25 ans d’attente, plusieurs versions de scénarios, un tournage annulé au bout de cinq jours – mais un making of resté dans l’histoire (Lost in La Mancha) -, trois changements de casting et des procès à la pelle… Mais ça y est, Terry Gilliam a fini par gagner sa bataille contre les moulins à vent. Evidemment, L’Homme qui tua Don Quichotte suscite plus d’attente qu’il n’est raisonnable, et ne sera pas à la hauteur des fantasmes de tous. Dès le générique, Terry Gilliam rappelle ces tourments, et s’amuse, pendant toute la première partie du film, avec sa propre histoire rocambolesque. Toby (Adam Driver), réalisateur, est dans le désert espagnol. Il tourne une version de Don Quichotte, qui ne semble pas beaucoup mieux se dérouler que lors de la dernière tentative de Terry Gilliam. Tournage bordélique, réalisateur irascible, acteur médiocre, les raisons du plantage sont différentes (quoique). Adam Driver en alter ego de Terry Gilliam a perdu l’envie et l’inspiration, trop couvé par son assistant et son producteur. Il fait face à l’inverse de ce à quoi fut confronté Gilliam : trop de facilités. Jusqu’à ce qu’on lui rappelle qu’il avait déjà réalisé un Don Quichotte. Un film d’étudiant en noir et blanc, tourné dans un village non loin de là. Les films s’empilent – le film que l’on est en train de voir, le film en train de se tourner, le film réalisé dix ans plus tôt – comme autant de niveaux de lecture, autant de strates qui finissent par bâtir cet Homme qui tua Don Quichotte. Une manière d’exorciser, une catharsis avant de se lancer dans la réelle aventure picaresque, réalisée, elle aussi, tambour battant, tel un Baron de Münchhausen moins baroque et plus mature. En revoyant son film d’étudiant, Adam Driver se rappelle. Se rappelle la passion avant l’arrogance, le bricolage avant les moyens. Et réalise l’empreinte qu’il a laissée dans ce petit village reculé, ou un vieux cordonnier croit toujours être le vrai Don Quichotte. Avant d’être un film d’aventure, ce qu’il est aussi, L’Homme qui tua Don Quichotte est avant tout un film sur la fiction, la création et le besoin d’absolu, jouant sans cesse sur différents tableaux, mélangeant avec allégresse fiction, rêves, souvenirs et réalité. Pendant ce périple, Adam Driver joue sur une palette très large, réinventant sans cesse son personnage au cours des événements – dont le débarquement, clin d’oeil savoureux, de l’Inquisition (or, “nobody expects the Spanish Inquisition”) -, à la fois drôle, moqueur, burlesque, touchant, tragique… parfait. S’il n’y avait qu’une seule bonne raison d’avoir attendu 25 ans, elle se nomme Adam Driver.

 
L’Homme qui tua Don Quichotte (The Man who Killed Don Quixote) de Terry Gilliam, avec Adam Driver, Jonathan Pryce, Stellan Skarsgard, Olga Kurylenko, Joana Ribeiro… Espagne, France, Belgique, Portugal, 2018. Film de clôture du 71e Festival de Cannes. Sortie le 19 mai 2018.

Cold Skin de Xavier Gens est sans aucun doute un film pertinent dans le fond et ambitieux dans sa forme qui aurait pu donner du souffle à une sélection 2018 qui en a parfois cruellement manqué. Un film fantastique intelligent sublimé par la beauté d’un décor naturel bien photographié réalisé par un des rares spécialistes français du film de genre, à qui l’on doit entre autres l’inutile Frontière(s) et le claustrophobique Divide. L’action se déroule au tout début du XXe siècle sur une île perdue proche du cercle Antarctique. Un homme y est débarqué par un navire marchand pour prendre la relève d’un météorologue qui semble avoir disparu. La seule autre présence sur cette terre hostile et brutale étant celle d’un gardien de phare misanthrope qui a fait de sa bâtisse un camp retranché truffé de pièges. À la tombée de la nuit, l’île s’anime de la présence d’êtres monstrueux venus de la mer bien décidés à en découdre avec l’envahisseur humain. Film d’action efficace et vintage, huis clos à ciel ouvert et en plein hiver austral, combat allégorique de l’homme contre la bête, parabole finaude sur la colonisation… Cold Skin, c’est tout cela et même un peu plus. Mais c’est aussi et surtout un récit d’aventure tourmenté dans une contrée inhospitalière remplie de créatures bizarres parvenant parfois à évoquer ces grands classiques du roman fantastique qu’on a adoré dévorer à l’adolescence signés HG Wells, Jules Verne ou Serge Brussolo. Et ça, ça fait du bien.

Changement radical de paradigme avec un petit survival américain sans prétention mais à l’efficacité inversement proportionnelle à l’épaisseur de son scénario. Réalisé par un Japonais sachant manier dans un même élan sanglant gore tendance splatter, suspense, action et éclairs d’humour, Downrange se met dans la lunette d’un sniper – dont on ne saura jamais rien – perché dans un arbre le long d’une route départementale déserte pour tirer sur tout ce qui roule avant d’enchaîner sans mollir sur tout ce qui bouge. Le carnage peut commencer et l’asphalte jonché de bouts de cervelles fraîchement explosées se retrouve rapidement repeint en rouge. Seul bémol dans ce déluge de mauvais goût assumé, la tentative maladroite et heureusement vite abandonnée par Ryûhei Kitamura de donner une épaisseur minimale à des personnages dont il se fout comme nous royalement. Le film réussit ce que Revenge – curiosité « buzzante » de la compétition 2018 avec qui il partage le concept d’ultraviolence en plein soleil – foire en grande partie à cause de son sujet de fond mal digéré : l’épure dans le pulp. Autrement dit, pas d’effet de style inutile, pas de frime visuelle, de l’action, du sang, des explosions et un final à l’humour noir plutôt tordant, et surtout aucune ambition métaphorique. Ball-trap et bowling en un même film, il y a vraiment de quoi se marrer…

 
Le Hobbit : la bataille des cinq armées de Peter Jackson, avec Martin Freeman, Ian McKellen, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Luke Evans, Richard Armitage… Nouvelle-Zélande, Etats-Unis, 2014. Sortie le 17 décembre 2014.

Les animés se suivent et ne se ressemblent pas mais pourtant il arrive qu’il rentrent en résonance. Les enfants de L’Ile de Giovanni rêvent d’un monde idéal, quand prisonniers des camps soviétiques ils murmurent les mots de Train de nuit dans la Voie lactée du poète maudit japonais Kenji Miyazawa. Budori, l’étrange voyage est l’adaptation d’un conte du même auteur, célébré par les enfants du Soleil Levant à partir du milieu du XXe siècle car, c’est bien connu, les poètes gagnent à être reconnus une fois qu’ils sont six pieds sous terre.

Budori habite une chaumière au cœur de la forêt où avec ses parents et sa petite sœur Neri il travaille la terre et se nourrit de ce que Mère Nature met à leur disposition. Budori s’initie aux usages des saisons en compagnie de son papa. L’apprentissage du temps aiguise les sensibilités.
Quand une terrible famine accable sa région, Budori se retrouve seul et abandonné et n’a pas d’autre choix que quitter sa forêt chérie. Commence une longue expérimentation parfois douloureuse des rouages sociétaux à travers l’expérience du travail collectif et des actions individuelles.

Le conte de Kenji Miyazawa ne fait pas dans la demi-mesure lorsqu’il dénonce les dysfonctionnements des secteurs agricoles et industriels. Budori, l’enfant de la Nature devenu un instrument de la première révolution industrielle, s’épanouit désormais dans la recherche scientifique, loin, très loin des gestes séculaires du semeur. Budori cultive un tout autre jardin.

L’animé tente de nous expliquer le bouleversement du territoire japonais entre dynamiques rurales traditionnelles en pleine mutation et environnement urbain en plein essor. Budori raconte l’avènement d’un monde nouveau, notre monde, mais surtout appelle à la conciliation et à la symbiose. Avant l’heure, Kenji Miyazawa évoque les enjeux de la complexité.

Il n’est pas évident de saisir toutes les intentions et les réflexions de l’auteur quand nous avons pour simple interlocuteur le chat Budori. Il est difficile, voire impossible, de comparer les points de vue car les autres personnages sont relégués à des rôles trop secondaires.

Sur la forme, Budori mélange les genres ; crayonnés à la Ghibli, images de synthèse et look steampunk sauce Professeur Layton. L’ensemble est surprenant mais assez coordonné pour ne pas être rejeté en bloc.
Les ventres mous et autres longueurs n’estompent pas les messages humanistes qui nous sont adressés et adressés aux générations futures. Toutefois, Budori manque parfois de clarté, saute du coq à l’âne et les nombreuses ellipses gâchent l’énergique discours politico-militant.
Qui aime bien châtie bien ! Budori n’est pas exempt de défauts mais un animé qui diffuse aux jeunes publics autant de belles valeurs, autant de messages sur la préservation du monde, il serait injuste de le bouder.

 
Budori, l’étrange voyage de Gisaburo Sujii. Japon, 2012. Sortie le 27 août 2014.

 
Aviez-vous vu 8 fois debout, le premier long-métrage de Xabi Molia ?

Oui, c’est un film qui m’avait marqué. Les films de Xabi se positionnent entre drame et comédie, ça m’intéresse au plus haut point ! C’est très difficile à réussir, mais je pense que cela donne les meilleurs films.

Qu’est-ce qui vous a séduit dans cette histoire de deux demi-frères obligés de faire la route ensemble ?

Les films « fondateurs » me séduisent. Ces deux frères arrivent enfin à se rencontrer et à s’aimer. C’est une magnifique histoire humaine et familiale, racontée pourtant sans bons sentiments, avec juste ce qu’il faut d’humour et de dureté.

Vous excellez dans les comédies douces-amères. Est-ce devenu votre genre de prédilection ?

Oui, c’est vrai, ça me plaît bien. Cela correspond à une vision du monde assez juste. Je n’ai en revanche pas de genre de prédilection en tant que spectateur. J’aime tout, quand c’est inspiré et fabriqué honnêtement.

Il y a ici des scènes assez physiques. Est-ce quelque chose que vous attendiez ou redoutiez ?

J’ai adoré ça ! Je souhaite d’ailleurs incarner davantage de personnages de ce type, précisément parce qu’on ne m’attend pas à cet endroit. Les personnages les plus intéressants sont parfois des mélanges inattendus.

Qu’a-t-il été le plus difficile pour vous ? La scène où vous chantez ou celle où vous affrontez un ours ?

Les séquences avec l’ours étaient sans doute les plus difficiles à tourner, car elles étaient plus découpées et tournées sur plusieurs jours. Il fallait s’appliquer à rester dans la même énergie et la même humeur d’un jour à l’autre…

Qu’est-ce que cela fait d’avoir pour frère de fiction, Denis Podalydès ?

C’était un vrai plaisir. J’admire son travail depuis longtemps, et je suis heureux que notre duo fonctionne et soit crédible à l’écran. Vivement Les Conquérants 2 !


Ces deux frères ne se connaissent pas et oscillent entre amour et répulsion. Comment avez-vous construit vos personnages ? Ensemble, séparément ?

Avec Denis, nous ne nous étions pas rencontrés avant le tournage. Il était au théâtre et j’étais également occupé à d’autres choses. Mais quand on s’est retrouvés, c’était assez facile. Je crois que nous avions tous deux envie de suivre le ton du scénario, assez simplement. Pour ce qui est de Noé précisément, j’ai travaillé surtout le physique et les costumes du personnage, car c’est ça que le spectateur voit !

Vous êtes comédien de cinéma et de télévision. Pourquoi n’avez-vous pas encore abordé la scène ?

J’occupe pour le moment mon temps libre à l’écriture, la mise en scène et la photo. Je viendrai à la scène un jour… Je crois que c’est inévitable quand on aime jouer.

La Graal interview : quelle est votre définition du Graal ?

Le Graal, c’est l’idée de la quête elle-même, non ? Pour moi, c’est le chemin. 


Que feriez-vous si vous vous retrouviez en sa possession ?

Si je trouvais le vrai Graal !? Eh bien… Je le remettrais à sa place !


Croyez-vous aux malédictions ?

Non. 


Qu’estimez-vous avoir conquis ?

Sans doute davantage de sérénité dans mes relations familiales… Un peu comme Noé, en somme.

Que vous reste-t-il à conquérir ?

Il reste toujours quelque chose à conquérir. Pour moi c’est dans mon travail qu’il y a du chemin à parcourir. Continuer à progresser comme acteur… Et refaire un long-métrage.

 
Mathieu Demy est à l’affiche des Conquérants, de Xabi Molia avec aussi Denis Podalydès et Christian Crahay. France, 2012. Sortie le 25 septembre 2013. Sortie DVD le 12 février 2014.

Le Hobbit : la Désolation de Smaug de Peter Jackson, avec Martin Freeman, Ian McKellen, Orlando Bloom, Evangeline Lilly, Luke Evans, Richard Armitage… Nouvelle-Zélande, Etats-Unis, 2013. Sortie le 11 décembre 2013.

Adapté d’une série culte, Lone Ranger avait sur le papier tout pour séduire, avec une franchise à la clé : un réalisateur chevronné n’ayant peur d’aucun défi, un producteur qui n’a plus rien à prouver (Jerry Bruckheimer), un Johnny Depp toujours un peu perché, une tête d’affiche prometteuse (Armie Hammer, au magnétisme sympathique, qui, depuis The Social Network fleure bon l’Hollywood d’antan), toute une panoplie de seconds rôles au diapason, dont la sempiternelle Helena Bonham-Carter, que l’on sort régulièrement de son manoir burtonien pour des seconds rôles de fanfreluche étrange et décalée (et souvent aux côtés de Johnny Depp, d’ailleurs). Sans oublier un contexte de renaissance des films de Far West depuis le carton du dernier Tarantino… Mais on peut également reprendre tous ces avantages et les transformer en inconvénients : une série initiale perdue dans les confins de l’oubli, recette déjà goûtée de Pirates des Caraïbes made in western, genre peu plébiscité par le public ces dernières années, sauf exception… Sans oublier un Johnny Depp grimé et grimaçant en roue libre. Alors, ayons le cœur net et affrontons les salles obscures : Lone Ranger, navet mérité ou film incompris ?

2h15 de projection plus tard, c’est la seconde catégorie qui l’emporte. Oui, Lone Ranger est une énorme pomme d’amour sucrée et collante. Oui, Johnny Depp fait du Johnny Depp. Oui, le film est un mélange peu délicat de tous les genres possibles (aventure, action, fantastique, western, amour, comédie…), mais putain que c’est bon ! Là où un Pirates des Caraïbes s’entêtait à faire de Jack Sparrow sa tête de gondole (les autres comédiens en étaient réduits à de la figuration), ici, le héros est Armie Hammer et du haut de sa stature (1m96 au garrot), il en impose, mais sans jamais s’imposer. Les morceaux de bravoure s’enchaînent, sans temps morts, sans vraisemblance aussi, mais qu’importe ! Paysages naturels éblouissants, cascades effarantes, rythme effréné, cheval qui défie les lois de la gravité, humour noir ou humour tarte à la crème, courses-poursuites dans (ou sur) des trains, explosions géantes, corbeaux empaillés… Il y en a pour tous les goûts. Enfin un film d’aventures qui laisse les mirettes écarquillées, comme un retour en enfance qui nous renvoie aux origines du cinéma : nous transporter, sans bouger de son siège, vers un ailleurs composé d’imaginaire pur. Et rien que pour ça, on en veut enGore, Verbinski !

 
Lone Ranger, naissance d’un héros de Gore Verbinski, avec Armie Hammer, Johnny Depp, Tom Wilkinson, Helena Bonham-Carter, Ruth Wilson… Etats-Unis, 2012. Sortie le 7 août 2013.

 
Le Hobbit : un voyage inattendu de Peter Jackson, avec Martin Freeman, Ian McKellen, Cate Blanchett, Richard Armitage, Ken Stott… Nouvelle-Zélande, Etats-Unis, 2012. Sortie le 5 décembre 2012.

» Toutes les infos sur la bande originale de Le Hobbit : un voyage inattendu avec Cinezik
Howard Shore et Peter Jackson se retrouvent une quatrième fois après leur collaboration sur la trilogie Le Seigneur des anneaux (2001-2003), malgré son éviction entre temps par le cinéaste pour King Kong (2005). Le tandem sera également à l’affiche de la partie 2 de cette nouvelle franchise.

Déjà, le titre original de La Forêt interdite, “Wind Across the Everglades”, paraît nettement plus évocateur que sa traduction française, conférant au film des airs de western dans les marais de Floride qui lui vont très bien. Et puis, cette mention du vent apporte une touche de romantisme noir qui traduit autant le propos que le tournage du film. Infernaux l’un comme l’autre, quoique de différentes manières.

Ecologiquement visionnaire, l’histoire est celle d’un face-à-face, entre un jeune ornithologue têtu (Christopher Plummer) et une bande de pirates des marais emmenée par Cottonmouth, délirant ogre à barbe rousse (Burl Ives). Le scénario est signé Budd Schulberg, romancier en vogue, notamment pour son travail scénaristique avec Elia Kazan pour Sur les quais et Un homme dans la foule. Schulberg produit également le film. Il recrute Nicholas Ray, auréolé du succès de La Fureur de vivre, à la réalisation, et une équipe de freaks fous furieux pour interpréter ses contrebandiers (un ancien boxeur, un clown, un jockey hystérique, ainsi qu’un Peter Falk abondamment barbu pour sa première apparition au cinéma). Bref, le film semble prometteur. La Warner est dans le coup. On est en 1957.

Pourtant, les choses se passent rarement comme prévues. Dès le début du tournage, Nicholas Ray est écartelé entre son indiscutable alcoolisme, une harpie qui lui tient lieu de compagne et leurs disputes franchement houleuses. Immédiatement, il se met à peu près tout le monde à dos. Schulberg se voit contraint de récrire son scénario (déjà trop dense à l’origine), au fur et à mesure que le chaos s’installe sur le tournage. Jack Warner s’inquiète. Les comédiens, agacés, font comme bon leur semble. Du coup, ça picole derechef… Pour couronner l’ensemble, l’hiver 1957 est glacial dans les marais de Floride. Alors, quand la compagne de Ray finit par tenter de l’assassiner avec sa voiture, c’est la goutte d’eau qui fait déborder le marécage : Ray est congédié sans préavis. Schulberg terminera le film comme il peut, dans l’anarchie la plus complète. Autant dire qu’à Hollywood, on ne donne pas cher de ces titubants lambeaux de pellicules, dont le montage se profile comme un authentique supplice chinois.

Genèse d’un ratage ? Eh bien, étonnamment, non : le film en devient lui-même une jungle poisseuse, son rythme à contretemps, à la fois rapide et répétitif, serpentant sur le cadavre du scénario de Schulberg. Parfois, les cadres flottants de Ray évoquent certes une bougeotte pré-delirium tremens, mais correspondent finalement tout à fait à la fébrilité rageuse du naturaliste incarné par Plummer. D’ailleurs, le duel final entre son personnage et le braconnier Cottonmouth se joue lors d’une beuverie épique, ultime scène d’anthologie tournée par Nicholas Ray avant son éviction du tournage. L’éthylisme y suinte de tous côtés. Le chaos du plateau est palpable, l’attitude des acteurs complètement libre et relâchée : séquence en équilibre précaire qui métamorphose le blockbuster annoncé en film d’auteur improvisé, dont Truffaut dira à sa sortie qu’il s’agit d’un « grand film malade ». Où lâcher-prise et absence de maîtrise donnent au film son plus grand charme.

Enfin, sans dévoiler les ressorts de l’intrigue, force est de constater le caractère largement prophétique de cette Forêt interdite, où la société de consommation naissante vampirise sans scrupule la nature vierge, les pirates des marais travaillant main dans la main avec les industriels, réduisant l’un comme l’autre le vivant à un simple produit. Et l’on se dit que les plus flippants ne sont pas nécessairement les plus rustres. Un des braconniers résume ainsi : “Cottonmouth prêche la morale de la liberté individuelle jusqu’à son terme logique.” Autrement dit, manger ou être mangé, détruire ou être détruit, sur un horizon de grands oiseaux abattus à la chaîne. Encore que le film laisse entendre qu’on ne perd rien pour attendre : la nature se venge, rétablit l’équilibre. Sa destruction par l’homme, au fond, ressemble avant tout à un suicide. Autant dire que le désarroi de La Forêt interdite n’a pas pris une ride. Et qu’il faudra bien plus qu’un présentateur d’Ushuaïa pour en mesurer le gouffre…

La Forêt interdite (Wind Across the Everglades) de Nicholas Ray, avec Christopher Plummer, Burl Ives, Peter Falk. Etats-Unis, 1958.