d’incidence sur Still the Water. Et ce n’est pas non plus un film post-Fukushima. La beauté de la nature va aussi avec la peur de la nature, tout simplement.

La thématique du cycle de vie et de mort de Still the Water en fait un film-somme…

J’ai déjà parlé un peu de ce thème avant, simplement cette fois, je suis allé au maximum de ma capacité d’expression sur ce sujet, j’ai été au plus loin de ce que je pouvais exprimer sur ce que je pense du cycle de la vie et de la mort. Mes films suivants seront forcément différents.

Le titre original du film, Futatsume no mado, signifie “la deuxième fenêtre”. Quelle est cette deuxième fenêtre ?

La deuxième fenêtre, c’est la porte qui ouvre sur le monde invisible. Lorsqu’on a fini de faire toutes les rencontres que l’on doit faire, on peut parvenir à cette porte, derrière laquelle se trouvent toutes les choses invisibles.

Vous sentez-vous proche d’autres cinéastes qui place la nature au centre de leur œuvre, comme Terrence Malick ?

On me dit souvent que mes films abordent des thèmes similaires à ceux d’Hayao Miyazaki, comme Totoro ou Princesse Mononoke. En revanche il y a une grosse différence entre l’univers de Terrence Malick et le mien, parce que Malick fait partie d’un monde monothéiste, il pense à Dieu, alors que les Japonais pensent à tous les dieux ; il y a une infinité de dieux. Nos deux univers n’ont rien à voir ; nous n’avons pas la crainte d’un Dieu unique terrifiant, dans le panthéisme il y a des dieux partout, nous essayons de vivre en harmonie avec eux.

L’année dernière vous étiez membre du jury à Cannes, que retirez-vous de cette expérience ?

Grâce à cette expérience, ma vision du monde s’est élargie. L’univers de Steven Spielberg et le mien n’ont a priori pas de raisons de se rencontrer – lui travaille avec des budgets considérables à Hollywood, moi je fais de petits films indépendants –, mais grâce à cette alchimie cannoise, j’ai pu parler avec Steven Spielberg et nous avons beaucoup échangé. Il m’a appris beaucoup de choses – et moi aussi, je pense – et notamment à toujours repartir de zéro, à avoir une faim, une soif de cinéma permanente. Aujourd’hui je continue de correspondre avec lui, je dois cela à Cannes.

 
Still the Water de Naomi Kawase avec Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga, Miyuki Matsuda… Japon, 2014. En compétition au 67e Festival de Cannes. Sortie en salle le 1er octobre 2014.

Futatsume no mado, c’est le titre original du nouveau film de Naomi Kawase. Littéralement « La deuxième fenêtre », en japonais. Celle ouverte sur l’invisible. Celle qui fait communiquer les vivants et les disparus, l’avenir et la mémoire, le passé et la tradition… C’est l’histoire de Kaito et Kyoko, deux adolescents vivant sur l’île d’Amami. Une terre où les habitants avancent en harmonie avec la nature et les dieux. C’est ici que les deux adolescents vont découvrir les cycles de la vie, de la mort et de l’amour.

Naomi Kawase dédie son film au souffle de la vie. Portée par le vent et la pluie, bercée par le soleil, sa caméra virevolte. Flotte. Quand passent les typhons, la mer se déchaîne et la réalisatrice japonaise saisit la puissance des gigantesques vagues. S’y enfonce juste avant qu’elles ne se fracassent et ne se reforment à l’infini. Comme chez Hokusai, la mer est vivante. C’est d’ailleurs ce qui effraie le jeune Kaito qui refuse de s’y baigner tandis que Kyoko, sourire enchanteur aux lèvres, y plonge toute habillée. Quand la mort rôde, Kawase suspend le temps pour contempler la lumière du soleil se faufiler entre les branches enlacées d’un arbre plusieurs fois centenaire. Et quand l’amour éclot, c’est dans un majestueux ballet aquatique.

Certains diront que Still the Water pèche par son excès de symbolisme, d’autres que Malick ou Apichatpong leur ont déjà fait le coup de l’infiniment petit et de l’infiniment grand. Tant pis. Son film, paradoxalement plus accessible et plus palpable qu’un Tree of Life ou Oncle Boonmee, résonne comme un hommage aux croyances panthéistes du peuple d’Amami, à l’histoire du Japon, à ses contradictions, à son humilité face aux éléments naturels.

Récit initiatique, ode poétique et métaphysique à la nature, variation terriblement juste et émouvante sur la filiation, conte philosophique sur la mort, Still the Water impose son rythme biologique, ses respirations, ses peurs, ses joies… Il déborde d’amour et ne cache rien de ses incertitudes. Où donc s’envolent les âmes de ceux que nous aimons quand ils quittent la terre ?

 
Still the Water de Naomi Kawase avec Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga, Miyuki Matsuda… Japon, 2014. En compétition au 67e Festival de Cannes. Sortie en salle le 1er octobre 2014.

Dimanche 25 novembre

Au nom d’Anna, d’Edward Norton – Arte – 20h45
Tonnerre sous les tropiques, de Ben Stiller – NT1 – 20h45
Entre ses mains, d’Anne Fontaine – D8 – 20h50
Il faut sauver le soldat Ryan, de Steven Spielberg – France 4 – 20h45
Génial, mes parents divorcent, de Patrick Braoudé – Gulli – 20h45

Edward Norton passe pour la première fois derrière la caméra peu de temps après avoir tourné avec Woody Allen et ça se voit. Crises existentielles, religion, amour et Central Park au menu, avec un supplément Ben Stiller du meilleur effet. Le tout est servi avec finesse et humour sur Arte.
Pour le Ben Stiller un peu moins raffiné, jetez un coup d’œil sur NT1 : Tonnerre sous les tropiques joue avec les codes du cinéma pour notre plus grand plaisir.
Un Benoît Poelvoorde troublant qui n’en fait pas des caisses, c’est suffisamment rare pour être remarqué. Il entre parfaitement dans le cinéma d’Anne Fontaine première époque, avec ses personnages aussi séduisants qu’inquiétants. Pour oublier la seconde époque de la réalisatrice, qui a donné naissance à Mon pire cauchemar avec le même Poelvoorde et Isabelle Huppert.
Devenu classique dès sa sortie, Il faut sauver le soldat Ryan vaut essentiellement pour sa scène d’ouverture, impressionnante, sanglante, haletante. Après, vous pouvez passer à autre chose et revenir pour la scène d’assaut finale, et l’arrivée puissante des tanks dans un village détruit et silencieux.
A lui seul, Génial, mes parents divorcent reflète le début des années 1990. Le sujet de société, c’est le divorce, et les k-way sont fluos. Encore une fois, on se demande ce que va devenir cette génération sacrifiée, victime d’adultes égoïstes. On ne sait toujours pas si c’est le divorce ou les anoraks qu’il faut incriminer, mais ces gamins-là ont l’air de s’en moquer.
 

Lundi 26 novembre

La Neuvième Porte, de Roman Polanski – NRJ 12 – 20h35
Trace, de Naomi Kawase – Arte – 00h20

Comme il est rare de voir Poelvoorde sobre, il est rare de voir un Polanski raté. Alors on en profite, on regarde La Neuvième Porte pour se rassurer. Polanski n’est pas un génie ou un extraterrestre. Des fois, il rate, lui aussi.
Sinon, on vous le conseille sans l’avoir vu parce qu’il est inédit et vient de loin, Arte diffuse Trace, le documentaire de Naomi Kawase dédié à sa mère adoptive. La vieillesse, la filiation et la disparition, des thèmes chers à la cinéaste japonaise, à qui l’on doit notamment les poétiques et superbes La Forêt de Mogari ou Hanezu.
 

Mardi 27 novembre

Tout ce qui brille, de Géraldine Nakache et Hervé Mimran – W9 – 20h50
Le Dictateur – Gulli – 20h45
Charlot et le chronomètre, de Charlie Chaplin et Joseph Maddern – Gulli – 22h50
La Ruée vers l’or – Gulli – 23h10

Grâce à W9, on peut enfin voir le film qui a cartonné et dont on a tellement entendu parler, sauf qu’on avait moyennement envie de payer 10 euros la place de ciné. Effectivement, Audrey Lamy est pas mal. Oui, Leïla Bekhti s’en sort. Sinon, heureusement que la TNT c’est gratuit.
Nouvelle soirée Chaplin sur Gulli, avec ce coup-ci Le Dictateur, et le court-métrage Charlot et le chronomètre. Tout ce qui a été écrit ici la semaine dernière reste valable.
 

Mercredi 28 novembre

Un long dimanche de fiançailles, de Jean-Pierre Jeunet – France 4 – 20h45
The Constant Gardener, de Fernando Meirelles – Arte – 20h50

Jean-Pierre Jeunet fait un cinéma étrange et pénétrant. Enfin surtout, ce n’est, chaque fois, ni tout à fait le même ni tout à fait un autre. Pour son premier film post-Amélie Poulain, il prend le roman de Sébastien Japrisot en garde-fou (en roue libre, ça donne Micmac à tire-larigot) : donc une trame qui se tient, agrémentée d’un teint jaune pour tout le monde et de gadgets et autres stratagèmes.
Sur Arte – encore -, un film d’espionnage (ou presque) à charge adapté de John Le Carré. Le Kenya, un fonctionnaire britannique, les affreux labos pharmaceutiques et Rachel Weisz : un cocktail à ne pas manquer dont on sort en colère.
 

Jeudi 29 novembre

The Reader, de Stephen Daldry – France 3 – 20h45
Ghost, de Jerry Zucker – TMC – 20h45
Batman et Robin, de Joel Schumacher – D17 – 20h50
La Chute, de Olivier Hirschbiegel – France 3 – 23h25

C’est bien compliqué ce soir pour qui n’a pas suivi le début de Borgen (dont la saison 2 passe le jeudi soir sur Arte) : un bon film sur France 3 (mais en VF), un film qui nous rajeunit pas sur TMC (toujours en VF, mais du coup, c’est comme à l’époque), ou le plus mauvais des Batman (en VF encore, mais bon, mauvais pour mauvais…) ? Et pour les couche-tard qui supportent vraiment la VF, un défi : ne pas rire pendant la scène du bunker de La Chute, ultra-détournée sur les internets.
 

Vendredi 30 novembre

Hygiène raciale, de Guillaume Dreyfus – LCP – 20h30

Le vendredi soir, le cinéma se fait rare… Heureusement, entre Thalassa et Koh-Lanta, LCP propose un documentaire de Guillaume Dreyfus, Hygiène raciale, où comment affronter le douloureux souvenir pas si lointain de l’eugénisme.

Quant à ce week-end, louez donc The Deep Blue Sea ou bravez la foule et sortez voir l’exposition Edward Hopper au Grand Palais…