La Reine des neiges, de Chris Buck et Jennifer Lee, 2013.
La Bûche, de Danielle Thompson, 1999.
Maman j’ai raté l’avion (Home Alone), de Chris Columbus, 1990.
Edward aux mains d’argent, de Tim Burton, 1992.
La vie est belle (It’s a Wonderful Life), de Frank Capra, 1946.
Le Chant du Missouri (Meet Me in St Louis), de Vincente Minnelli, 1944.
The Night Before, de Jonathan Levine, 2015.
Tokyo Godfathers, de Satoshi Kon, 2003.
Love Actually, de Richard Curtis, 2003.
Love Story, de Arthur Hiller, 1970.
Un conte de Noël, d’Arnaud Desplechin, 2008.
Elle, de Paul Verhoeven, 2016.
Citizen Kane, de Orson Welles, 1941.
Joyeux Noël, de Christian Carion, 2005.
L’Arbre de Noël, de Terence Young, 1969.
Quand Harry rencontre Sally, de Rob Reiner, 1989.
La Course au jouet, de Brian Levant, 1996.
Big, de Penny Marshall.
Tous en scène (The Band Wagon), de Vincente Minnelli, 1953.
Le Parrain 2, de Francis Ford Coppola, 1974.
L’Étrange Noël de Monsieur Jack, de Henry Selick, 1993.
Joyeux Noël, Charlie Brown ! (aka Un Noël à la Charlie Brown, A Charlie Brown Christmas), de Bill Melendez, 1965.
Jésus de Nazareth, de Franco Zeffirelli, 1977.
Tout… sauf en famille, de Seth Gordon, 2008.
Le Miracle sur la 34e rue, de George Seaton, 1947.
Le Père Noël, de Alexandre Coffre, 2014.
Santa & Cie, de Alain Chabat, 2017.
Bad Santa, de Terry Zwigoff, 2003.
Le Grinch, de Ron Howard, 2000.
Black Christmas, de Bob Clark, 1974.
Gremlins, de Joe Dante, 1984.
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, 1999.
Lolita malgré moi (Mean Girls), de Mark Waters, 2005.
Iron Man 3, de Shane Black, 2013.
Hara-kiri : mort d’un samouraï (Ichimei), de Takashi Miike, 2011.
Lady Snowblood, de Toshiya Fujita, 1973.
Lucky Luke, de James Huth, 2009.
OSS 117, Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009.
Brice de Nice, James Huth, 2005.
The Artist, Michel Hazanavicius, 2011.
Le Grinch, de Yarrow Cheney et Scott Mosier, 2018.
Piège de cristal (Die Hard), de John McTiernan, 1988.
Kiss Kiss Bang Bang, de Shane Black, 2005.
Au service secret de sa majesté, de Peter Hunt, 1969.
Bons baisers de Bruges, de Martin McDonagh, 2008.
L’Arme fatale, de Shane Black, 1987.
Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941.
Carol, de Todd Haynes, 2015.
Diamants sur canapé (Breakfast at Tiffany’s), de Blake Edwards, 1961.
Gatsby le magnifique (The Great Gatsby), de Jack Clayton, 1974.
Le Père Noël est une ordure, de Jean-Marie Poiré, 1982.
Harry Potter et l’Ordre du phénix, de David Yates, 2007.
Les Rois mages, de Bernard Campan et Didier Bourdon, 2001.
Maman j’ai encore raté l’avion (Home Alone 2 : lost in New York), de Chris Columbus, 1992.
Un fauteuil pour deux (Trading Places), de John Landis, 1983.
La Belle et le clochard, de Clyde Geronimi, Wilfred Jackson et Hamilton Luske, 1955.
La La Land, de Damien Chazelle, 2016.
Le Noël de Mickey, de Burny Mattinson, 1983.
Le Drôle de Noël de Scrooge, de Robert Zemeckis, 2009.
Fantômes en fête, de Richard Donner, 1988.
Noël chez les Muppets, de Brian Henson, 1992.
Fanny et Alexandre, d’Ingmar Bergman, 1982.
Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy, 1963.
Les Bronzés font du ski, de Patrice Leconte, 1979.
Les Marmottes, d’Elie Chouraqui, 1993.
La Guerre des Rose, de Danny de Vito, 1980.
Brazil, de Terry Gilliam, 1985.
Le Pôle express, de Robert Zemeckis, 2004.
La Boum, de Claude Pinoteau, 1980.
Un jour sans fin, de Harold Ramis, 1993.

Tous les films :

La Soupe aux choux, de Jean Girault, 1981
Gens de Dublin, John Huston, 1987
Festen, de Thomas Vinterberg, 1998
Mes meilleurs copains, de Jean-Marie Poiré, 1988
Le Grand Blond avec une chaussure noire, d’Yves Robert, 1972
Une femme douce, de Robert Bresson, 1969
Une femme douce, de Serguei Loznitsa, 2017
De l’amour, de Jean Aurel, 1964
La Fiancée du pirate, de Nelly Kaplan, 1969
Buffalo 66, de Vincent Gallo, 1998
Mon roi, de Maiwenn, 2015
Les Evadés, de Frank Darabont, 1994
Boulevard du crépuscule, de Billy Wilder, 1950
Vol au-dessus d’un nid de coucous, de Milos Forman, 1975
Shining, de Stanley Kubrick, 1980
Batman, de Tim Burton, 1989
Hoffa, de Danny de Vito, 1993
Full Metal Jacket, de Stanley Kubrick, 1987
Mes meilleures amies, de Paul Feig, 2011
Les Diaboliques, de Henri Georges Clouzot, 1954
Hamburger Film Sandwich, de John Landis, 1977
Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon, d’Elio Petri, 1970
Bernard et Bianca, de Wolfgang Reitherman, Art Stevens et John Lounsbery, 1977
Cendrillon, Walt Disney, 1950
Le Roi Lion, Walt Disney, 1994
Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980
Alice au pays des merveilles, Walt Disney, 1951
OSS 117 : Le Caire nid d’espions, de Michel Hazanavicius, 2006
The Voices, de Marjane Satrapi, 2014
Le Chat, de Pierre Granier-Deferre, 1971
L’Aventure des Ewoks : la caravane du courage, de John Korty, 1984
Petit paysan, d’Hubert Charuel, 2017
King of Pigs, de Yeon Sang-ho, 2011
Eva, de Kike Maillo, 2011
Le Festin nu, de David Cronenberg, 1991
Lettre d’une inconnue, de Max Ophüls, 1948
Un éléphant ça trompe énormément, de Yves Robert, 1976
Possession, d’Andrzej Zulawski, 1981
La Mariée était en noir, de François Truffaut, 1968
Mélodie en sous-sol, de Henri Verneuil, 1962
Le Privé, de Robert Altman, 1973
Bananas, de Woody Allen, 1971
Punch Drunk Love, de Paul Thomas Anderson, 2002
Les Malheurs d’Alfred, de Pierre Richard, 1972
Requiem for a Dream, de Darren Aronofsky, 2000
Hors Satan, de Brunot Dumont, 2011
Mort à Venise, de Luchino Visconti, 1971
Franz, de Jacques Brel, 1971
Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, 2015
Quelques jours avec moi, de Claude Sautet, 1988
Que la fête commence, de Bob Fosse, 1980
Kagemusha, l’ombre du guerrier, d’Akira Kurosawa, 1980
La Forteresse noire, de Michael Mann, 1983
Les Sorcières de Salem, de Raymond Rouleau, 1952
Le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene, 1920
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, 1999
Haxan – la sorcellerie à travers les âges, de Benjamin Christensen, 1922
Chute libre, de Joel Schumacher, 1993
Le Charme discret de la bourgeoisie, de Luis Bunuel, 1972
Toni Erdmann, de Maren Ade, 2016
Big Boss, de Lo Wei, 1971
Jour de fête, de Jacques Tati, 1949
Christophe Colomb, de Ridley Scott, 1992
Blade Runner, de Ridley Scott, 1982
Thelma & Louise, de Ridley Scott, 1991
Alien, de Ridley Scott, 1979
Underground, d’Emir Kusturica, 1995
Les nains aussi ont commencé petits, de Warner Herzog, 1970
L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
Ah ! si j’étais riche, de Michel Munz et Gérard Bitton, 2002
Titicut Follies, de Frederick Wiseman, 1967
The Big Lebowski, de Joel Coen, 1998
Dans la chaleur de la nuit, de Norman Jewison, 1967
Retour vers le futur, de Robert Zemeckis, 1985
Toy Story, de John Lasseter, 1995
Chicken Run, de Nick Park et Peter Lord, 2000
Blanche-Neige et les 7 nains, de David Hand, 1937
Le Château dans le ciel, d’Hayao Miyazaki, 1986
Zombillénium, de Arthur de Pins et Alexis Ducord, 2017
Sans toit ni loi, d’Agnès Varda, 1985
La Ballade de Narayama, de Keisuke Kinoshita, 1958
A Beautiful Day, de Lynne Ramsay, 2017
Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson, 1997
Small Soldiers, de Joe Dante, 1998
Les Dents de la mer, de Steven Spielberg, 1975
Django Unchained, de Quentin Tarantino, 2012
Le Guépard, de Luchino Visconti, 1963
Devine qui vient dîner, de Stanley Kramer, 1967
On aura tout vu, de Georges Lautner, 1976
L’Incorrigible, de Philippe de Broca, 1975
Rubber, de Quentin Dupieux, 2010
Le Dernier des hommes, de Friedrich Wilhelm Murnau, 1924
Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry, 2004
Antichrist, de Lars von Trier, 2009
L’Effrontée, de Claude Miller, 1985
Ma femme est une actrice, de Yvan Attal, 2001
Jacky au royaume des filles, de Riad Sattouf, 2014
La Femme sur la lune, de Fritz Lang, 1929
Pépé le Moko, de Julien Duvivier, 1937
Le Blob (Danger planétaire) , de Irvin S. Yeaworth Jr.
L’Homme qui rétrécit, de Jack Arnold, 1957
L’Homme au bras d’or, d’Otto Preminger, 1955
Le Cri du sorcier, de Jerzy Skolimowski, 1978
Last Action Hero, de John McTiernan, 1993
Soudain l’été dernier, de Joseph Mankiewicz, 1959
L’homme qui voulut être roi, de John Huston, 1975
The Burbs (Les Banlieusards) , de Joe Dante, 1989
All is Lost, de J. C. Chandor, 2013
Le Placard, de Francis Veber, 2000
Le Dîner de cons, de Francis Veber, 1998
Les Compères, de Francis Veber, 1983
Les Fugitifs, de Francis Veber, 1986
L’Emmerdeur, de Edouard Molinaro, 1973
Coup de torchon, de Bertrand Tavernier, 1981
Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy, 1963
Zero Theorem, de Terry Gilliam, 2013
La Dernière Vague, de Peter Weir, 1977
Usual Suspects, de Bryan Singer, 1995
Un ticket pour l’espace, de Eric Lartigau, 2006
Ne vous retournez pas, de Nicolas Roeg, 1973
Poltergeist, de Tobe Hooper, 1982

1- Total Recall, de Paul Verhoeven, 1990
2- Travaux, de Brigitte Rouan, 2004
3- Drôle de drame, de Marcel Carné, 1937
4- Le Faucon maltais, de John Huston, 1941
5- Citizen Kane, d’Orson Welles, 1941
6- Liberté Oléron, de Bruno Podalydès, 2000
7- C’est arrivé près de chez vous, de Rémy Belvaux, André Bonzel et B. Poelvoorde, 1992
8- Monty Python Sacré Graal, de Terry Jones et Terry William, 1975
9- Michael Kohlhaas, d’Arnaud Des Pallières, 2013
10- Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006
11- Mammuth, de Gustave Kervern et Benoît Delépine, 2010
12- Grease, de Randal Kleiser, 1978
13- On achève bien les chevaux, de Sydney Pollack, 1969
14- Big, de Penny Marshall, 1988
15- 30 ans sinon rien, de Gary Winick, 2004
16- Les Marmottes, de Élie Chouraqui, 1993
17- Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970
18- En quatrième vitesse, de Robert Aldrich, 1955
19- Ascenseur pour l’échafaud, de Louis Malle, 1958
20- L’Année du dragon, de Michael Cimino, 1985
21- Elle, de Paul Verhoeven, 2016
22- Les Délices de Tokyo, de Naomi Kawase, 2015
23- Leviathan, de Andrei Zviaguintsev, 2014
24- L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2002
25- A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013
26- Good Bye Lenin, de Wolfgang Becker, 2002
27- Le Loup de Wall Street, de Martin Scorsese, 2013
28- Porco Rosso, d’Hayao Miyazaki, 1992
29- Zabriskie Point, de Michelangelo Antonioni, 1970
30- Vanishing Point (Point limite zéro), de Richard Sarafian, 1971
31- Somewhere, de Sofia Coppola, 2010
32- Drive, de Nicolas Winding Refn, 2011
33- Rain Man, de Barry Levinson, 1988
34- Priscilla folle du désert, de Stephan Elliott, 1994
35- Cold in July, de Jim Mickle, 2014
36- La Balade sauvage, de Terrence Malick, 1973
37- Easy Rider, de Dennis Hopper, 1969
38- Fitzcarraldo, de Werner Herzog, 1982
39- Tchao Pantin, de Claude Berri, 1983
40- Allemagne année zéro, de Roberto Rossellini, 1948
41- La Double Vie de Véronique, de Krzysztof Kieslowski, 1991
42- Profs, de Patrick Schulmann, 1985
43- Diabolo menthe, de Diane Kurys, 1977
44- Green Hornet, de Michel Gondry, 2011
45- Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009
46- Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941
47- Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas
48- Twin Peaks, de David Lynch, 1992
49- Prisoners, de Denis Villeneuve, 2013
50- There Will Be Blood, de Paul Thomas Anderson, 2007
51- Misery, de Rob Reiner, 1990
52- Touche pas à la femme blanche, de Marco Ferreri, 1974
53- La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011
54- Le Magasin des suicides, de Patrice Leconte, 2012
55- Basic Instinct, de Paul Verhoeven, 1992
56- Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul, 2010
57- Only Lovers Left Alive, de Jim Jarmusch, 2013
58- Valse avec Bachir, d’Ari Folman, 2007
59- Persona, d’Ingmar Bergman, 1966
60- Belladonna (La Belladonne de la tristesse), de Eiichi Yamamoto, 1973
61- Mademoiselle, de Park Chan-wook, 2016
62- Max et les ferrailleurs, de Claude Sautet, 1971
63- La Règle du jeu, de Jean Renoir, 1939
64- Panic sur Florida Beach, de Joe Dante, 1993
65- Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001
66- The Big Lebowski, d’Ethan et Joel Coen, 1998
67- Indiana Jones et le temple maudit, de Steven Spielberg, 1984
68- The Party, de Blake Edwards, 1968
69- OSS 117 Rio ne répond plus, de Michel Hazanavicius, 2009
70- Kill Bill, de Quentin Tarantino, 2003
71- Le Salaire de la peur, d’Henri-Georges Clouzot, 1953
72- The Sorcerer (Le Convoi de la peur), de William Friedkin, 1977
73- Vol au-dessus d’un nid de coucou, de Milos Forman, 1975
74- Les Innocents, de Jack Clayton, 1961
75- Les Premiers les derniers, de Bouli Lanners, 2015
76- De battre mon cœur s’est arrêté, de Jacques Audiard, 2005
77- Whiplash, de Damien Chazelle, 2014
78- Star Wars 7 : le réveil de la Force, de J. J. Abrams, 2015
79- Holy Motors, de Leos Carax, 2012
80- Spiderman, de Sam Raimi, 2002
81- Fantômas, d’André Hunebelle, 1964
82- Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992
83- Midnight Special, de Jeff Nichols, 2016 (2 images)
84- La Montagne sacrée, d’Alejandro Jodorowsky, 1973
85- Solaris, d’Andreï Tarkovski, 1972
86- Premier contact, de Denis Villeneuve, 2016
87- H2G2, le guide du voyageur galactique, de Garth Jennings, 2005
88- Metropolis, de Fritz Lang, 1927
89- Pulp Fiction, de Quentin Tarantino, 1994
90- Il était une fois en Amérique, de Sergio Leone, 1984
91- Birdman, d’Alejandro González Iñárritu, 2014
92- Comme un avion, de Bruno Podalydès, 2014
93- Persepolis, de Marjane Satrapi, 2007
94- L’Extase et l’agonie, de Carol Reed, 1965
95- Voyage au bout de l’enfer, de Michael Cimino, 1978
96- L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
97- I comme Icare, d’Henri Verneuil, 1979
98- Marche à l’ombre, de Michel Blanc, 1984
99- Le Magnifique, de Philippe de Broca, 1973
100- Les Ensorcelés, de Vincente Minnelli, 1953
101- Le Cuirassé Potemkine, de Sergei Eisenstein, 1925
102- Les Incorruptibles, de Brian De Palma, 1987
103- La Grande Vadrouille, de Gérard Oury, 1966
104- Les Feux de la rampe, de Charlie Chaplin, 1952
105- Shining, de Stanley Kubrick, 1980
106- Playtime, de Jacques Tati, 1967
107- Ran, d’Akira Kurosawa, 1985
108- Anomalisa, de Charlie Kaufman, 2015
109- Zootopie, de Byron Howard et Rich Moore, 2016
110- Dogville, de Lars von Trier, 2003
111- Léon, de Luc Besson, 1994
112- La Chambre interdite, de Guy Maddin et Evan Johnson, 2015
113- L’Homme qui venait d’ailleurs, de Nicolas Roeg, 1976
114- Les Ailes du désir, de Wim Wenders, 1987
115- Une femme est une femme, de Jean-Luc Godard, 1961
116- Incendies, de Denis Villeneuve, 2010
117- Fahrenheit 451, de François Truffaut, 1966
118- Dernier train pour Busan, de Yeon Sang-ho, 2016
119- 40 ans toujours puceau, de Judd Apatow, 2005
120- Démolition, de Jean-Marc Vallée, 2015
121- Ne nous fâchons pas, de Georges Lautner, 1966
122- La Chèvre, de Francis Veber, 1981
123- Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), « Est-ce que les expériences scientifiques en matière de sexualité servent à quelque chose ? », de Woody Allen, 1972.
124- L’Été de Kikujiro, de Takeshi Kitano, 1999

Mais chez le réalisateur de Gremlins, Hurlements et Piranha, la formule est à prendre au premier degré. Max doit bel et bien enterrer Evelyn,son ex. Ou plutôt la réenterrer vu que cette dernière, sorte de Bree Van de Kamp en plus jeune, plus blonde et plus green, a eu la drôle d’idée de revenir d’entre les morts après qu’un bus l’a violemment percutée. Les raisons de la résurrection resteront assez floues. Est-ce le pacte qu’a signé le jeune couple en se promettant d’être toujours et « à jamais » ensemble ? Est-ce cette étrange petite figurine de Satan que Joe Dante s’empresse de casser en mille morceaux avant de la jeter aux oubliettes, là où d’autres en auraient fait le pivot de leur histoire ? Peu importe en fait. Une chose est sûre : plus l’idylle pourrit, plus la copine devenue zombie, s’effrite.

Passons rapidement sur le scénario bien ficelé et les dialogues bien sentis qui questionnent gentiment le bien-fondé des couples, de la vie à deux, du mariage et la difficulté de quitter quelqu’un de peur de blesser. Et venons-en à ce qui nous touche le plus.

Dante qui s’amuse à détourner tous les clichés, tous les passages obligés de la comédie horrifique – même le jet de vomi, ici du liquide d’embaumement que dégobille la copine-revenante. Dante multiplie les clins d’œil aux fans du genre et embarque avec lui, les néophytes dans une joie contagieuse. Comprendra les clins d’œil qui veut, fera partie de l’aventure qui passe par là.

Max, le vendeur de farces et attrapes n’aspirant qu’à ouvrir sa propre boutique, c’est un peu Joe Dante, bien sûr. Lui et son cinéma qui divertit, conjure le mauvais sort, fait du bien. Lui qui est un peu nostalgique aussi d’une époque où les farces horrifiques étaient légion, où le cinéma se bricolait. Où l’on se prenait moins au sérieux. Lui qui se sent peut-être un peu seul maintenant que Wes Craven est parti et que son lointain cousin Sam Raimy vogue vers d’autres contrées.

Alors on garde cette jolie scène dans laquelle Max et Olivia, la nouvelle petite amie avec qui il a tant de points communs (le secret de l’amour qui dure, selon Dante ?), se baladent dans le Hollywood Forever Cemetery, énumérant les John Huston, Peter Lorre et autres disparus chers au réalisateur et au genre fantastique. Burying The Ex, c’est un peu ce cimetière. Un terrain verdoyant où sont enterrés de vieux films, des acteurs mythiques, des ingrédients magiques. Une zone de jeu à tiroirs sur laquelle on déambule avec enthousiasme.

 
Burying The Ex de Joe Dante, avec Anton Yelchin, Ashley Greene, Alexandra Daddario Wilson… Etats-Unis, 2014.

Hara-kiri de Takashi Miike, avec Ebizo Ichikawa, Eita Nagayama, Hikari Mitsushima, Naoto Takenaka…

Quand il ne tourne pas six films par an, adaptant tout et n’importe quoi, Takashi Miike fait la démonstration qu’il sait être un cinéaste génial. Illico je pondère ce jugement à l’emporte-pièce car cette boulimie a tout de même produit de sacrées petites perles. C’est avec une certaine jubilation que je me souviens du polar poisseux Rainy Dog, des croustillants portraits de Ley Lines, des saillies poétiques dans The Bird People in China, des Prisonniers du paradis, de La Mélodie du malheur, des scènes de torture d’Audition…
Je suis un fan transi du bonhomme (Gozu, Visitor Q, Family, Ichi The Killer…) même si parfois, mais c’est rare (chez Miike, il y a toujours un petit quelque chose à prendre), la consternation me gagne (Zebraman, Yatterman…). Il y a deux ans, Miike envoyait déjà du lourd avec 13 Assassins, un jidaï-geki (film historique) rigoureux sur la forme et passionnant sur le fond.
Rebelote avec Hara-kiri : mort d’un samouraï qui m’a bluffé de bout en bout. Ce n’est pas le genre de film qui vous lâche après le générique de fin. Vos bonbons collent au papier un bon bout de temps. Je rassure les admirateurs, Miike ne s’encroûte pas, son cinéma se libère et se bonifie.
Pose un peu ta caméra Takashi, prends ton temps.
L’histoire est celle d’un samouraï déchu, Hanshiro, qui, en 1617, vient frapper à la porte d’un chef de clan pour lui demander le droit d’accomplir devant lui et ses guerriers un suicide rituel. Le chef Kageyu se méfie : il a fait l’objet, quelque temps plus tôt, d’une requête analogue de la part d’un usurpateur, un jeune ronin famélique nommé Motome.
Le premier quart d’heure, on se dit – mince, j’ai tout compris, l’affaire est pliée ! Que nenni ! Hara-kiri vous bringuebale dans le temps, la tension va crescendo et là, c’est le drame. Le vrai, celui du film.
Si vous aimez les moments forts en émotion, vous serez comblés. La photographie est à tomber de beauté, les acteurs également. Je n’ai pas vu le film dans sa version 3D. Profitez-en pour revoir ou découvrir la version du grand Kobayashi. Et pour relire la critique du film au Festival de Cannes.
Disponible en DVD, Blu-ray et version 3D chez Carlotta.

» Commander le DVD de Hara-kiri

The Hole 3D de Joe Dante avec Teri Polo, Haley Bennett, Chris Massoglia…

Un petit mot pour vous rappeler qu’un cinéaste génial, Joe Dante, a réalisé en 2009 The Hole, un chouette trip d’horreur injustement ignoré à sa sortie. On y retrouve le Joe Dante des familles, de l’enfance, des premières amours, celui que l’on aime.
L’homme n’a jamais développé un seul projet sans y ajouter son grain de sel, le fameux couplet sur l’apprentissage social. Chaque personnage se remet en question. Toujours.
Sinon, The Hole, c’est un trou dans le garage, un trou profond avec des esprits et des grosses bébêtes. Un film simple comme bonjour et bien bonnard. Vive Joe Dante ! En 3D, ou pas.
Disponible en DVD et Blu-ray 3D chez CTV International.

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Les Révoltés de l’île du diable de Marius Holst, avec Benjamin Helstad, Trond Nilssen, Stellan Skarsgård….

Norvège. Début du XXe siècle. Les vents polaires frappent les murs de Bastoy, centre de redressement pour jeunes délinquants. Forteresse de pierre plantée sur une île, il est impossible de s’évader. Bastoy a fait sa réputation sur sa rigoureuse gestion de l’humain entre coups de trique et punition collective. Erling et Ivar intègrent un groupe de pensionnaires. Accepteront-ils les châtiments ?
Lu comme ça, le pitch sent le réchauffé. D’ailleurs, le scénario n’est pas très original ; les gamins ne supportant plus les brimades se rebellent contre le directeur et son surveillant général et, pour les moins cassés d’entre eux, ne rêvent que de fuite. Sauf que ça envoie du bois de cagette ! Les personnages aux caractères franc du collier tiennent la route. Les mômes marqués au fer rouge peinent à cacher leurs intentions.
On sent l’application du réalisateur à ne pas foirer son film autant qu’à ne pas salir la mémoire des anciens pensionnaires. Tiré d’une histoire vraie, Les Révoltés de l’île du diable (quel titre débile) mérite d’être vu et le respect. La longue séquence de ladite révolte est haletante. Une réussite, une belle surprise. En bonus un documentaire sur l’orphelinat (ou pénitencier) de Bastoy.
Disponible en DVD et Blu-ray chez Filmedia.

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Faust d’Alexandre Sokourov, avec Johannes Zeiler, Anton Adasinsky, Isolda Dychauk…

L’an 2011. Venise. Darren Aronofsky et ses collègues jurés offrent à Faust la récompense suprême, le Lion d’or. Une audacieuse récompense quand on sait que le film tourné au format 1:33 (image carrée, couleur sépia) nous ramène 150 ans en arrière à l’époque où la pellicule sentait les tripes à la graisse d’urus. Les 20 premières minutes demandent un minimum d’effort mais sachez que votre abnégation sera récompensée.
Quel film mes aïeux ! Cette libre adaptation du roman de Goethe clôt la tétralogie sur le pouvoir commencée avec Moloch puis Taurus et Le Soleil.
XIXe siècle. Allemagne. Le docteur Faust taillade la chair, éviscère, fouille les entrailles à la recherche de l’âme. Sous ces airs graves, Faust peine à masquer sa véritable nature. C’est un homme mauvais. Au bord de la ruine, ignoré par son père, il se tourne vers un vieil usurier qui promet de lui révéler le secret de la vie. Sous le prêteur se tapis le Diable. Marguerite, une jeune lavandière innocente, ensorcelle le docteur. Le piège se referme.
Sokourov nous promène à travers les bas-fonds d’une ville anonyme. La bête immonde y traîne ses guêtres. Dans les ruelles flotte une odeur méphitique. La fragrance du Malin ne vous quitte plus, vous pénètre, vous empoisonne.
Œuvre sensorielle par excellence, Faust excite notre sensibilité, pouvant tout à fait inspirer à la fois répugnance et fascination. Le film passionne jusqu’à son dénouement, saisissant de beauté. L’enfer est un paradis.
Les séquences choc se suivent mais ne se ressemblent pas. Vous vous souviendrez longtemps de la balade sous les arbres. Comme pour un film de Bela Tarr, ne ratez l’expérience sous aucun prétexte.
Disponible en DVD et Blu-ray chez blaqout.

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Dernière séance de Laurent Achard, avec Pascal Cervo, Karole Rocher, Charlotte Van Kemmel, Brigitte Sy…

Derrière sa caisse enregistreuse, Sylvain, programmateur et projectionniste, accueille les derniers spectateurs d’un cinéma de quartier qui vit ses dernières heures. Il sait qu’il doit quitter sa tanière du sous-sol, sa chambre, ses souvenirs. Après chaque séance, Sylvain sort la nuit. Pour tuer.
Un thriller français efficace, sans effet tapageur, bien écrit, bien construit, avec des acteurs et actrices qui se donnent, ça existe bel et bien ! Dernière séance n’invente rien sauf de respecter à la lettre les codes d’un genre depuis longtemps mal mené par les olibrius adeptes du torture porn. Du coup, cette histoire classique de tueur en série nous saute à la gueule. Le style dépouillé sert le réalisme des situations. Laurent Achard sait faire monter la sauce. Glauque à souhait. Conseillé.
Disponible en DVD chez Epicentre films.

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Miss Bala de Gerardo Naranjo, avec Stephanie Sigman, Noe Hernandez, James Russo, José Yenqué…

Laura, prétendante au titre de Miss Beauté, est kidnappée par un cartel de la drogue mexicain. Au mauvais endroit, au mauvais moment. Ses ravisseurs lui assignent de sales besognes, la torturant mentalement et physiquement. Prise au piège, trop impliquée, Laura ne voit pas d’issue à ce cauchemar.
Miss Bala a tout du film de festival ; réalisme ultraconvaincant, puissant, terrorisant. Ces bandes organisées, armées jusqu’aux dents (qui n’ont rien à voir avec les gangs d’ados), copines comme cochon avec les pouvoirs locaux, fichent la trouille. Le cinéaste essaie de nous faire comprendre que le fonctionnement mexicain, gangrené jusqu’à la moelle par les affaires, repose sur un système où la corruption est une religion. Tout comme Laura, nous nous sentons les otages des bandidos. Peu de films m’ont à ce point terrifié.
L’intrigue un peu trop linéaire dessert le possible développement de sujets forts (rapport entre trafics de drogue et nouvelle organisation sociale du pays). Cette immersion au cœur du mal ne laisse pas de marbre. Stephanie Sigman, de tous les plans, crève l’écran.
Disponible en DVD chez Ad Vitam.

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Le Déserteur de Martin Huberty, avec Paul Fox, Tom Hardy, Aitor Merino…

Le Déserteur est l’adaptation de l’autobiographie de Simon Murray (aujourd’hui homme d’affaires), Anglais engagé dans la Légion étrangère à l’âge de 19 ans qui a participé au conflit franco-algérien.
Aussi, les poncifs, tant ils s’accumulent, sont légion ; la guerre c’est moche, l’armée c’est difficile, les officiers supérieurs c’est des méchants, les cailloux dans les rangers ça fait mal aux pieds.
Tourné en 2002, nous comprenons mieux la raison d’une sortie DVD en 2012. Le Déserteur ne sait pas sur quel pied danser. Film d’action, film de guerre, brûlot politique ? C’est un peu tout et rien à la fois mais surtout de la confusion.
L’image est léchée et la mise en scène tout à fait correcte. Tom Hardy, aujourd’hui nouveau chouchou d’Hollywood, porte avec classe l’uniforme de Murray. Tentez l’aventure si le cœur vous en dit.
Disponible en DVD et Blu-ray chez Aventi.

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Bienvenue dans l’enfer de Dante

Qui n’a pas déjà vu Gremlins ? L’histoire de Billy, à qui on offre un Mogwai nommé Gizmo en précisant qu’il ne faut jamais, au grand jamais, l’exposer à la lumière du soleil, le mouiller ou le nourrir après minuit a fait le tour du monde. Réalisé en 1984, produit par Steven Spielberg et plus gros succès de son réalisateur, Gremlins a su séduire – et effrayer – jeunes et moins jeunes. Car tout a une double lecture chez Joe Dante : si le divertissement est de mise, il s’efface souvent derrière un discours plus acerbe. Si la petite ville de Kingston Falls semble paradisiaque, avec ses rues recouvertes de neige et ses décorations de Noël hautes en couleur, elle cache une noirceur qu’il ne faut pas chercher longtemps (ses atroces drames familiaux, ses habitants racistes, lâches ou cruels). Et si Gremlins semble a priori destiné aux enfants, avec son Mogwai craquant et niais au possible, le film comporte pourtant son lot de scènes carrément terrifiantes : la séquence de la cuisine dans laquelle la mère de Billy lutte pour sa survie et son espace de liberté («Mais tu vas sortir de ma cuisine ! », hurle-t-elle en poignardant une des bébêtes visqueuses), la mutation du Gremlin à crête blanche qui se jette dans la piscine, et l’apothéose finale avec liquéfaction du même Gremlin.

Bref, sous ses airs de gentille comédie horrifique, Gremlins est un authentique film d’épouvante, qui prend le spectateur par la main pour l’emmener dans le tendre souvenir de son enfance avant de le précipiter dans le monde lugubre et grotesque des cauchemars nocturnes. Et c’est aussi une charge critique visionnaire contre la société. Lorsque le vieux propriétaire du Mogwai vient récupérer son bien, il lance : « Je vous avais prévenu ! Avec Mogwai arrive plein de responsabilités, mais vous ne m’avez pas écouté… Vous voyez ce qui se passe ? Vous faites avec Mogwai ce que la société a fait avec tous les dons que la nature lui a offerts. Vous ne comprenez pas ! Vous n’êtes pas prêts… » Et ce, bien avant qu’on crie au danger de l’exploitation de la planète et que l’écologie devienne (enfin) un sport national.

Double jeu

Mais surtout, comme chaque élément de Gremlins possède son antagoniste, ses images elles-mêmes ont leur double lecture. Au même titre que Steven Spielberg, Brian De Palma, Wes Craven (d’autres cinéastes de sa génération) ou plus récemment Quentin Tarantino, Joe Dante est un cinéaste de l’allusion et de la référence. Peut-être même plus versé dans cet art que ses confrères, il manie la citation visuelle avec jubilation et acuité. Depuis le génial The Movie Orgy (1), fresque géante qui se nourrit de l’histoire populaire des Etats-Unis à travers le cinéma et la télévision, Dante n’a eu de cesse de se référer à d’autres œuvres, de les intégrer à ses films, voire de les recycler (sous la forme d’autoréférences, à ses propres œuvres, donc). Contrairement à la littérature qui peut, avec l’ingénieuse invention des guillemets, pratiquer sans heurts l’intertextualité (quoique certains ont manifestement encore leur ticket d’entrée pour le plagiat pur et simple), le cinéma ne jouit pas de cette facilité. Si d’aucuns crient au vol en regardant Kill Bill, la plupart reconnaissent l’hommage d’un réalisateur brillant aux films de sa jeunesse. En matière de guillemets, Dante utilise à l’envi un écran de télévision (dans Gremlins, une scène de L’Invasion des profanateurs de sépultures dans la petite lucarne préfigure la dangereuse métamorphose des Mogwais), une étagère de bibliothèque, un bureau (l’ouvrage The Howl d’Allen Ginsberg est ostensiblement posé sur une table dans Hurlements), une ambiance sonore, et bien sûr la profondeur de champ, mine d’or pour tout réalisateur qui aime faire des gags quasi invisibles.

Dante joue avec le spectateur. Là aussi se cache un double sens : d’abord le cinéaste joue avec les nerfs du spectateur, par exemple lorsqu’il met en parallèle la véritable attaque du loup-garou de Hurlements avec un cartoon montrant le grand méchant loup sur une télé allumée dans la pièce. Si de la séquence naît un ressort comique, le contraste entre les deux scènes amène surtout la tension à son paroxysme : puisque le loup à la télé appartient à une fiction, c’est que celui devant nos yeux est tout à fait réel. A cet égard, Joe Dante n’aura de cesse dans Hurlements de rappeler au spectateur que tout ce à quoi il assiste est vrai, l’ironie fonctionnant comme la cerise sur le gâteau d’une œuvre ultraréférencée et parfaitement maîtrisée. Autre exemple, les smileys qu’on retrouve çà et là dans presque toutes ses réalisations – Gremlins, Hurlements, Explorers, Small Soldiers, le récent The Hole… – et qui, invariablement, sont annonciateurs de mauvais présages. Car c’est enfin cela, le jeu de Dante avec le spectateur : il joue en compagnie de celui-ci. Grâce à toutes ces références, devenues parfois des autoréférences à mesure qu’on les retrouve dans ses différents métrages, Dante, qui de son propre aveu, est son spectateur idéal (2), prolonge le plaisir du public. Le cinéma ne forme plus qu’un tout, avec des mondes qui se font sans cesse écho. Libre au spectateur de chercher la référence, de la comprendre. De revoir les films, encore et encore, et d’en saisir toujours plus de détails comme pour terminer un immense jeu de pistes. Une satisfaction plus élitiste que le simple clin d’œil, parce que plus érudite et tournée vers l’autre.

Caméo Meha

En bon cinéphage, Joe Dante partage d’ailleurs sa passion. Lorsqu’il crée le site Trailers from Hell en 2007 (3), c’est pour réhabiliter, non sans humour, tous ces classiques oubliés qui ont nourri l’enfance d’une génération de cinéphiles. Et lorsqu’il tourne Hurlements, qu’il donne à ses personnages le nom d’anciennes gloires du cinéma fantastique, c’est, en filigrane, pour crier aux spectateurs : « Si ce film vous a plu, allez en voir d’autres, aller voir Le Loup-garou de George Waggner ! » Quant à Gremlins, relever ici toutes les références qu’il contient gâcherait le plaisir de visions multiples, et surtout confinerait à la liste interminable… Au-delà de citations immédiates parce que fameuses (le « Téléphone maison » lâché par un Gremlin avant d’arracher les fils électriques de l’appareil ou le pastiche de Flashdance au Dorry’s Tavern), d’autres plus singulières jonchent l’œuvre. Qui a en effet repéré d’emblée la marquise de cinéma affichant les films A Boy’s Life et Watch the Skyes, respectivement titres de travail de E.T. et de Rencontres du troisième type ? Qui a reconnu Steven Spielberg sur un vélo électrique regardant une scène de Poltergeist au Salon des inventeurs, qui a remarqué la machine à remonter le temps en arrière-plan de la même scène, ou encore les références à Capra et Hitchcock ? Qui a noté le dessin de Lon Chaney Jr se transformant en loup-garou sur un bureau ou celui du piranha sous les pieds du Mogwai, augurant déjà des dangers à venir ? Alors, une envie de revoir Gremlins ?

Depuis cinquante ans le réalisateur de Panic sur Florida Beach clame son amour pour le septième art, qu’il défendait déjà dans les colonnes de magazines avant d’officier pour Roger Corman (tiens, qui est cet homme dans la cabine téléphonique d’Hurlements ?). Devenu un passeur de culture à travers ses emprunts au cinéma et aux autres arts, nul doute qu’en voyant à son tour ses œuvres pastichées, détournées et adorées par toute une génération de geeks cinéphiles, à l’instar des créateurs d’Air Cinema, le cinéaste affiche un sourire satisfait de savoir la relève existante et toujours aussi insolente.

(1) Coréalisé avec Jon Davison entre 1969 et 1975, The Movie Orgy est un immense montage de sept heures d’extraits de films, de dessins animés, d’émissions télé, de publicités, sans cesse remis à jour pendant les six années de sa réalisation. Inédit, montré une seule fois en France au Festival du film d’Amiens en 2011 dans une version réduite à 4h30, The Movie Orgy constitue les prémices du colossal héritage pop de Joe Dante.
(2) A la question « Quel serait votre spectateur idéal ? » posée par Frank Lafond, Joe Dante répond : « Moi ! Ce que je veux dire, c’est que je les fais pour moi. […] si vous ne faites pas un film que vous iriez voir, comment pourriez-vous vous en sentir proche ? Ce doit être quelque chose qui vous parle. » in Joe Dante, l’art du je(u), Frank Lafond, Rouge Profond, 2011.
(3) Trailersfromhell.com. Cocréé en 2007 par Joe Dante, Trailers from Hell redonne une place méritée aux vieux films de genre en proposant pour chacun une bande-annonce et un commentaire vidéo.

Depuis 31 ans Amiens organise son propre festival de cinéma, en marge des grosses manifestations cannoises ou normandes. Outre des hommages et des rétrospectives, une compétition permet de mettre en avant des oeuvres inédites et de soutenir un cinéma rare et singulier : cinéma d’Afrique, d’Amérique latine, courts-métrages européens. 2011 rend par ailleurs hommage à deux réalisateurs, en leur présence : le cinéaste iranien Mohammad Rasoulof et Joe Dante, qui aura pour l’occasion carte blanche et présentera ses films préférés. Seront également à l’honneur les chefs-opérateurs du Mexique avec la rétrospective intitulée “Lumières mexicaines”, le cinéma gabonais, le studio d’animation estonien Nukufilm, ainsi que le compositeur Bernard Herrmann, qui a collaboré avec les plus grands cinéastes américains.

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