1- Total Recall, de Paul Verhoeven, 1990
2- Travaux, de Brigitte Rouan, 2004
3- Drôle de drame, de Marcel Carné, 1937
4- Le Faucon maltais, de John Huston, 1941
5- Citizen Kane, d’Orson Welles, 1941
6- Liberté Oléron, de Bruno Podalydès, 2000
7- C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel et B. Poelvoorde, 1992
8- Monty Python Sacré Graal, de Terry Jones et Terry William, 1975
9- Michael Kohlhaas, d’Arnaud Des Pallières, 2013
10- Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006
11- Mammuth, de Gustave Kervern et Benoît Delépine, 2010
12- Grease, de Randal Kleiser, 1978
13- On achève bien les chevaux, de Sydney Pollack, 1969
14- Big, de Penny Marshall, 1988
15- 30 ans sinon rien, de Gary Winick, 2004
16- Les Marmottes, de Élie Chouraqui, 1993
17- Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970
18- En quatrième vitesse, de Robert Aldrich, 1955
19- Ascenseur pour l’échafaud, de Louis Malle, 1958
20- L’Année du dragon, de Michael Cimino, 1985
21- Elle, de Paul Verhoeven, 2016
22- Les Délices de Tokyo, de Naomi Kawase, 2015
23- Leviathan, de Andrei Zviaguintsev, 2014
24- L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2002
25- A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013
26- Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, 2002
27- Le Loup de Wall Street, de Martin Scorsese, 2013
28- Porco Rosso, d’Hayao Miyazaki, 1992
29- Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, 1970
30- Vanishing Point (Point limite zéro), de Richard Sarafian, 1971
31- Somewhere, de Sofia Coppola, 2010
32- Drive, de Nicolas Winding Refn, 2011
33- Rain Man, de Barry Levinson, 1988
34- Priscilla folle du désert, de Stephan Elliott, 1994
35- Cold in July, de Jim Mickle, 2014
36- La Balade sauvage, de Terrence Malick, 1973
37- Easy Rider, de Dennis Hopper, 1969
38- Fitzcarraldo, de Werner Herzog, 1982
39- Tchao Pantin, de Claude Berri, 1983
40- Allemagne année zéro, de Roberto Rossellini, 1948
41- La Double Vie de Véronique, de Krzysztof Kieslowski, 1991
42- Profs, de Patrick Schulmann, 1985
43- Diabolo menthe, de Diane Kurys, 1977
44- Green Hornet, de Michel Gondry, 2011
45- Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009
46- Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941
47- Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
48- Twin Peaks, de David Lynch, 1992
49- Prisoners, de Denis Villeneuve, 2013
50- There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, 2007
51- Misery, de Rob Reiner, 1990
52- Touche pas à la femme blanche, de Marco Ferreri, 1974
53- La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011
54- Le Magasin des suicides, de Patrice Leconte, 2012
55- Basic Instinct, de Paul Verhoeven, 1992
56- Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul, 2010
57- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch, 2013
58- Valse avec Bachir, d’Ari Folman, 2007
59- Persona, d’Ingmar Bergman, 1966
60- Belladonna (La Belladonne de la tristesse), de Eiichi Yamamoto, 1973
61- Mademoiselle, de Park Chan-wook, 2016
62- Max et les ferrailleurs, de Claude Sautet, 1971
63- La Règle du jeu, de Jean Renoir, 1939
64- Panic sur Florida Beach, de Joe Dante, 1993
65- Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001
66- The Big Lebowski, d’Ethan et Joel Coen, 1998
67- Indiana Jones et le temple maudit, de Steven Spielberg, 1984
68- The Party, de Blake Edwards, 1968
69- OSS 117 Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009
70- Kill Bill, de Quentin Tarantino, 2003
71- Le Salaire de la peur, d’Henri-Georges Clouzot, 1953
72- The Sorcerer (Le Convoi de la peur), de William Friedkin, 1977
73- Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Milos Forman, 1975
74- Les Innocents, de Jack Clayton, 1961
75- Les Premiers les derniers, de Bouli Lanners, 2015
76- De battre mon cœur s’est arrêté, de Jacques Audiard, 2005
77- Whiplash, de Damien Chazelle, 2014
78- Star Wars 7 : le réveil de la Force, de J. J. Abrams, 2015
79- Holy Motors, de Leos Carax, 2012
80- Spiderman, de Sam Raimi, 2002
81- Fantômas, d’André Hunebelle, 1964
82- Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992
83- Midnight Special, de Jeff Nichols, 2016 (2 images)
84- La Montagne sacrée, d’Alejandro Jodorowsky, 1973
85- Solaris, d’Andreï Tarkovski, 1972
86- Premier contact, de Denis Villeneuve, 2016
87- H2G2, le guide du voyageur galactique, de Garth Jennings, 2005
88- Metropolis, de Fritz Lang, 1927
89- Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, 1994
90- Il était une fois en Amérique, de Sergio Leone, 1984
91- Birdman, d’Alejandro González Iñárritu, 2014
92- Comme un avion, de Bruno Podalydès, 2014
93- Persepolis, de Marjane Satrapi, 2007
94- L’Extase et l’agonie, de Carol Reed, 1965
95- Voyage au bout de l’enfer, de Michael Cimino, 1978
96- L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
97- I comme Icare, d’Henri Verneuil, 1979
98- Marche à l’ombre, de Michel Blanc, 1984
99- Le Magnifique, de Philippe de Broca, 1973
100- Les Ensorcelés, de Vincente Minnelli, 1953
101- Le Cuirassé Potemkine, de Sergei Eisenstein, 1925
102- Les Incorruptibles, de Brian De Palma, 1987
103- La Grande Vadrouille, de Gérard Oury, 1966
104- Les Feux de la rampe, de Charlie Chaplin, 1952
105- Shining, de Stanley Kubrick, 1980
106- Playtime, de Jacques Tati, 1967
107- Ran, d’Akira Kurosawa, 1985
108- Anomalisa, de Charlie Kaufman, 2015
109- Zootopie, de Byron Howard et Rich Moore, 2016
110- Dogville, de Lars von Trier, 2003
111- Léon, de Luc Besson, 1994
112- La Chambre interdite, de Guy Maddin et Evan Johnson, 2015
113- L’Homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, 1976
114- Les Ailes du désir, de Wim Wenders, 1987
115- Une femme est une femme, de Jean-Luc Godard, 1961
116- Incendies, de Denis Villeneuve, 2010
117- Fahrenheit 451, de François Truffaut, 1966
118- Dernier train pour Busan, de Yeon Sang-ho, 2016
119- 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow, 2005
120- Démolition, de Jean-Marc Vallée, 2015
121- Ne nous fâchons pas, de Georges Lautner, 1966
122- La Chèvre, de Francis Veber, 1981
123- Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), « Est-ce que les expériences scientifiques en matière de sexualité servent à quelque chose ? », de Woody Allen, 1972.
124- L’Été de Kikujiro, de Takeshi Kitano, 1999

Si vous n’y êtes jamais allé, c’est l’occasion de voir Vesoul. Disons, du 3 au 10 février 2016. La période y est idéale, puisque l’un des plus intéressants festivals de cinéma s’y déroule : le FICA. Ou Festival international des cinémas d’Asie de Vesoul, une manifestation qui renoue avec son objet, alors que beaucoup d’autres festivals en France et ailleurs ont depuis longtemps oublié leur travail de défricheur, de découvreur, de témoin du monde pour proposer toujours et encore les mêmes métrages. En l’espace d’une semaine, le FICA nous offre un impressionnant panorama de la production cinématographique de l’Asie, du Proche à l’Extrême-Orient, et témoigne ainsi de la vigueur exceptionnelle de ce cinéma multiple. Autour des compétitions fiction (17 longs-métrages de Turquie, Liban, Iran, Kazakhstan, Pakistan, Inde, Bangladesh, Myanmar, Chine, Philippines, Corée et Japon) et documentaire, s’articulent un hommage rare et précieux au cinéma thaïlandais (“Les maîtres oubliés du cinéma thaïlandais”, qui prouve à ses détracteurs qu’on ne peut réduire le Pays du Sourire à Apichatpong Weerasethakul), une sélection qui élime les frontières “Entre l’Orient et l’Occident”, une riche rétrospective coréenne à l’occasion de l’année France-Corée (“Corée : littérature et cinéma”), un hommage au cinéaste israélien Eran Riklis et encore d’autres rendez-vous. Le tout sous l’œil bienveillant d’Im Sang-soo, président du jury de cette 22e édition, et d’une cinquantaine d’autres vénérables invités venus partager leur passion artistique.
Vesoul. Début février. La plus excitante programmation de ce genre en France. Depuis 22 ans.

» Plus d’infos sur le site du Festival international des cinémas d’Asie de Vesoul

Le collage fou, fou, fou

Tout le monde le sait, Star Wars VII sort le 16 décembre et va littéralement envahir la planète cinéma. « Génial », diront les (nombreux) uns, « Oh non, qu’est-ce que je vais bien pouvoir aller voir au cinéma », souffleront les (quelques) autres. Pas d’inquiétude ! Ce même 16 décembre de l’an 15 sort La Chambre interdite, qui va (évidemment) détrôner Star Wars au box-office.

D’un côté, une grosse machine hollywoodienne attendue depuis dix ans, pleine d’acteurs trop payés et de fonds verts. De l’autre, la plus belle poésie qui soit et un pari totalement fou : reprendre les films « perdus » (parce que disparus dans les affres du temps ou jamais réalisés) d’une multitude de réalisateurs classiques, tourner une séquence pour chacun de ces films, et ensuite coller le tout. Les fragments de chaque film ont été tournés en public et en deux temps lors de l’installation Séances (parfois appelée Spiritismes), au Centre Pompidou en 2012 puis au Centre Phi de Montréal en 2013. Résultat – en deux temps aussi : d’abord ce long-métrage, La Chambre interdite, collage hallucinant et fascinant, puis, tout au long de l’année 2016, un site Web qui permettra de visionner des courts-métrages aléatoires et éphémères.

Au centre de ce projet pharaonique et fantasque, Guy Maddin, cinéaste canadien de l’étrange, riche d’une œuvre unique (Ulysse, souviens-toi !, The Saddest Music in the World, Des trous dans la tête…), dont l’imagination et le désir de se renouveler semblent sans limite. Impatients de le rencontrer, on l’était. On s’imaginait quelqu’un de très sérieux quand il s’agit de parler d’art et de cinéma, d’un peu sombre – à l’image de ses films – et de distant, et on a eu tout l’inverse : Guy Maddin est pétri d’humilité et d’autodérision, drôle, volubile, passionnant… et un peu fou. Rencontre dans une galaxie très lointaine.

 
Saviez-vous déjà au moment du tournage au Centre Pompidou que le projet deviendrait un long-métrage ?

Non. Je l’ai compris avant de tourner au Centre Phi. En fait, le seul moyen d’obtenir des financements pour ce projet Internet était d’en faire aussi un long-métrage. On a donc continué de travailler sur Séances, le projet Web, tout en amassant du matériau supplémentaire pour en faire La Chambre interdite.

Vous croyez vraiment au spiritisme ou c’est juste de la performance ?

Si je me trouvais en pleine nuit dans une maison hantée avec des bruits inquiétants, une tempête à l’extérieur, que je sentais la main de quelqu’un sur mon épaule, je serais mort de peur, mais je n’imaginerais pas une seconde qu’il s’agirait d’un fantôme ! En revanche à partir du moment où j’ai une caméra entre les mains, d’une certaine manière, je crois aux fantômes… Les fantômes sont un procédé littéraire et filmique idéal pour parler des souvenirs, de la mémoire, la culpabilité, l’envie, l’amour qu’on a pour ses proches décédés, des lieux importants pour soi… Quand on tient une caméra, c’est bien de croire à ça. Dire que l’on croit aux fantômes, c’est la même chose que dire que l’on croit au cinéma. Quand on va dans une salle, les lumières s’éteignent et on a envie d’être enchanté par le film. On est dans le noir, on a envie de prendre plaisir ; parfois c’est le cas, les lumières se rallument et alors, on décide de croire ou non aux fantômes qu’on vient de voir.

Tourner en public, c’est comment ?

C’est fabuleux. J’avais déjà fait quelques shows en live avec mes films : Des trous dans la tête par exemple, où il y avait un orchestre et des effets spéciaux live, et il y avait un narrateur sur Winnipeg mon amour. Je me sentais comme un showman, ça me donnait l’impression de pouvoir contrôler le niveau d’implication du public, de pouvoir garantir que tout le monde s’amuse et que personne ne s’ennuie et ne sorte. Avec La Chambre interdite, ça a commencé comme ça : j’essayais de créer une ambiance de show sur le plateau pendant le tournage, pour que tout le monde se sente bien et pas sur quelque chose de pro et sérieux. Et à un moment donné ça marche : le public oublie la présence des caméras, les acteurs et le réalisateur oublient la présence du public, c’était génial. Seuls quelques petits incidents nous rappelaient qu’on était en présence du public : des quintes de toux, le regard d’un type me fixant sans arrêt pendant trois jours, même de la nourriture tombant d’un étage sur Charlotte Rampling ! Charlotte a d’ailleurs participé pendant quatre jours, elle a fait quatre films perdus mais n’apparaît que brièvement dans La Chambre interdite. On en garde pas mal pour le Web !

Comment s’est passé le casting des acteurs à Pompidou ?

J’avais un agent qui connaissait bien mon univers et le milieu des acteurs parisiens. Il a su qui pouvait convenir à mon style de films et au côté assez fou du projet. Il a organisé plusieurs rencontres, et j’ai tenté d’expliquer à chacun la nature du projet. Tout le monde a dit oui. Le seul qui n’a pas pu, et que je n’ai pas rencontré, c’est Frederick Wiseman, qui vivait alors à Paris. C’est très drôle d’ailleurs, parce que j’ai maintenant un poste d’enseignant à Harvard à Boston, où il vit également… Je le vois parfois. Peut-être que je vais l’attendre la prochaine fois, j’aurai ma caméra et je le filmerai en train de sortir ses poubelles !

Comment avez-vous présenté le projet aux acteurs ?

Ça prenait à chaque fois beaucoup de temps… Il n’y a pas d’explication en une phrase ! Je n’ai jamais trouvé la meilleure façon de le présenter. J’ai toujours entamé de manière différente, en finissant quand même par retomber sur mes pieds. J’étais plus loquace et plus vif à l’époque, je devais donner l’impression que je savais ce que je faisais ! En tout cas, ils ont accepté, mais ça date d’il y a tellement longtemps maintenant, je suis sûr qu’ils ont oublié entre-temps ! Ils ne s’en souviendront plus en le revoyant, surtout que l’image elle-même a été altérée.

Chaque séquence est construite à partir d’un film perdu : d’où vient ce pari totalement fou ?

Ça a commencé il y a plusieurs années. Je lisais beaucoup d’ouvrages au sujet de mes réalisateurs préférés, et à la fin des livres on trouve souvent une section sur les films qu’ils n’ont jamais terminés ou qui ont été perdus. Parallèlement, au début des années 1990, pour une raison qui m’échappe encore aujourd’hui, je refaisais ces films perdus. Et puis en 2010, je me suis rendu compte que le Web était le support parfait pour parler des films perdus : on peut facilement y diffuser des courts-métrages, faire interagir des fragments, comme si on convoquait des esprits pendant une séance de spiritisme… Les fragments vont se combiner encore et encore pour former de nouveaux films.

C’est le principe du site à venir, dédié au projet…

Oui, il va coller des fragments de manière aléatoire les uns avec les autres et modifier la musique, les couleurs. Le premier film généré par le programme s’appelait Wise Trumpets of the Milky Milk Night ; il durait environ 10 minutes. Je l’ai regardé, puis le programme l’a détruit à jamais ! C’est un programme qui crée un nouveau film à partir de matière perdue et le reperd ensuite. Il y aura une liste exhaustive de tous les titres ainsi créés et perdus. Ça sera comme un Père-Lachaise des films Internet…

Comment avez-vous choisi les films perdus qu’on trouve dans La Chambre interdite ?

J’ai choisi ceux qui semblaient faisables avec notre budget (1). Il y avait beaucoup de kammerspiel [films intimistes allemands des années 1920, ndlr]. On a appris à faire avec pas grand-chose et en public, donc on a choisi des histoires avec peu d’acteurs, qui pouvaient être tournées en intérieur. En arrivant à Montréal, on avait trouvé un moyen pour que les intérieurs ressemblent à des extérieurs… Enfin, à peu près… On avait prévu de tourner également dans d’autres villes, mais le projet s’est effondré, ça demandait trop d’argent, c’était trop fou ! Il devait y avoir un tournage au MOMA à New York, un autre à Winnipeg, ma ville natale, ou encore à la Biennale de Sao Paulo. Quoique ce dernier, c’est moi qui l’aie fait capoter ! Au moment où on devait tourner, il y a eu une montée énorme des meurtres dans la ville, du jamais vu. J’y avais déjà été auparavant et j’avais été témoin de deux kidnappings… Bref, je n’avais plus du tout envie d’y aller ! Et les autres tournages à Winnipeg et New York, ce sont mes producteurs qui les ont laissé filer… Ils n’étaient pas très bons… Mais, soit ! J’ai un film et un site, c’est assez… Mais j’écris tout de même un essai sur tous les titres perdus que je n’ai pas pu réaliser. Je vais peut-être prétendre les avoir tournés, c’est plus facile que de les tourner pour de vrai !

Certaines séquences sont tellement folles que c’est dur d’imaginer qu’il s’agit de vrais films, par exemple avec The Strength of a Moustache, de Mikio Naruse…

Oui, c’est pourtant le cas ! Mais on ne sait pas grand-chose sur ce film… Il y a aussi Fist of A Cripple et Dream Woman, qui sont des films que j’avais vraiment envie de voir, il a donc fallu que je les tourne !

Vous pensez que, d’où ils sont, les réalisateurs vous voient et vous sont reconnaissants d’avoir sorti leurs films de l’oubli ?

Il existe un proverbe anglais qui dit que l’imitation est la plus sincère forme de flatterie. J’espère qu’ils voient ça comme un hommage, un geste d’amour. Je devrais peut-être faire un pèlerinage sur leurs tombes maintenant, et y déverser des pixels, pour faire un geste et m’assurer de la bienveillance de leurs esprits ! Quoique se rapprocher trop de leur corps est peut-être une mauvaise idée, si une main jaillit soudain du sol et m’agrippe. Imaginez l’esprit furieux d’un réalisateur japonais ! Non, je vais les laisser en paix, au pire j’attendrai que leurs avocats morts viennent me chercher des noises…

On a souvent l’impression que vos films parlent de vous ; pourtant avec La Chambre interdite, on dirait plutôt que vous parlez des autres…

Souvent on avait une vague idée de la trame, parfois une affiche, voire juste le titre… Parfois je rêvais de mes angoisses la nuit avant d’écrire un scénario, donc j’y ajoutais cette part de moi ; parfois encore, il s’agit d’histoires qui me sont arrivées. Les deux segments avec Mathieu Almaric – l’un basé sur le film d’Alice Guy-Blaché, Dream Woman, et l’autre sur Blue Mountain Mystery de Lotty Liel – sont en fait réalisés à partir d’événements de ma propre vie… C’est comme pour le film de Mikio Naruse, The Strength of a Moustache : j’étais jeune quand mon père est mort, je rêvais tout le temps qu’il revenait pour récupérer des choses… A chaque fois j’oubliais son enterrement, et j’étais content de le voir réapparaître, de le savoir en vie, et je me disais que j’avais une minute à peine pour le persuader de rester. Mais il repartait toujours avec son autre famille, c’était une visite très brève. Ce souvenir se retrouve dans le film. Dans tous ces fragments il y a des obsessions comme la peur du vagin, c’est beaucoup lié au courage masculin, comme la plupart de mes rêves…

Que répondez-vous à ceux qui considèrent que La Chambre interdite est un film en bordel ?

Je dirais que c’est très bien vu ! Je suis complètement d’accord. Après avoir vu le film, je voudrais que les gens se sentent comme s’ils avaient été rejetés par les flots sur le rivage, ayant à peine survécu à la noyade dans le tourbillon de la narration. Je voulais qu’il y ait une impression de « trop-plein ». Un film qui se replonge dans des œuvres perdues ne pouvait pas être mignon ni court… Il fallait que les gens aient l’impression d’être passés par beaucoup de choses. Il fallait qu’il soit trop long. J’ai toujours lutté pour réduire la durée de mes films, et souvent j’ai échoué. J’aimerais que mes films soient plus concis, qu’ils aient un rythme plus soutenus, qu’ils soient plus courts. Et celui-ci donnera fatalement l’impression d’être trop long… Mais c’est ainsi ! J’aurais été encore plus déçu si après tout ce travail, le film m’avait paru trop court !

D’après vous, qu’est-ce qu’on doit trouver dans un bon film ?

C’est très compliqué, ça ! J’aime les films très populaires – l’un de mes films préférés de ce siècle est Mission : Impossible 4 – mais j’aime aussi Cuadecuc, Vampir, un documentaire d’avant-garde sur le tournage du Dracula de Jess Franco. Le réalisateur, Pere Portabella, a placé sa caméra à côté de celle de Franco et a fait en douce son propre film ! Puis il a enlevé tous les dialogues, ça donne quelque chose de très étrange. J’aime aussi l’installation de Martin Arnold, Deanimated. Il a pris un film avec Bela Lugosi, The Invisible Ghost, et a enlevé numériquement les acteurs et les dialogues pour qu’il ne reste que la caméra qui avance dans des couloirs sombres et vides avec la musique qui va crescendo, sans aucune interaction à l’écran. Ca ne dure que 48 minutes, mais on a l’impression que ça dure deux heures, j’adore ce film. J’aime aussi les films oscarisés des années 1930. Bon, vous avez remarqué que j’ai des goûts très éclectiques, mais ça ne répond pas du tout à votre question…

Oui, mais c’est intéressant.

Je pense qu’un metteur en scène doit savoir exactement ce qu’il fait et le faire très bien, ou ne rien savoir et faire un film complètement fou, ou même un mélange des deux ! J’aime qu’un film soit excentrique, surprenant par sa sophistication ou son étrangeté, j’aime être enchanté par ce que j’ai en face de moi. Voilà, la version concise, c’est ça : j’ai envie d’être pris ! Et dans ce cas, je veux bien faire des efforts pour rester éveillé et concentré. Je me rends bien compte que ma réponse est un vrai bordel, mais c’est la première fois qu’on me pose cette question…

Donc vous aimez les films qui vont jusqu’au bout ?

Oui… Bien sûr, un film qui n’est que fou, c’est très déprimant au bout d’un moment… Il y a ce film japonais, Hausu, de Nobuhiko Obayashi ; j’étais à Harvard quand il l’a présenté. C’est un film qui va au bout de sa folie, qui invente des règles pour les briser deux secondes après. A la fin, le spectateur est épuisé, et face à une pile de règles brisées encore fumantes… Jean Vigo fait un peu la même chose à sa manière. C’est un peu ce que j’ai envie de faire dans mes films, mais ensuite je réalise à quel point un film est un organisme complexe, que je risque de déséquilibrer totalement en faisant ça. Parfois je m’attache plus à l’ambiance, à la musique, la logique ou même au jeu des acteurs, et j’oublie d’autres aspects… C’est compliqué ! Mais j’apprends doucement, je suis déterminé – c’est déjà ça. Si jamais je pouvais atteindre l’âge de 120 ans, je pense qu’en l’an 2075 je ferais de supers films ! Du côté de mon père, les gens meurent jeunes : aujourd’hui [ndlr : le 27 novembre 2015], j’ai 117 jours de plus que mon père à sa mort. Du côté de ma mère les gens meurent vieux, mais dans des fusillades ou des choses comme ça, des triangles amoureux… Si jamais je me fais vieux, j’essaierai d’éviter les triangles amoureux, ou si je trompe quelqu’un je vérifierai qu’elle ne possède pas un gros arsenal.

En France, La Chambre interdite sort le même jour que Star Wars VII : c’est un hasard ?

Non, c’est fait exprès, on va faire quoi ? Se coucher ? Moi je dis « Vas-y Star Wars, montre ce que tu as dans le ventre ! » Plus sérieusement, aux Etats-Unis il y a ces saisons formatées pour la sorties des blockbusters, en été et à Noël. Ce sont des périodes vraiment surchargées. Les autres films, les petits films d’art et essai comme le mien, sortent toujours en dehors de cette période-là. C’est donc un grand moment de ma carrière ! J’adore ! Imaginez juste une seconde que tout le monde se trompe et qu’on s’aperçoive que La Chambre interdite a battu Star Wars au box-office ? C’est le début d’une nouvelle Révolution française…

Apichatpong Weerasethakul a déclaré qu’il adorerait réaliser un jour un gros film avec plein d’explosions, comme il les aime parfois en tant que spectateur. Et vous ?

Je ne sais pas… Je n’ai toujours pas rencontré Apichatpong, mais de temps à autre il envoie un tweet à mon sujet, c’est très gentil et j’aime beaucoup ses films. On se rencontrera un de ces jours ; d’ailleurs on a déjà été dans le même bâtiment une fois, c’était un magasin de DVD à Chicago, et il m’a fait passer un mot par un vendeur. J’ai répondu mais on n’a pas eu l’occasion de se voir. Et quand j’ai présenté La Chambre interdite au TIFF, il a tweeté qu’il avait hâte de le voir. Peut-être que si je fais un gros film à explosion un jour, il pourra venir sur le tournage et on fera exploser les bombes ensemble !

Quel type de spectateur êtes-vous ?

Je ne vais pas souvent seul au cinéma. Un peu plus, récemment, parce que j’enseigne à Harvard et qu’ils ont une très bonne cinémathèque, donc je m’habitue à y aller seul, mais avant j’avais toujours besoin d’être accompagné. Ce qui fait que je vais parfois au cinéma tous les jours, puis des mois entiers passent sans que j’y aille. J’ai donc des lacunes bizarres dans ma cinéphilie. Par exemple je n’ai pas vu les cinq derniers épisodes de Star Wars, il faut que je rattrape tout ça ! J’aime bien aller dans de bonnes salles, des vraies salles art et essai. A Winnipeg, il n’y en a pas. C’est pour ça que j’adore Paris : quand on tournait ici, j’allais tous les soirs au cinéma. Mon éducation cinématographique s’est fait beaucoup par la VHS, c’est donc super de voir ensuite ces films au cinéma. Enfant, j’y allais le matin et j’y passais la journée entière. Je me souviens d’une fois où je suis allé au cinéma en maillot de bain ! J’avais froid avec l’air climatisé, mais en sortant le soir il faisait chaud, alors je me suis réchauffé sur le chemin du retour. C’était une période étrange et enchantée, parfois je voyais six fois le même film…

Quel est votre plus vieux souvenir de cinéma ?

C’était dans un drive-in où mon frère m’avait emmené avec sa copine. Ils étaient à l’avant et moi à l’arrière, et il n’a fait que l’embrasser pendant tout le film. On regardait Les Mille et Une Nuits, avec Maria Montez. C’était sublime, mais on était en hiver et toute cette embrassade provoquait de la buée sur le pare-brise qui gelait… A la fin, je voyais Maria Montez à travers un halo de gel brumeux !

 
La Chambre interdite (The Forbidden Room) de Guy Maddin et Evan Johnson, avec Amira Casar, Maria de Medeiros, Udo Kier, Mathieu Amalric, Charlotte Rampling, Jean-François Stévenin, Jacques Nolot, Géraldine Chaplin, Adèle Haenel, Louis Negin… Canada, 2015. Sortie le 16 décembre 2015.

(1) Liste des films tournés à Paris et Montréal :
A Paris :

Ceux qui ont vu la Palme d’or 2010, Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, éprouvent divers sentiments : de l’émerveillement à l’incompréhension en passant par la stupeur, et même l’ennui. Autant d’émotions que de publics. Il n’empêche qu’Oncle Boonmee offrait une expérience cinématographique inoubliable – à la fois pour le réalisateur, les acteurs, les spectateurs –, empreinte d’émotion, d’onirisme et de spiritualité. Cemetery of Splendour, nouveau film signé du même Apichatpong Weerasethakul, présenté en section Un Certain Regard du 68e Festival de Cannes, repousse encore les frontières connues du septième art.

Sur le papier, l’histoire semble pourtant simple : dans la province thaïlandaise de Khon Kaen, un hôpital de fortune accueille des soldats rendus mystérieusement inconscients. Jenjira se porte volontaire pour s’occuper de Itt, l’un des malades à qui personne ne rend visite, et rencontre Keng, une jeune médium qui aide les familles des soldats. A ce point de départ, Apichatpong ajoute de multiples couches : réflexions sur lui-même, sur son pays, sur le cinéma. Cemetery of Splendour forme une œuvre-somme dont chaque image, chaque dialogue semble fondamental. Le film est nourri de l’enfance du réalisateur, passée à Khon Kaen à l’hôpital (Apichatpong Weerasethakul est fils de médecins), à l’école, dans les cinémas et au lac de la ville. Les fantômes convoqués sont autant ceux du passé que ceux du présent, réveillés par une situation politique désastreuse. Les soldats endormis sont vidés de leur énergie, pompée par les « anciens rois » qui livrent bataille : quand certains metteurs en scène montrent l’horreur pour mieux responsabiliser, Apichatpong Weerasethakul choisit la poésie. Sa métaphore de l’actuelle dictature ne s’imprime pas moins durablement dans l’esprit, laissant au spectateur le choix de prendre ou non conscience de ce qui se joue à l’écran.

Dans Cemetery of Splendour, tout est beau. Itt (Banlop Lomnoi, qui incarnait déjà le soldat de Tropical Malady), Jenjira (Jenjira Pongpas Widner, actrice fétiche du réalisateur), les esprits des sanctuaires, les décombres d’une école abandonnée (parmi lesquels traîne un panneau officiel sur lequel est écrit « Les humains les plus intelligents sont disciplinés »), la visite « virtuelle » et virtuose d’un ancien palais, les soins lumineux des soldats, les mouvements répétés (à l’infini, comme les coups d’Etat ?) des jeunes assis au bord du lac, ou la folle séquence finale, se terminant sur l’espoir d’une chute et de sa « vision époustouflante », vibrante déclaration d’amour d’un Thaïlandais à son pays. Est-ce parce que la censure est là-bas si présente que le cinéma d’Apichatpong parvient autant à s’affranchir de tous les codes ? Cemetery of Splendour joue avec nos attentes, les déjoue, les repousse. Apichatpong Weerasethakul apporte sans appuyer la preuve que le cinéma est une science qui évolue et incarne une liberté artistique sans limite ; difficile, après la vision de ce cimetière de splendeur, de regarder un autre film sans le comparer à l’expérience ultime vécue ici.

 
Cemetery of Splendour (Rak Ti Khon Kaen) d’Apichatpong Weerasethakul, avec Jenjira Pongpas, Banlop Lomnoi… Thailande, Royaume-Uni, France, Allemagne, Malaisie, 2015. En sélection Un Certain Regard au 68e Festival de Cannes. Sortie le 2 septembre 2015.

On associe trop souvent les films aux seuls longs-métrages, ce qui laisse de côté tout un pan fascinant du septième art : les courts-métrages, soit des films de moins d’une heure. En plus d’avoir l’avantage de gagner un temps précieux (qui n’a pas déjà eu la désagréable sensation d’avoir inutilement écourté sa vie en regardant jusqu’au bout un mauvais film de deux heures ?), les courts ont aussi celui d’être souvent de très bons films. La preuve avec ce Côté Court 2014 : du 11 au 21 juin, le Ciné 104 à Pantin va devenir le théâtre d’un art fourmillant de créativité et d’expérimentations.

Depuis 23 ans, Côté Court a notamment récompensé Erik Zonca, Alain Guiraudie, les frères Larrieu, Katell Quillévéré, Hélier Cisterne, Guillaume Brac, et a invité quelques maîtres du septième art – sans distinction de durée : Apichatpong Weerasethakul, Jonas Mekas, Jean-Pierre Léaud, Michael Lonsdale, Damien Odoul, André S.Labarthe, Louis Garrel…

Bref, Côté Court c’est 180 films, 100 artistes présents, 10 jours de festival. Un incontournable au prix tout court : 10 euros.

» Retrouvez toute la programmation sur le site de Côté Court

Après plusieurs projets annoncés puis avortés (King Shot et Les fils d’El Topo) et vingt-trois ans de silence cinématographique, plus personne n’attendait vraiment un nouveau film d’Alejandro Jodorowsky. On s’était presque fait une raison : Jodorowsky était désormais écrivain, prolifique scénariste de bande dessinée et cartomancien à ses heures, mais il était devenu un cinéaste à la retraite. Alors, entendre que son nouveau film, tourné dans le plus grand des secrets, allait être projeté à la 45e Quinzaine des réalisateurs constituait une annonce d’envergure : le paisible papy entouré de ses chats dans son appartement parisien allait redonner vie à ses créatures monstrueuses, à ses héros tourmentés et à son univers surréaliste.

Surprise supplémentaire : La Danse de la réalité est l’adaptation de son propre ouvrage et lève enfin le mystère sur l’enfance du cinéaste. Ou plutôt : une partie du mystère. Car Jodorowsky est un conteur qui préfère la légende au réalisme cru, le symbolisme au fait. Qu’il soit né au Chili de parents immigrés, on n’en doute pas. Que sa mère se pensait diva et veillait affectueusement sur son « petit prince », certainement. Que son père représentait une autorité sèche et crainte, probablement. Mais le symbole agit chez Jodorowsky comme chez personne d’autre (ou alors peut-être chez Apichatpong Weerasethakul, autre électron libre du cinéma) : son processus de création relève davantage de l’écriture automatique et de « l’expérience cérébrale » que d’un souci de raconter une histoire intelligible et comprise intégralement par le plus grand nombre.

Ainsi chaque élément est forcé, chaque personnage fantasmé et chaque situation devient allégorie. Fidèle à ses concepts surréalistes et au mouvement Panique qu’il fonda, l’auteur se laisse dépasser par son univers. Embarqué dans le train de ses pensées, il réalise une œuvre psychique et œdipienne : « Pour moi, ce film est comme une bombe psychologique », admet le réalisateur. Alejandro y joue son propre personnage, quand l’un de ses fils joue son père, un autre le dictateur Ibañez. Derrière l’écran, sa femme réalise les costumes et son fils Adan compose la musique… Le cinéma envisagé comme moteur de la « psychomagie », cette doctrine qui propose de parler le langage de l’inconscient. Le cinéma comme don reçu, et non comme produit.

On retrouve en tout cas dans La Danse de la réalité les obsessions de son auteur et, peut-être, leurs plus lointaines racines : cette fascination pour les monstres de foire et autres freaks qu’Alejandro tient de sa découverte du monde circassien, son inclinaison pour les martyrs, pour la violence et la cruauté. Et, bien sûr, la foi qu’il a en la rédemption après la chute. Autant d’éléments qui, en substance, sont au centre de Fando et Lis, Santa Sangre, La Montagne sacrée et du cultissime El Topo. Adoré par certains, détesté par beaucoup, le cinéma d’Alejandro constitue surtout une promesse : celle d’un « autre chose », un univers singulier, bizarre, théâtral et terriblement original qui imprègne durablement le spectateur.

 
La Danse de la réalité (La Danza de la realidad) de et avec Alejandro Jodorowsky, avec aussi Brontis Jodorowsky, Pamela Flores, Jeremias Herskovits, Cristobal Jodorowsky, Adan Jodorowsky… Chili, France, 2013. Présenté à la 45e Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes. Sortie le 4 septembre 2013.

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Dimanche 14 avril

Elle s’appelait Sarah, de Gilles Paquet-Brenner – 20h45 – France 2
Rien ne va plus, de Claude Chabrol – 20h50 – D8
Point Break, de Kathryn Bigelow – 22h40 – W9
Fantômes contre fantômes, de Peter Jackson – 22h45 – Arte

Oubliez La Rafle, le film de Rose Bosch. Elle s’appelait Sarah montre simplement que l’on peut faire un film sur le même sujet, et sur la culpabilité qui traverse les âges, sans sortir les grosses caisses et les scènes lacrymales. Kristin Scott Thomas fait dans la réserve. Parce qu’elle est à la fois étrangère à cette histoire, et complètement impliquée. Parce qu’elle embarque avec elle des questions et des sentiments, communs à tous.

Chabrol et Isabelle Huppert, c’est toujours incontournable. Rien ne va plus la montre, comme souvent, en manipulatrice, mais ajoute une dose de loufoque dans ce duo mystérieux qu’elle forme avec Michel Serrault.

On change de registre en deuxième partie de soirée, avec les surfers braqueurs déguisés en présidents des Etats-Unis de Point Break. La révélation Keanu Reeves. Le monde de la finance comme adversaire.

Avant d’être le maître de la Terre du Milieu, Peter Jackson réalisait des films de série B, qui ont un peu vieilli, mais sont toujours plaisants. En plus, dans Fantômes contre fantômes, il y a Michael J. Fox.
 

Lundi 15 avril

Monsieur Hire, de Patrice Leconte – 20h50 – HD1
La Maison du diable, de Robert Wise – 20h50 – Arte
Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul – 22h40 – Arte
Grease, de Randal Kleiser – 22h40 – W9

Avec Monsieur Hire, Michel Blanc prend une autre dimension. Fini le franchouillard à moustache, qui espère conclure sur un malentendu. Il devient ici un homme secret et inquiétant. Fascinant.

Changement toujours pour Robert Wise, qui laisse les comédies musicales (West Side Story, La Mélodie du bonheur) pour une maison hantée. Pas n’importe laquelle, La Maison du diable, dans laquelle un scientifique se livre à une expérience avec des sujets réceptifs au surnaturel. Mais à l’image, pas de surnaturel. Des sons, une ambiance. Flippant.

L’Oncle Boonmee, c’est celui qui va mourir et qui entreprend un dernier voyage d’adieu, voyage jonché de fantômes et autres visions du passé. C’est aux antipodes de tout ce que vous avez vu d’autre au cinéma, et qu’on aime ou pas, c’est l’occasion de voir quelque chose d’unique. Avec un poisson en bonus.

Pour une ambiance un peu plus détendue, on peut toujours se réfugier vers Grease, sauf si on s’effraie de cette jeunesse dépravée, qui finit par danser en tenue de cuir après s’être dangereusement adonnée à la course automobile.
 

Mardi 16 avril

Goldeneye, de Martin Campbell – 20h45 – France 2
J’invente rien, de Michel Leclerc – 20h50 – D17

Selon plusieurs sources, France 2, qui diffuse régulièrement des James Bond depuis le début de l’année, le ferait pour la première fois en VM. Le flegme britannique enfin dans toute sa dimension. Avec les débuts de Pierce Brosnan dans le costume, et Tina Turner au générique.

Michel Leclerc a le don de surprendre. Comme il l’avait fait avec Le Nom des gens, il signe avec J’invente rien un film plus fin qu’il n’en a l’air, joliment farfelu, aussi malin que sa “poignette”, invention indispensable.
 

Mercredi 17 avril

L’Homme sans passé, d’Aki Kaurismaki – 20h50 – Arte

L’Homme sans passé, contrairement à Oncle Boonmee, ne se souvient de rien. Mais de rien. Alors il croit en la bonté de son prochain, innocemment. Aki Kaurismaki, éternel optimiste, réenchanteur du monde.
 

Jeudi 18 avril

Une vie à t’attendre, de Thierry Klifa – 20h45 – Chérie 25
Willow, de Ron Howard – 20h45 – 6ter
La Soupe aux choux, de Jean Girault – 20h45 – France 3

Jolie soirée avec Une vie à t’attendre, malgré tout. Parce que la robe de Nathalie Baye vole dans le vent de l’Italie sur une Vespa, parce que les regrets, parce que Stéphane Guillon n’en fait pas des caisses, parce que les seconds rôles, au cinéma, c’est important.

Ou une soirée régressive avec les héros de notre enfance. Un nain persécuté dans un Moyen Age mythologique, ou des vieux papys péteurs face un extraterrestre en combi jaune.

 
Et ce week-end, à moins d’un temps magnifique, regardez quelques westerns nouvellement sortis en DVD, ou quelques fonds de placard cultes.

 
Attention : malgré son titre (« Histoire banale » en français), Mundane History n’a rien de quelconque. Le premier long-métrage d’Anocha Suwichakornpong vient même confirmer avec éclat tout le bien qu’on pensait du septième art thaïlandais de ces dernières années. Injustement réduit à un cinéma poussif, incohérent voire casse-pieds depuis la Palme d’or à Apichatpong Weerasethakul en 2010 pour le pourtant superbe Oncle Boonmee, de plus en plus de réalisateurs viennent trouver écho hors des frontières de la Thaïlande et dans les nombreux festivals européens. C’est le cas de ce Mundane History, récompensé à Breslau, à Rotterdam et en Transylvanie en 2010, qui sort enfin sur les écrans français ce 16 janvier 2013.

Outre un nom à rallonge, Anocha Suwichakornpong partage avec Apichatpong Weerasethakul un goût pour la liberté cinématographique : celle, notamment, de suspendre volontairement le temps du récit, accentuant ainsi dans toute la première partie du film la pesante situation d’une existence qui ne se vit plus vraiment, avant de redonner mouvement – et donc vie – à sa caméra et à son personnage ; la mise en scène se fait plus métaphysique, plus onirique. Ake se livre, il se rêve autrement, s’imagine supernova. Mundane History est frappé d’étrangeté et se regarde alors comme une succession de tableaux sensoriels et cosmiques, à la manière du Tree of Life de Terrence Malick. Anocha Suwichakornpong mêle passé et présent, non sans égarer avec délicatesse un spectateur sous le charme. Ici, la liberté se retrouve aussi dans le choix de lancer le générique après seize minutes de film – comme Apichatpong l’avait fait dans Blissfully Yours -, dans l’utilisation par touches intenses d’une musique aérienne, dans des plans décadrés ou dans une séquence d’accouchement aussi chirurgicale que magnifique.

Œuvre impressionniste, Mundane History n’en est pas moins forte : la réalisatrice propose une réflexion sur la situation politique thaïlandaise à travers la relation entre un fils affaibli, dépendant, et un père tout-puissant. La réussite tient à ne jamais être insistant mais à rester dans cet entre-deux, quelque part entre le pragmatisme terrestre et la spiritualité céleste.

 
Mundane History (Jao nok krajok) de Anocha Suwichakornpong, avec Phakpoom Surapongsanuruk, Arkaney Cherkam, Paramej Noiam, Anchana Ponpitakthepkij. Thaïlande, 2010. Sortie le 16 janvier 2013.

Dimanche 9 décembre

Mon père ce héros, de Gérard Lauzier – Arte – 20h45
Le Seigneur des anneaux – La Communauté de l’anneau – France 2 – 20h45

Arte prend un peu d’avance et nous colle un film de nouvel an alors qu’on a à peine commencé nos films de Noël, mais on leur pardonne. Tout a un peu vieilli dans ce Mon père ce héros, et pas seulement la garde-robe de Catherine Jacob. Gérard Depardieu attendri par une Marie Gillain adolescente, elle-même éprise d’un Patrick Mille blond. Depuis, Depardieu remplit les rubriques faits divers, Marie Gillain cherche à sortir des rôles de trentenaires pétillantes, et Patrick Mille, ex-Chico chez Edouard Baer, se la joue réalisateur intello avec Mauvaise fille.

France 2 préfère les Hobbits à Gérard Depardieu et diffuse le premier volet de la saga de Peter Jackson Le Seigneur des anneaux. La formidable aventure imaginée par Tolkien est superbement mise en scène par le réalisateur néo-zélandais, quoique un peu lente à la mise en route.
 

Lundi 10 décembre

L’Impossible Monsieur Bébé, de Howard Hawks – Arte – 20h50
La Première Folie des Monty Python, de Ian McNaughton – Arte – 22h30
Mekong Hotel, d’Apichatpong Weerasethakul – Arte – 23h55

Katharine Hepburn, Cary Grant et un léopard dans un landau, il en faut peu pour créer une légende… Hitchcock a peut-être fait de lui un espion, mais c’est dans la screwball comedy que Cary Grant excelle, où se mêlent ironie, burlesque et dialogues vifs. L’occasion aussi de trouver que Valérie Trierweiler a un côté Katharine Hepburn. Normal.

Un temps titré “Pataquesse”, La Première Folie des Monty Python est en fait un best of de leur série Monty Python’s Flying Circus retourné pour pénétrer le marché américain. Au final, le film a cartonné en Angleterre… Le sens de l’absurde, toujours. Film à sketchs, donc, avec le fameux Dead Parrott et autres Nudge Nudge, au format un peu étiré. L’occasion surtout de rappeler que le Flying Circus est enfin disponible en DVD.

Mekong Hotel, un film que seul Arte pouvait diffuser. Même les salles de cinéma ont passé leur tour, puisque le dernier long-métrage d’Apichatpong Weerasethakul est allé directement de Cannes au petit écran. Si vous avez vu – et aimé, cela va de soi – Oncle Boonmee, Syndromes and a Century, Blissfully Yours ou Tropical Malady, il faut voir Mekong Hotel. Apichatpong construit chaque film sur le précédent, inéluctablement. Si vous n’avez jamais vu aucune œuvre du prodigieux cinéaste thaïlandais (honte à vous), alors regardez quand même Mekong Hotel, pour savoir ce que “cinéma différent” veut dire.
 

Mardi 11 décembre

Soirée Louis De Funès – France 2 – 20h45
The Faculty, de Robert Rodriguez – D8 – 22h50
Ne le dis à personne, de Guillaume Canet – W9 – 22h20

On se croirait en plein été avec le roi des soirées de M6 au mois d’août, mais attention, service public oblige, pas de Gendarme, seulement une enquête de Laurent Delahousse, qui s’assoit nonchalamment sur un coin de bureau avec ses lunettes pour nous expliquer que le génie comique était en fait un grand angoissé. Ensuite, Le Petit Baigneur, qui certes nous permet d’admirer Louis de Funès en combi de plongée dans un kayak, mais qui n’égale pas le génie absurde de Pouic Pouic (également parfait pour un Premier de l’an).

Sorti du classique Une Nuit en enfer, Robert Rodriguez fait dans le teen movie, genre maître des années 1990. Sauf qu’il y ajoute des monstres mutants, et nous la joue revanche des geeks. Avec Elijah Wood encore tout jeunot, et en VF, avec la voix de fausset qu’on lui a attribuée.

Entre Mon idole – et François Berléand en lapin – et Les Petits Mouchoirs – et un ostréiculteur philosophe et pieds nus -, Guillaume Canet opérait doucement la transition avec un François Cluzet qui joue à fond le type embarqué dans un truc qui le dépasse, et traverse le périph à pied. Toujours une histoire de pieds.
 

Mercredi 12 décembre

Deux heures moins le quart avant Jésus-Christ, de Jean Yanne – France 4 – 20h45

Vous sentez Noël qui approche à petits pas ? Avant de se lancer dans Le Père Noël est une ordure et les bêtisiers, on y va mollo avec ce Deux heures moins le quart avant Jésus-Christ, délicieusement anachronique, totalement absurde. Ben Hur est garagiste, César organise des parties fines dans les catacombes, et on se demande ce que ça peut foutre qu’un gamin soit né à Bethléem. Un peu la VF de La Vie de Brian.
 

Jeudi 13 décembre

Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick – D8 – 20h50
Didier, d’Alain Chabat – TMC – 20h45

Les ravages de la VF font que ce film, le dernier de Stanley Kubrick, ne se termine plus par le mot “fuck“. Et ça, c’est un scandale.

Alain Chabat a une règle de vie, la 3D : Danse, Déconne, Dénonce. Parfaitement à l’œuvre dans Didier, son premier film : il se trémousse avec Isabelle Gélinas sur I Wanna Be Your Dog, Jean-Pierre Bacri menace de l’abandonner dans un parking, et les manifs défilent aux cris de “Ni babord, ni tribord, la nation d’abord.” Le regard canin d’Alain Chabat, ceux désabusé de Bacri et naïf de Lionel Abelanski, et une private joke avec les frères Hazanavicius avant que tout le monde sache prononcer leur nom.

 
Et puisque vendredi il n’y a rien, profitez du week-end – s’il vous reste un peu d’argent – pour faire un tour du côté de l’Italie avec Piazza Fontana ou pour savourer Brad Pitt à contre-emploi avant sa reconversion Chanel n°5 dans Cogan : Killing Them Softly.

 
Mekong Hotel de et avec Apichatpong Weerasethakul. Thaïlande, 2012. Présenté en séance spéciale au 65e Festival de Cannes.

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