Quelque part dans l’Arctique, entre deux aurores boréales. Dans ce village cerné par des dunes de glace, des hommes et des femmes ont choisi d’y vivre, comme si de rien n’était. Si ce n’est que hormis de conduire des voitures, il s’agit de motos-neige et que l’hôpital le plus proche est à quelques heures d’avion. Roman et Lucy ont choisi tous deux cet exil de manteau blanc où s’abriter de leurs douleurs du passé. Ils s’aiment encore comme des adolescents, communiquant assez peu en dehors du langage du corps. Mais quand Lucy ne parvient plus à vaincre les démons qui la rongent et décide de retourner dans le sud, Roman la suit. Ils enfourchent leurs motos-neige et vogue l’aventure dans une immensité immaculée qui ne demande qu’à les emporter à jamais.

Il y a plusieurs films dans Two Lovers and a Bear, le nouveau long du Canadien Kin Nguyen à qui on doit le remarqué Rebelle en 2012. Ici, une histoire d’amour au goût d’impossible (Lucy doit partir, Roman ne l’accepte pas au début). Là, un drame de la vie quotidienne, rongée par l’alcool. Là encore, une comédie (les policiers semblent tout droit sortis du Fargo des frères Coen) ou de l’absurde (Roman discute philosophie et sens de la vie avec un ours blanc… qui lui répond). Le tout pour s’achever dans une aventure de l’extrême mâtinée de fantastique et de thriller angoissant avec fantômes qui ressurgissent et lampes-torches dans une base militaire abandonnée, comme dans un épisode d’X-Files. Ce qui pourrait désarçonner au premier abord les aficionados d’histoires bien ficelées qui ne sortent pas des clous. Ici, rien n’est prévisible.

C’est ce qui fait la saveur de cet ovni cinématographique remarquablement interprété par Dane DeHaan (le nouveau Leonardo DiCaprio, tant par le physique que par la puissance de jeu) et Tatiana Maslany qui passe d’une émotion à une autre en une fraction de seconde. Kim Nguyen continue de forger son univers particulier avec un sens de la mise en scène très travaillé. On n’a jamais vu l’Arctique de cette manière, avec ses cerfs coincés dans une mer gelée, ses paysages lunaires et ses dangers qui rôdent à tout instant. La mort est omniprésente, enveloppe les deux amoureux, prête à les ensevelir. L’ours blanc devient la métaphore d’un démiurge qui avertit Roman de ce qui le guette, comme s’il savait tout ce qui allait advenir. Et le film de se saupoudrer d’une nouvelle couche de neige, avec de la métaphysique. Mais aussi une blague, celle de deux amants, d’un ours et d’une pieuvre qui peut jouer de tous les instruments de musique. Si vous ne la connaissez pas, rendez-vous dans un igloo de fortune mais douillet. Une histoire qui ne donne pas la chair de poule et vous réchauffera le cœur. Un peu comme ce film…

 
Two Lovers and a Bear de Kim Nguyen, avec Dane DeHaan et Tatiana Maslany. Canada, 2016. Présenté à la Quinzaine des Réalisateurs.

Quoi ?
A 62 ans, Gus Van Sant voudrait-il précipiter son ascension cannoise et rejoindre le club des Double-Palmés ? Sea of Trees, aka La Forêt des songes en VF, semble en tout cas constituer un morceau de choix. Comme toujours, Van Sant mêle les sphères de l’intime et du politique, et si ce seizième long-métrage est bien une fiction, il s’inspire d’une histoire collective bien réelle : celle de ces centaines de Japonais qui ont volontairement mis fin à leurs jours dans la forêt d’Aokigahara, une “mer d’arbres” au pied du mont Fuji, lieu idéal, semble-t-il, pour se suicider en toute discrétion. Le héros de Sea of Trees s’appelle Arthur (Matthew McConaughey), et se rend justement là pour faire ses adieux au monde connu. Au moment de passer à l’acte, il tombe sur un homme blessé, Takumi (Ken Watanabe). Instinctivement, il va tenter de le sauver, réveillant en lui-même un sentiment d’humanité et d’espoir.
Un matériau fort, une nature bouleversante servie par la musique de Danny Elfman, deux acteurs à l’aura scintillante : Ken Watanabe et surtout Matthew McConaughey, jadis comédien bodybuildé pour midinettes, désormais artiste incontournable à la filmographie – post-renaissance – exceptionnelle. Sea of Trees promet au moins une intense digression sur l’errance.

Résultat des courses ?
Zut. On a connu Gus Van Sant très inspiré. Ses deux précédents longs-métrages (Restless en 2011 et Promised Land en 2013), sans pour autant être désagréables, l’ont révélé un peu feignant, recyclant ses idées sur l’amour, l’errance, le deuil et la quête de soi, sans plus d’originalité. On aurait souhaité mieux pour ce Sea of Trees, notamment grâce à la promesse d’un casting impeccable et d’une histoire fascinante. Malheureusement, les deux parties du film – imbriquées : le présent dans la forêt japonaise d’Aokigahara, le passé en flash-backs – sont chacune aussi pesantes. Dans cette forêt peuplée des âmes en peine qui y ont passé leurs derniers jours, tout invitait à l’onirisme. Et pourtant Gus Van Sant, bien loin du surréalisme de Last Days ou Elephant, a rarement aussi mal filmé un lieu, qu’il ôte de toute sa poésie et sa mélancolie. Images sans profondeur, forêt sous-exploitée malgré son nom de « mer d’arbres » mérité, seuls quelques cadavres rappellent qu’un mystère se trame. Quant à ce qui amène ici Arthur (impeccable Matthew McConaughey, qui sauve probablement le film) – les fameux flash-backs –, c’est le récit lourd et inconsistant d’un couple qui se déchire. Une histoire bavarde vue et revue, même dans son double dénouement, qui ferait hurler de rire si la décence n’imposait pas un silence poli. A l’horizon, une mer d’ennui.

 
Sea of Trees de Gus Van Sant, avec Ken Watanabe, Matthew McConaughey, Naomi Watts… Etats-Unis, 2015. Présenté en compétition au 68e Festival de Cannes. Sortie le 9 septembre 2015.

Prom’nons-nous dans les bois
Pendant que le loup y est pas

Pour son tout premier film, Jonas Govaerts nous convie à une sympathique partie de braconnage saignant en forêt wallonne. Avec dans le rôle du gibier, une joyeuse meute de petits louveteaux (cub scout en anglais), et, dans celui du rôdeur-traqueur, le kai, une étrange créature des bois. Sempiternelle légende lycanthrope que les monos, Baloo (Stef Aerts) et Akela (Titus De Voogdt), prennent un malin plaisir à agiter aux oreilles des gosses, histoire de pimenter un peu leur virée champêtre.

Si le loup y était,
il nous mangerait…

Et il y est ! Pour le jeune Sam (incarné par l’excellent Maurice Luijten), c’est sûr, il l’a vu. Mais, sur le camp, on reste sceptique. Sam, c’est le profil du gamin inadapté au passé compliqué. Toujours ailleurs, enfoui dans ses rêves. Taciturne et mélancolique… Brebis galeuse au sein de la meute, elle en a fait son bouc émissaire. Govaerts ne manque pas de s’amuser avec cette cruauté enfantine tout ce qu’il y a de plus humaine, en préambule au déchaînement de violence barbare à venir. Et il viendra. La courte séquence d’ouverture ne laisse planer aucun doute là-dessus. Mais Jonas Govaerts prend son temps. Un peu trop. On est d’ailleurs au bord de l’égarement lorsque le cinéaste décide de doubler la menace, encore lointaine, qui vagabonde autour du camp. A celle du kai, il associe celle d’un sombre bonhomme patibulaire vivant reclus sous terre. Un braconnier diabolique et pervers dont les pièges à la mécanique magistralement maléfique parsèment la forêt. Entre branches « épieux », troncs d’arbre « broyeurs » et autres machineries sylvicoles. Deux terreurs, donc, pour deux lignes narratives qui peinent finalement à se fondre l’une dans l’autre, rendant la progression dramatique un brun chaotique. Au point de laisser poindre une sérieuse indifférence quant au sort de ces louveteaux. Mais Govaerts nous rattrape in extremis pour nous offrir une ultime ligne droite totalement enragée (dont une tente truffée de scouts, écrasée par un camion, ou quand le cinéma de genre permet l’inavouable)… Jusqu’au final sans concession, bien que prévisible, quant aux déviances violentes de notre monde moderne.

On évoquerait bien également cet humour grinçant et la douce folie qui font du cinéma belge l’un des plus singuliers. Il y a également cette très belle photographie signée Nicolas Karakatsanis (Bullhead et Quand vient la nuit de Michaël R. Roskam) ou encore la bande-son de Steve Moore, synthétique à souhait. Après s’être frotté au court-métrage et à la série TV, Jonas Govaerts se jette ici dans le grand bain du long avec une proposition certes inégale, souffrant d’un sérieux problème de rythme, mais qui n’en demeure pas moins tout à fait séduisante et prometteuse.

 
Cub de Jonas Govaerts, avec Titus De Voogdt, Stef Aerts, Maurice Luijten, Evelien Bosmans… Belgique, 2014. Sélectionné en compétition au 22e Festival du film fantastique de Gérardmer.

 
Pourquoi avoir choisi de tourner Still the Water sur l’île d’Amami ?

Parce que j’y ai mes racines familiales. Je ne l’ai découverte qu’il y a peu de temps, et j’ai été immédiatement émue par la façon dont les gens y vivent. J’ai eu envie de filmer quelque chose là-bas. Je voulais montrer la façon de vivre des habitants de l’île. Ce n’est qu’après que j’ai imaginé l’histoire et écrit le scénario.

Les habitants d’Amami participent au film, comme par exemple lors de la séquence de la mort d’Isa. Comment s’est passé le tournage ?

En fait, cette scène de la mort d’Isa, nous l’avons construite autour des habitants de l’île. C’est eux qui chantaient cette chanson, qui dansaient, comme s’ils accompagnaient vraiment quelqu’un qui allait mourir. C’est vraiment comme ça que ça se passe là-bas ; il n’était pas question de demander aux habitants de jouer. Il y avait simplement quelques acteurs disséminés au milieu de ces habitants. Nous avons préparé la séquence, il n’était pas question de tourner plusieurs prises, nous avons donc disposé les caméras de façon à pouvoir filmer en une seule fois, sans gêner les habitants de l’île qui apparaissent à l’écran.

C’était donc de l’improvisation ?

On ne pouvait pas leur demander de dire un dialogue, ce ne sont pas des acteurs. Quand ils disent quelque chose, c’est parce qu’ils ont été pris par la scène, c’est de l’improvisation. La seule chose qui était décidée en avance avec eux, c’était l’ordre des chansons. On savait ce qu’on allait chanter en premier puis en deuxième, puis ça a évolué de manière parfaitement naturelle entre les acteurs qui avaient déjà leurs répliques, et les habitants qui n’en avaient pas. Ca a donné ce que vous voyez dans le film…

Une séquence du film se déroule à Tokyo ; souhaitiez-vous opposer la vie tumultueuse de la capitale et la vie traditionnelle d’Amami ?

Je pense que l’une met l’autre en valeur. Je n’ai pas voulu condamner la vie à Tokyo, au contraire il s’y passe des choses formidables. Je pense que pour faire mieux ressortir la différence et la richesse de la vie de la campagne, il fallait aussi montrer la vie de Tokyo, et pour montrer la richesse de Tokyo, il fallait montrer la vie à la campagne. Pour moi, ce ne sont pas deux mondes qui s’opposent mais qui se complètent. Dans le film, je dis des choses sur Tokyo que je pense vraiment : c’est une ville qui est accueillante, d’une certaine manière, où tout est possible ; la campagne c’est le contraire : c’est la proximité avec la nature, avec les éléments, la possibilité de ressentir directement les choses. La coexistence des deux permet de faire mieux ressortir la beauté des deux.

La séquence du typhon évoque le tsunami de 2011 et la catastrophe de Fukushima : est-ce que ces événements ont influencé votre œuvre ?

La nature a toujours eu un rôle très important dans mes films, et la catastrophe de Fukushima n’a rien changé à cela. Une existence en harmonie avec la nature est un thème que je défendais déjà avant, et je continuerai de le faire, ça n’a pas eu d’incidence sur Still the Water. Et ce n’est pas non plus un film post-Fukushima. La beauté de la nature va aussi avec la peur de la nature, tout simplement.

La thématique du cycle de vie et de mort de Still the Water en fait un film-somme…

J’ai déjà parlé un peu de ce thème avant, simplement cette fois, je suis allé au maximum de ma capacité d’expression sur ce sujet, j’ai été au plus loin de ce que je pouvais exprimer sur ce que je pense du cycle de la vie et de la mort. Mes films suivants seront forcément différents.

Le titre original du film, Futatsume no mado, signifie “la deuxième fenêtre”. Quelle est cette deuxième fenêtre ?

La deuxième fenêtre, c’est la porte qui ouvre sur le monde invisible. Lorsqu’on a fini de faire toutes les rencontres que l’on doit faire, on peut parvenir à cette porte, derrière laquelle se trouvent toutes les choses invisibles.

Vous sentez-vous proche d’autres cinéastes qui place la nature au centre de leur œuvre, comme Terrence Malick ?

On me dit souvent que mes films abordent des thèmes similaires à ceux d’Hayao Miyazaki, comme Totoro ou Princesse Mononoke. En revanche il y a une grosse différence entre l’univers de Terrence Malick et le mien, parce que Malick fait partie d’un monde monothéiste, il pense à Dieu, alors que les Japonais pensent à tous les dieux ; il y a une infinité de dieux. Nos deux univers n’ont rien à voir ; nous n’avons pas la crainte d’un Dieu unique terrifiant, dans le panthéisme il y a des dieux partout, nous essayons de vivre en harmonie avec eux.

L’année dernière vous étiez membre du jury à Cannes, que retirez-vous de cette expérience ?

Grâce à cette expérience, ma vision du monde s’est élargie. L’univers de Steven Spielberg et le mien n’ont a priori pas de raisons de se rencontrer – lui travaille avec des budgets considérables à Hollywood, moi je fais de petits films indépendants –, mais grâce à cette alchimie cannoise, j’ai pu parler avec Steven Spielberg et nous avons beaucoup échangé. Il m’a appris beaucoup de choses – et moi aussi, je pense – et notamment à toujours repartir de zéro, à avoir une faim, une soif de cinéma permanente. Aujourd’hui je continue de correspondre avec lui, je dois cela à Cannes.

 
Still the Water de Naomi Kawase avec Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga, Miyuki Matsuda… Japon, 2014. En compétition au 67e Festival de Cannes. Sortie en salle le 1er octobre 2014.

Futatsume no mado, c’est le titre original du nouveau film de Naomi Kawase. Littéralement « La deuxième fenêtre », en japonais. Celle ouverte sur l’invisible. Celle qui fait communiquer les vivants et les disparus, l’avenir et la mémoire, le passé et la tradition… C’est l’histoire de Kaito et Kyoko, deux adolescents vivant sur l’île d’Amami. Une terre où les habitants avancent en harmonie avec la nature et les dieux. C’est ici que les deux adolescents vont découvrir les cycles de la vie, de la mort et de l’amour.

Naomi Kawase dédie son film au souffle de la vie. Portée par le vent et la pluie, bercée par le soleil, sa caméra virevolte. Flotte. Quand passent les typhons, la mer se déchaîne et la réalisatrice japonaise saisit la puissance des gigantesques vagues. S’y enfonce juste avant qu’elles ne se fracassent et ne se reforment à l’infini. Comme chez Hokusai, la mer est vivante. C’est d’ailleurs ce qui effraie le jeune Kaito qui refuse de s’y baigner tandis que Kyoko, sourire enchanteur aux lèvres, y plonge toute habillée. Quand la mort rôde, Kawase suspend le temps pour contempler la lumière du soleil se faufiler entre les branches enlacées d’un arbre plusieurs fois centenaire. Et quand l’amour éclot, c’est dans un majestueux ballet aquatique.

Certains diront que Still the Water pèche par son excès de symbolisme, d’autres que Malick ou Apichatpong leur ont déjà fait le coup de l’infiniment petit et de l’infiniment grand. Tant pis. Son film, paradoxalement plus accessible et plus palpable qu’un Tree of Life ou Oncle Boonmee, résonne comme un hommage aux croyances panthéistes du peuple d’Amami, à l’histoire du Japon, à ses contradictions, à son humilité face aux éléments naturels.

Récit initiatique, ode poétique et métaphysique à la nature, variation terriblement juste et émouvante sur la filiation, conte philosophique sur la mort, Still the Water impose son rythme biologique, ses respirations, ses peurs, ses joies… Il déborde d’amour et ne cache rien de ses incertitudes. Où donc s’envolent les âmes de ceux que nous aimons quand ils quittent la terre ?

 
Still the Water de Naomi Kawase avec Nijirô Murakami, Jun Yoshinaga, Miyuki Matsuda… Japon, 2014. En compétition au 67e Festival de Cannes. Sortie en salle le 1er octobre 2014.

Pourtant All is Lost ne ressemble en rien aux survivals précités, ni aux films de catastrophe maritime qui se font fort de rappeler l’insignifiance de l’homme devant la nature. Non, All is Lost est un drame humain, intime, presque un huis clos dans l’océan. Jeffrey C. Chandor évite l’écueil d’enchaîner les plans sur une mer déchaînée et de montrer un bateau ballotté par une lame de quinze mètres de haut. L’échouement est lent et provient d’une suite hasardeuse d’incidents, non de la légendaire tempête du siècle. Au lieu d’effets visuels grandiloquents, le réalisateur décide de faire confiance à son unique acteur, l’immense Robert Redford qui trouve ici un rôle à sa mesure. Les mots sont superflus, l’émotion passe par le regard, la détermination ou le silence frustré… et bien sûr par la mise en scène : chaque plan est minutieusement pensé et millimétré. A contre-courant des parangons du genre, Chandor réduit le champ au maximum, resserre sa caméra sur son personnage maltraité par les eaux. Se crée un climat totalement anxiogène où le hors-champ et les sons tonitruants deviennent terrifiants. Les rares séquences spectaculaires sont vues par les yeux du marin, elles nous parviennent fantasmées et déformées, presque irréelles.

All is Lost est un film radical qui réussit à dépasser le genre dans lequel il feint de s’enfermer. Presque un thriller, il est aussi une réflexion sur l’existence. Si rien n’est dit, le spectateur s’interroge évidemment sur la présence de cet homme perdu en pleine mer. Que fait-il ici, en retraite du monde des hommes ? Arrivé au crépuscule de sa vie, le marin, qui est aussi un fils, un père, un mari, un ami, a-t-il atteint la sagesse de l’âge qui lui permettra d’affronter une mort certaine ? Les seuls mots prononcés ici sont ceux d’une tristesse résignée, ceux d’un homme qui attend la fin. Comme Le Vieil Homme et la mer ou Moby Dick, All is Lost est aussi une quête initiatique, universelle, celle qui consiste à accepter sa condition, tout en restant digne.

 
All is Lost de Jeffrey C. Chandor, avec Robert Redford. Etats-Unis, 2013. Présenté hors compétition au 66e Festival de Cannes. Sortie le 11 décembre 2013.

Pour ce projet, les réalisateurs ont embarqué sur un bateau de pêche intensive au départ du port de New Bedford, ancienne capitale mondiale de la pêche à la baleine. Et quand on dit « embarqué », le terme est à prendre au sens littéral : des caméras GoPro ont été fixées un peu partout sur le bateau, donnant des angles inédits, des points de vue surprenants… La caméra fait ainsi partie du bateau, elle y est viscéralement attachée et c’est donc ainsi que nous vivrons ce voyage, au risque de ne pas s’y retrouver. La perte de repères est une figure de style tout au long du film, en témoigne le plan d’ouverture où le spectateur met quelque minutes avant de comprendre où il est et ce qu’il se passe. Leviathan n’est pas le suivi documentaire d’une profession : c’est la retranscription d’un ressenti. La mer, la sauvage, l’impitoyable, la déchaînée. C’est un roman de Melville, c’est l’étoffe des légendes ; on n’aurait pas été surpris de voir surgir un Kraken dans ce film, l’ombre des grands mythes marins hante le film, on comprend soudain ce qu’inspire la mer à l’homme (citation de Renaud interdite sous peine de sanctions pénales).

Comme tous les films non-narratifs (pas de commentaires, pas de vrai discours), c’est une expérience qui se vit plus qu’elle ne se raconte. Cela dit, c’est une belle excuse pour ne pas vraiment critiquer un film et se réfugier derrière sa beauté formelle sidérante. Ce qui impressionne le plus dans Leviathan c’est la tranquillité, la routine qui s’en détache. Ces hommes font ce qu’ils font, peut-être depuis des siècles, ces carcasses d’animaux nous hantent depuis toujours. Sans chercher à épater la galerie avec des plans inédits, du « jamais vu », le documentaire révèle avant tout une activité ancestrale, un lien entre l’homme et la nature qui a toujours été là, de manière très naturelle, normale… La banalité révélée de ces plans est en elle-même ce qu’il y a de plus sidérant. Ces plans à couper le souffle ne sont finalement que les traces de quelque chose qui nous précède et nous survivra.

La communion avec les éléments et la lutte que nous menons contre eux. Leviathan nous fait vivre cette relation paradoxale avec talent et malgré tout avec un regard posé, attentif. On ne sort pas forcément ébranlé de ce film, plutôt avec l’impression d’avoir pris part à un voyage initiatique dont on n’a pas encore toutes les clés.

 
Leviathan de Véréna Paravel et Lucien Castaing-Taylor. Angleterre, France, Etats-Unis, 2012. Sortie le 28 août 2013.

Dimanche 21 avril

Micmacs à tire-larigot, de Jean-Pierre Jeunet – 20h45 – France 2
Le Masque de fer, d’Henri Decoin – 20h50 – HD1
La Gloire de mon père, d’Yves Robert – 20h45 – 6ter
La Guerre des mondes, de Byron Haskin – 22h15 – Arte
Old Boy, de Park Chan-wook – 0h15 – France 4

Avant, la part d’ombre de Jean-Pierre Jeunet s’appelait Marc Caro. Et ça donnait des films drôles et noirs, poétiques et désespérés. Mais depuis quelques années, Jeunet n’est que lumière, stratagèmes et un brin de nostalgie. Micmacs à tire-larigot, comme son titre, est un peu suranné, un peu déjà vu, mais pas forcément déplaisant.

On ne s’éloigne pas avec Le Masque de fer. On pense toujours recyclage de thèmes et stratagèmes alambiqués. En fait, il faut qu’on vous dise : Leonardo DiCaprio, c’est Jean Marais.

L’été est là, subitement. Alors pourquoi on n’irait pas se perdre dans la garrigue, écouter chanter les cigales, et célébrer La Gloire de mon père ?

Par contre, une fois la nuit tombée, la part d’ombre refait surface. Les Martiens envahissent la Terre de 1953, et La Guerre des mondes vaut le détour en matière de lasers et soucoupes volantes. Et on mange du poulpe avec Old Boy, dans un désir de folle vengeance. Folie à voir aussi.
 

Lundi 22 avril

Sur mes lèvres, de Jacques Audiard – 20h50 – HD1
Microcosmos, de Claude Nuridsany et Marie Pérennou – 20h45 – Gulli
Home, de Yann Arthus-Bertrand – 20h45 – 6ter
Blueberry, de Jan Kounen – 22h35 – Arte

Avec Sur mes lèvres, Jacques Audiard filmait déjà le handicap, mais sans Marion Cotillard et sans moignons. Mais avec la rage de Vincent Cassel et l’innocence d’Emmanuelle Devos. L’attirance des contraires et le rapprochement des paumés. Audiard filme l’apprentissage des mauvaises manières comme personne.

Pour les insensibles à l’immense talent d’Emmanuelle Devos, il n’y a que celui de la nature pour rivaliser. C’est au choix, les insectes de Microcosmos en très gros plan, la Terre vue du ciel mais qui va mal de Home, ou les ravages du chamanisme sur le cinéma de Jan Kounen et le jeu de Vincent Cassel dans Blueberry.
 

Mardi 23 avril

Iron Man, de Jon Favreau – 20h50 – M6

Comme souvent, le superhéros est aussi un homme. Iron Man ne naît pas superhéros, il le devient. Tel un Bruce Wayne, il choisit de défendre la veuve et l’orphelin dans un costume et une grandiloquence un peu ridicules, ce qui les rend forcément plus intéressants qu’un Superman qui se contente de dissimuler sa superforce dans le costume d’un homme invisible. Tony Stark, marchand d’armes le jour et justicier la nuit, c’est aussi Robert Downey Jr, drôle et cynique, acteur parfois aussi troublé et troublant que son personnage.
 

Mercredi 24 avril

The Wrestler, de Darren Aronofsky – 20h50 – Arte
Fantômas, d’André Hunebelle – 20h45 – France 4

Ce soir, on est taquin à la télévision. On brouille les pistes. Avec la tête de Mickey Rourke dans The Wrestler, on ne sait pas si on n’est pas, par hasard, tombé dans Fantômas.
 

Jeudi 25 avril

Place Vendôme, de Nicole Garcia – 20h45 – Chérie 25

En cette semaine de l’égalité, ce n’est pas un hommage à Christiane Taubira que propose Chérie 25, mais la part d’ombre, là encore, de l’autre visage de la place Vendôme. Les joailliers, qui sombrent dans l’alcool ou se suicident, remontent la piste de diamants à Anvers, et surtout, ne se remettent pas des regrets de leur jeunesse. Catherine Deneuve boit, pleure, crie, mais reste Catherine Deneuve. La classe.

 
Et pour agrémenter votre fin de semaine, on vous rappelle la sortie récente en DVD des excellents Hauts de Hurlevent, Main dans la main et Ernest & Célestine.

 
Pierre Rabhi, au nom de la terre de Marie-Dominique Dhelsing. France, 2013. Sortie le 27 mars 2013.

Mais commençons par les faits : tourné sur une période de cinq ans à travers 25 pays, Samsara a de quoi vous couper le souffle, la beauté de certains plans est saisissante, implacable. Selon le site officiel c’est un documentaire non-narratif ; pourquoi pas, on a juste envie d’appeler ça un poème. Le film traite des thèmes liés à son titre, le « Samsara » étant en gros le cycle des vies en souffrance avant d’atteindre le Nirvana. Le voyage inclut donc des sites aussi prestigieux que bien connus (Petra, La Mecque, Monument Valley) mais aussi des univers qui le sont beaucoup moins. Le tout filmé en 70 mm avec une infinie précision. Certains objecteront que tout ça a un côté Des Racines et des Ailes. Sauf qu’ici l’absence de commentaire n’impose pas une et unique lecture des plans. Il ne s’agit pas de « faire beau » mais d’être face à une beauté qui nous dépasse, d’être mis en situation avec l’incroyable complexité du monde et de la civilisation humaine ; le spectateur est invité à cogiter, à faire son propre chemin. Alors évidemment le film est plutôt orienté vers la « folie » du monde moderne, vers l’opposition entre moments de quiétude et ambiances contemporaines démesurées. C’est la « suite » du précédent film du réalisateur, Ron Fricke, Baraka (1992). Une œuvre dans la même veine, bien que Samsara soit plus focalisée sur les « gens ».

L’autre référence est bien sûr Koyaanisqatsi (1983), de Godfrey Reggio et filmé par Ron Fricke. Premier de son genre, le film bénéficie d’une musique originale de Philip Glass, c’est un chef-d’œuvre absolu, référence ultime en la matière pour ce genre de films. Pour en savoir plus sur les « autres » documentaires non-narratifs, il existe un site qui répertorie ces films avec la liste (presque) complète des lieux de tournages.

Samsara est une expérience hors norme, un voyage fabuleux entre stupeur et incompréhension. Dans un monde aussi aseptisé que le nôtre, c’est un film qui détonne dans le paysage cinématographique : ici, le spectateur est invité à se perdre, à se confronter, à s’oublier, à réfléchir. Chaque visionnage peut s’avérer différent, les sensations changent selon l’humeur qu’on « apporte ». Mais une chose demeure, dans ce cycle éternel et implacable, la sensation que nous vivons dans un monde qui menace de nous échapper à chaque instant, que la présence d’un chacun est infime et pourtant chargée de sens. On ne comprend rien de nouveau en sortant de Samsara, on est juste mis en face de l’écrasante responsabilité d’être là, ici et maintenant. Face au monde et dans le monde, impuissant et omniscient. Seuls avec nos questions, seuls à déterminer les multiples niveaux de lecture d’un film qui en appelle avec une infinie modestie à notre Humanité. Whatever that means…

 
Samsara de Ron Fricke. Etats-Unis, 2011. Sortie le 27 mars 2013.