Tous les films :

La Soupe aux choux, de Jean Girault, 1981
Gens de Dublin, John Huston, 1987
Festen, de Thomas Vinterberg, 1998
Mes meilleurs copains, de Jean-Marie Poiré, 1988
Le Grand Blond avec une chaussure noire, d’Yves Robert, 1972
Une femme douce, de Robert Bresson, 1969
Une femme douce, de Serguei Loznitsa, 2017
De l’amour, de Jean Aurel, 1964
La Fiancée du pirate, de Nelly Kaplan, 1969
Buffalo 66, de Vincent Gallo, 1998
Mon roi, de Maiwenn, 2015
Les Evadés, de Frank Darabont, 1994
Boulevard du crépuscule, de Billy Wilder, 1950
Vol au-dessus d’un nid de coucous, de Milos Forman, 1975
Shining, de Stanley Kubrick, 1980
Batman, de Tim Burton, 1989
Hoffa, de Danny de Vito, 1993
Full Metal Jacket, de Stanley Kubrick, 1987
Mes meilleures amies, de Paul Feig, 2011
Les Diaboliques, de Henri Georges Clouzot, 1954
Hamburger Film Sandwich, de John Landis, 1977
Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon, d’Elio Petri, 1970
Bernard et Bianca, de Wolfgang Reitherman, Art Stevens et John Lounsbery, 1977
Cendrillon, Walt Disney, 1950
Le Roi Lion, Walt Disney, 1994
Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980
Alice au pays des merveilles, Walt Disney, 1951
OSS 117 : Le Caire nid d’espions, de Michel Hazanavicius, 2006
The Voices, de Marjane Satrapi, 2014
Le Chat, de Pierre Granier-Deferre, 1971
L’Aventure des Ewoks : la caravane du courage, de John Korty, 1984
Petit paysan, d’Hubert Charuel, 2017
King of Pigs, de Yeon Sang-ho, 2011
Eva, de Kike Maillo, 2011
Le Festin nu, de David Cronenberg, 1991
Lettre d’une inconnue, de Max Ophüls, 1948
Un éléphant ça trompe énormément, de Yves Robert, 1976
Possession, d’Andrzej Zulawski, 1981
La Mariée était en noir, de François Truffaut, 1968
Mélodie en sous-sol, de Henri Verneuil, 1962
Le Privé, de Robert Altman, 1973
Bananas, de Woody Allen, 1971
Punch Drunk Love, de Paul Thomas Anderson, 2002
Les Malheurs d’Alfred, de Pierre Richard, 1972
Requiem for a Dream, de Darren Aronofsky, 2000
Hors Satan, de Brunot Dumont, 2011
Mort à Venise, de Luchino Visconti, 1971
Franz, de Jacques Brel, 1971
Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, 2015
Quelques jours avec moi, de Claude Sautet, 1988
Que la fête commence, de Bob Fosse, 1980
Kagemusha, l’ombre du guerrier, d’Akira Kurosawa, 1980
La Forteresse noire, de Michael Mann, 1983
Les Sorcières de Salem, de Raymond Rouleau, 1952
Le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene, 1920
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, 1999
Haxan – la sorcellerie à travers les âges, de Benjamin Christensen, 1922
Chute libre, de Joel Schumacher, 1993
Le Charme discret de la bourgeoisie, de Luis Bunuel, 1972
Toni Erdmann, de Maren Ade, 2016
Big Boss, de Lo Wei, 1971
Jour de fête, de Jacques Tati, 1949
Christophe Colomb, de Ridley Scott, 1992
Blade Runner, de Ridley Scott, 1982
Thelma & Louise, de Ridley Scott, 1991
Alien, de Ridley Scott, 1979
Underground, d’Emir Kusturica, 1995
Les nains aussi ont commencé petits, de Warner Herzog, 1970
L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
Ah ! si j’étais riche, de Michel Munz et Gérard Bitton, 2002
Titicut Follies, de Frederick Wiseman, 1967
The Big Lebowski, de Joel Coen, 1998
Dans la chaleur de la nuit, de Norman Jewison, 1967
Retour vers le futur, de Robert Zemeckis, 1985
Toy Story, de John Lasseter, 1995
Chicken Run, de Nick Park et Peter Lord, 2000
Blanche-Neige et les 7 nains, de David Hand, 1937
Le Château dans le ciel, d’Hayao Miyazaki, 1986
Zombillénium, de Arthur de Pins et Alexis Ducord, 2017
Sans toit ni loi, d’Agnès Varda, 1985
La Ballade de Narayama, de Keisuke Kinoshita, 1958
A Beautiful Day, de Lynne Ramsay, 2017
Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson, 1997
Small Soldiers, de Joe Dante, 1998
Les Dents de la mer, de Steven Spielberg, 1975
Django Unchained, de Quentin Tarantino, 2012
Le Guépard, de Luchino Visconti, 1963
Devine qui vient dîner, de Stanley Kramer, 1967
On aura tout vu, de Georges Lautner, 1976
L’Incorrigible, de Philippe de Broca, 1975
Rubber, de Quentin Dupieux, 2010
Le Dernier des hommes, de Friedrich Wilhelm Murnau, 1924
Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry, 2004
Antichrist, de Lars von Trier, 2009
L’Effrontée, de Claude Miller, 1985
Ma femme est une actrice, de Yvan Attal, 2001
Jacky au royaume des filles, de Riad Sattouf, 2014
La Femme sur la lune, de Fritz Lang, 1929
Pépé le Moko, de Julien Duvivier, 1937
Le Blob (Danger planétaire) , de Irvin S. Yeaworth Jr.
L’Homme qui rétrécit, de Jack Arnold, 1957
L’Homme au bras d’or, d’Otto Preminger, 1955
Le Cri du sorcier, de Jerzy Skolimowski, 1978
Last Action Hero, de John McTiernan, 1993
Soudain l’été dernier, de Joseph Mankiewicz, 1959
L’homme qui voulut être roi, de John Huston, 1975
The Burbs (Les Banlieusards) , de Joe Dante, 1989
All is Lost, de J. C. Chandor, 2013
Le Placard, de Francis Veber, 2000
Le Dîner de cons, de Francis Veber, 1998
Les Compères, de Francis Veber, 1983
Les Fugitifs, de Francis Veber, 1986
L’Emmerdeur, de Edouard Molinaro, 1973
Coup de torchon, de Bertrand Tavernier, 1981
Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy, 1963
Zero Theorem, de Terry Gilliam, 2013
La Dernière Vague, de Peter Weir, 1977
Usual Suspects, de Bryan Singer, 1995
Un ticket pour l’espace, de Eric Lartigau, 2006
Ne vous retournez pas, de Nicolas Roeg, 1973
Poltergeist, de Tobe Hooper, 1982

L’Institut Lumière rend hommage au cinéaste qui pulvérisa le mythe du rêve américain pour y construire une nouvelle mythologie, toute de noirceur et de violence. Sam Peckinpah a définitivement modifié la face du western avec La Horde sauvage et Pat Garrett et Billy le Kid, deux chefs-d’œuvre crépusculaires, et a su offrir au film noir une nouvelle vie (Les Chiens de paille, Guet-apens, Osterman Week-end), sans jamais se départir d’une charge politique latente.
En 12 films et plusieurs conférences, la rétrospective proposée par l’Institut Lumière du 15 mai au 7 juillet 2013 redonne la place qu’il mérite à ce réalisateur de génie.

» Retrouvez le programme complet sur le site de l’Institut Lumière

L’Eté meurtrier, de Jean Becker – dimanche, 20h50 – D8
Vicky Cristina Barcelona, de Woody Allen – mercredi, 22h40 – France 4

Entre la vengeance, au cœur de L’Eté meurtrier, et la légère balade barcelonaise de Woody Allen, deux facettes d’une passion. Dans le film de Jean Becker, tiré du roman de Sébastien Japrisot, ça commence pourtant bien. L’aguicheuse Isabelle Adjani et le touchant Alain Souchon forment un couple improbable, digne d’un conte de fées. L’alliance de la carpe et du lapin. En l’occurrence, un lapin qui a un fusil. Du côté de Woody Allen – même si Isabelle Adjani nue, certains ne s’en sont pas remis -, c’est vers le marivaudage plus sensuel et charnel qu’on se tourne. La passion, c’est celle entre Javier Bardem et Penélope Cruz, qui ne peuvent vivre ni ensemble, ni séparément. Destructeur aussi, mais moins violent. Quoique, les engueulades du couple sont savoureuses. C’est aussi celle de Scarlett Johansson pour ce couple, qu’elle soude malgré tout. Une carte postale barcelonaise pour la période européenne de Woody Allen, ensoleillée et bienvenue en prélude à un été qui n’arrive décidément pas.
 

Holy Lola, de Bertrand Tavernier – lundi, 20h50 – HD1

On a beaucoup parlé d’adoption ces derniers mois, il est temps de vivre avec un couple d’adoptants le voyage, l’attente, et la rencontre avec l’enfant tant attendu, inconnu et déjà aimé. Après le soleil de Barcelone, bienvenue sous la pluie du Cambodge. Tavernier décrit avec minutie toutes les étapes, la corruption nécessaire des autorités locales, le parcours du combattant du couple formé par Isabelle Carré et Jacques Gamblin, épatants. Il joue avec les émotions, les rebondissements. La colère et la frustration se mêlent aux joies intenses. Parce qu’il ouvre son film à une communauté de personnages en dehors de son couple-héros, Tavernier brosse un portrait plus large, à la fois de l’adoption, et du Cambodge. D’un lien étrange entre Occidentaux et un pays émergent, à l’histoire lourde. Poignant.
 

Biutiful, de Alejandro Gonzalez Inarritu – mercredi, 00h45 – France 4

Barcelone, encore, Javier Bardem, toujours. Mais finie la bluette. C’est à une descente aux enfers qu’on assiste. Celle d’un homme tourmenté, obsédé par la peur. La peur de la mort, la peur de perdre ceux qu’il aime. Un vagabondage dans le Barcelone qu’on nous montre peu, des flics corrompus et des clandestins. La noirceur d’Inarritu n’a d’égale que la brillance du jeu de Bardem, d’ailleurs récompensé à Cannes. A la frontière du réel, et pourtant ancré dans le concret des mois qui lui restent à vivre.
 

Le Bal des actrices, de Maïwenn – jeudi, 22h25 – NRJ 12

Avant Polisse, Maïwenn s’était déjà mise en scène, caméra au poing. Dans le beaucoup plus léger Bal des actrices, elle se joue des ego et des images. Dans ce documentaire fictionné, toutes les actrices jouent leur propre rôle, à nous de savoir démêler le vrai du faux. De cet autoportrait collectif et moqueur, affleurent des moments de vérité, sur les masques, les ambitions, le désir. Le désir de susciter le désir, justement.

 
Et pour combler les trous de la semaine télé, laissez-vous tenter par un docu radio sur le nouveau cinéma, par les conseils ciné d’un philosophe ou par le dernier Sofia Coppola.

Depuis 2009, l’Institut Lumière présidé par Bertrand Tavernier organise à Lyon le Festival Lumière, gigantesque manifestation dédiée à tous les cinémas et en marge de l’actualité. Comme son président, le festival brasse une culture cinématographique immense et invite de nombreuses personnalités qui viennent parler de leurs films et de ceux des autres. La programmation va cette année faire une place de choix aux films de et avec Gérard Depardieu, prix Lumière 2011, mais aussi à Jacques Becker avec une rétrospective intégrale, à William A. Wellman, à Roger Corman, au cinéma muet, et enfin au cinéma japonais avec une rétrospective dédiée aux films de yakusas.
Pour la peine, Grand Écart y sera.

» Plus d’informations sur le site du Festival Lumière 2011

Le synopsis, parfois sibyllin, avait de quoi allécher : dans un lycée du 19e arrondissement, Maria de Mézières est forcée de se marier avec Kevin de Montpensier, malgré son amour pour Hun Ji de Guise. Après ses noces, elle a pour précepteur Jean-Claude de Chabannes, le prof de français qui lui apprend la lecture (elle est en première L). Dans sa classe, Abdel d’Anjou et Hun Ji de Guise lui tournent autour, au grand dam de Kevin de Montpensier, et sous le regard attendri du prof de Chabannes. La guerre entre la cité des Orgues et la ZUS Curial rappelle à leur destinée les protagonistes masculins. Au détour de certains cours, cependant, Abdel d’Anjou envoie des sms explicites à Maria (« hey pr1cesse, 1 ptite caress ? »), mais finit par se tromper de numéro et l’envoie à Kevin de Montpensier. Une idylle naît entre les deux nobles, sous l’œil torve de Jean-Claude de Chabannes (tout occupé à son agreg’ interne) et celui fatigué d’Hun Ji de Guise. Maria, ennuyée, finit par se déscolariser et joue désormais “Working Class Hero” sur la ligne 7, avec deux cordes cassées sur sa guitare.

Note pour moi-même : ne plus jamais dormir, ou alors espacer le visionnage d’Entre les murs de celui de La Belle Personne d’au moins 42 ans.

Mais si je convoque ici le réalisateur de Dans Paris, c’est plutôt pour parler de celui de Que la fête commence, Bertrand Tavernier, dont la filmographie sinueuse n’en finit pas d’étonner. Ce vénérable trotskyste lyonnais a livré l’année dernière un nouveau film en costume, adapté de Madame de Lafayette, La Princesse de Montpensier, avec une jeune distribution encadrée par le respectable Lambert Wilson.
Madame de Lafayette est en plein boum, en termes d’adaptation. On doit cette recrudescence à la vindicte du monarque actuel à l’endroit de La Princesse de Clèves. Le souverain avait déclaré l’inutilité de la présence de ce genre d’œuvre lors de concours, en 2007. Grâce à Christophe Honoré et Bertrand Tavernier, deux films adaptés de la romancière ont paru sous le règne de Nicolas 1er. Aussi remontent à nos yeux de sévères périodes de l’histoire de France, à l’époque d’Henri II pour Clèves, celle de Charles IX pour Montpensier. La première était l’âge de l’élégance, la seconde celle de la guerre civile. Deux contextes différents, mais les mêmes protagonistes : la noblesse du XVIe siècle.

Lafayette demeure une grande dame de la littérature française : son acuité vis-à-vis des mœurs de son temps, la rigueur de son interprétation psychologique et sa capacité à focaliser ses récits autour des femmes en font une incontournable d’un XVIIe siècle qui peut fasciner. Voir les Lettres d’une religieuse portugaise (mises en abîme en 2009 par le film d’Eugène Green), ou encore les romans épistolaires (plus tardifs) de Richardson comme autant de témoignages d’une époque où l’on abandonne les chevaliers comme vecteurs de sentiments au profit des femmes.

L’adaptation de Tavernier a de quoi séduire : brodant autour du court récit originel, lui et son scénariste Jean Cosmos ont œuvré à la bonne compréhension de l’époque. Un temps où « l’on bouffait du huguenot/papiste » au petit déjeuner, et où l’on vendait les meufs par des mariages où entraient en considération la noble gorge de la fiancée autant que le nombre de chevaux à valoir dans la dot. Un temps difficile à dépeindre autrement que par la méthode de la transcription, la capacité du dialogue à s’imprégner de la langue ancienne et celle des interprètes à se montrer au-delà de leur corps et devenir des personnages-fonction, au bon sens du terme (donc des personnages-titre de noblesse).
La méthode est systématisée, à tel point que les réserves émises par certains critiques peuvent être légitimées par le classicisme de l’emphase déployée ou des passions décrites. Mais l’académisme de Tavernier ne suscite pas l’ennui, et fait honneur à sa méthode frontale. Car les adaptations précédentes de Lafayette, sur La Princesse de Clèves, ont toutes en commun de biaiser plutôt que de traiter.

Bien sûr, il y a l’adaptation canonique, du trio Delannoy-Aurenche-Bost, représentative de la qualité française. Comme d’habitude dans ce courant tant renié par la Nouvelle Vague, le métrage est clinquant, les acteurs jamais loin du théâtre, et l’on renonce à la profondeur au profit d’une efficacité incontestable. Et puis il y a ces trois variations sur le même thème, que l’on oserait qualifier de moderne, où l’on veut transcrire l’esprit de Lafayette plutôt que son intrigue : La Lettre d’Oliveira, La Fidélité de Zulawski, La Belle Personne d’Honoré. Trilogie située à notre époque, et dont les parties se veulent toutes fidèles à la psychologie du roman. Si Oliveira se permet le name-dropping (Nemours est remplacé par un chanteur réel, Pedro Abrunhosa), Zulawski pose sur la longueur en remplaçant la noblesse initialement décortiquée par le milieu de la presse à scandale. Si le premier respecte le jansénisme souvent invoqué à la lecture du roman, le deuxième se complaît dans l’exacerbation des passions. Quant à Honoré, il tressaute par une vision très collective du roman, où les éléments qui gravitent (Nemours et Clèves) sont aussi importants que le noyau féminin. Le réalisateur des Chansons d’amour trouve dans la désuétude du 16e arrondissement et de ses lycéens imaginaires une façon de redonner un souffle de vie à une noblesse qui n’existe plus, mais c’est au niveau de la croyance que le bât blesse, puisque tous les protagonistes sont trop glacés pour notre ère.
Serait-ce que la vérité se loge, pour une adaptation, dans un témoignage d’époque plutôt que dans une transcription forcément infidèle ? Ou est-ce qu’il faut pousser beaucoup plus loin l’infidélité ? Cette dernière question étant celle que se posent sans cesse les héroïnes de Madame de Lafayette, on serait en droit d’y souscrire…