Qu’il était attendu le nouveau Tarantino. L’événement incontestable de cette édition du Festival, qui a vu certains faire plus de 4h de queue (en cumulé) pour pouvoir assister à l’une des projections. Deux jours durant, Tarantino a insisté pour que ceux qui ont vu le film en dévoilent le moins possible à ceux qui le verront. De quoi faire monter l’impatience d’un cran. La déception, aussi, une fois qu’on a enfin pu entrer dans une salle. C’est le risque et la contrainte du festivalier, condamné à l’immédiateté, de l’emballement comme du jugement. Il faudra certainement revoir ce Once Upon a Time… in Hollywood pour l’apprécier à sa juste valeur.

Car pendant 2h de film, on se demande bien ce qu’il ne fallait pas dévoiler, tant l’action est minimale. Le dernier-né de Tarantino est bien plus une chronique qu’un récit. Celle du quotidien d’un acteur sur la pente descendante – génial Leonardo DiCaprio – et de sa doublure cascade – la renaissance de Brad Pitt. De Los Angeles en 1969 et ses hippies, d’Hollywood à l’aube d’un changement d’ère, entre la fin de l’âge d’or et l’avènement du Nouvel Hollywood. Leonardo DiCaprio, donc, est Rick Dalton, acteur connu pour une série télé terminée depuis 8 ans, et qui ne trouve plus sa place dans l’industrie. Portrait touchant d’un acteur en plein doute, lui qui a connu la gloire dans sa jeunesse et s’interroge sur un avenir peut-être bouché à la quarantaine. Le choix de Leonardo DiCaprio, star à 20 ans et que l’on n’a plus vu depuis 4 ans, malgré son Oscar si longtemps attendu pour The Revenant, rend le personnage d’autant plus poignant. A ses côtés, Brad Pitt, dont on avait oublié au fil du temps et des chroniques people qu’il est un grand acteur. Lui assume être un cascadeur vieillissant – même s’il peut encore mettre une raclée à Bruce Lee – et se contente de devenir progressivement un chauffeur, un assistant, un compagnon. C’est aussi, peut-être pour la première fois pour Tarantino, le film d’une amitié sincère et profonde entre deux de ses personnages.

Comme toujours, Once Upon a Time… in Hollywood est fait de longues séquences semblant sans lien les unes avec les autres, des digressions plus ou moins réjouissantes, permettant de sillonner la ville de l’enfance du réalisateur, et surtout de s’amuser à toute une série de pastiches retraçant la carrière de Rick Dalton. Un hommage appuyé et drôle à la télévision en noir et blanc et aux western-spaghetti (dont Sergio Corbucci, qui lui avait inspiré Django Unchained). Un hommage, aussi, aux cinémas de quartier, dans l’un desquels Sharon Tate (Margot Robbie) se rend pour voir l’un de ses films, Matt Helm règle son comte. Délicieuse scène où l’actrice se délecte autant de se voir que de voir les spectateurs la regarder. Car c’est l’autre sujet de Once Upon a Time… in Hollywood, et le plus délicat. Rick Dalton a pour voisins Sharon Tate et Roman Polanski, pendant que, dans un ranch abandonné, Charles Manson forme ses disciples. C’est ici qu’il ne faut pas trop en dire. Pourtant, le choix de Tarantino pour raconter ce meurtre est emblématique de son rapport au cinéma. Toute son oeuvre a montré sa fascination pour les méchants et la violence. Mais des méchants pour de faux, du sang qui n’est que du liquide rouge. Quand ce sont de vrais méchants de la vraie vie, il les massacre, comme les nazis d’Inglourious Basterds et les esclavagistes de Django Unchained. L’amour du cinéma, pour Quentin Tarantino, c’est que la fiction vaut mieux que le réel. Et Once Upon a Time… in Hollywood en est la déclaration.

Once Upon a Time… in Hollywood de Quentin Tarantino, avec Leonardo DiCaprio, Brad Pitt, Margot Robbie… Etats-Unis, 2019. En compétition du 72e Festival de Cannes. Sortie le 14 août 2019.

Tous les films :

La Soupe aux choux, de Jean Girault, 1981
Gens de Dublin, John Huston, 1987
Festen, de Thomas Vinterberg, 1998
Mes meilleurs copains, de Jean-Marie Poiré, 1988
Le Grand Blond avec une chaussure noire, d’Yves Robert, 1972
Une femme douce, de Robert Bresson, 1969
Une femme douce, de Serguei Loznitsa, 2017
De l’amour, de Jean Aurel, 1964
La Fiancée du pirate, de Nelly Kaplan, 1969
Buffalo 66, de Vincent Gallo, 1998
Mon roi, de Maiwenn, 2015
Les Evadés, de Frank Darabont, 1994
Boulevard du crépuscule, de Billy Wilder, 1950
Vol au-dessus d’un nid de coucous, de Milos Forman, 1975
Shining, de Stanley Kubrick, 1980
Batman, de Tim Burton, 1989
Hoffa, de Danny de Vito, 1993
Full Metal Jacket, de Stanley Kubrick, 1987
Mes meilleures amies, de Paul Feig, 2011
Les Diaboliques, de Henri Georges Clouzot, 1954
Hamburger Film Sandwich, de John Landis, 1977
Enquête sur un citoyen au-dessus de tout soupçon, d’Elio Petri, 1970
Bernard et Bianca, de Wolfgang Reitherman, Art Stevens et John Lounsbery, 1977
Cendrillon, Walt Disney, 1950
Le Roi Lion, Walt Disney, 1994
Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980
Alice au pays des merveilles, Walt Disney, 1951
OSS 117 : Le Caire nid d’espions, de Michel Hazanavicius, 2006
The Voices, de Marjane Satrapi, 2014
Le Chat, de Pierre Granier-Deferre, 1971
L’Aventure des Ewoks : la caravane du courage, de John Korty, 1984
Petit paysan, d’Hubert Charuel, 2017
King of Pigs, de Yeon Sang-ho, 2011
Eva, de Kike Maillo, 2011
Le Festin nu, de David Cronenberg, 1991
Lettre d’une inconnue, de Max Ophüls, 1948
Un éléphant ça trompe énormément, de Yves Robert, 1976
Possession, d’Andrzej Zulawski, 1981
La Mariée était en noir, de François Truffaut, 1968
Mélodie en sous-sol, de Henri Verneuil, 1962
Le Privé, de Robert Altman, 1973
Bananas, de Woody Allen, 1971
Punch Drunk Love, de Paul Thomas Anderson, 2002
Les Malheurs d’Alfred, de Pierre Richard, 1972
Requiem for a Dream, de Darren Aronofsky, 2000
Hors Satan, de Brunot Dumont, 2011
Mort à Venise, de Luchino Visconti, 1971
Franz, de Jacques Brel, 1971
Mustang, de Deniz Gamze Ergüven, 2015
Quelques jours avec moi, de Claude Sautet, 1988
Que la fête commence, de Bob Fosse, 1980
Kagemusha, l’ombre du guerrier, d’Akira Kurosawa, 1980
La Forteresse noire, de Michael Mann, 1983
Les Sorcières de Salem, de Raymond Rouleau, 1952
Le Cabinet du docteur Caligari, de Robert Wiene, 1920
Eyes Wide Shut, de Stanley Kubrick, 1999
Haxan – la sorcellerie à travers les âges, de Benjamin Christensen, 1922
Chute libre, de Joel Schumacher, 1993
Le Charme discret de la bourgeoisie, de Luis Bunuel, 1972
Toni Erdmann, de Maren Ade, 2016
Big Boss, de Lo Wei, 1971
Jour de fête, de Jacques Tati, 1949
Christophe Colomb, de Ridley Scott, 1992
Blade Runner, de Ridley Scott, 1982
Thelma & Louise, de Ridley Scott, 1991
Alien, de Ridley Scott, 1979
Underground, d’Emir Kusturica, 1995
Les nains aussi ont commencé petits, de Warner Herzog, 1970
L’Homme des hautes plaines, de Clint Eastwood, 1973
Ah ! si j’étais riche, de Michel Munz et Gérard Bitton, 2002
Titicut Follies, de Frederick Wiseman, 1967
The Big Lebowski, de Joel Coen, 1998
Dans la chaleur de la nuit, de Norman Jewison, 1967
Retour vers le futur, de Robert Zemeckis, 1985
Toy Story, de John Lasseter, 1995
Chicken Run, de Nick Park et Peter Lord, 2000
Blanche-Neige et les 7 nains, de David Hand, 1937
Le Château dans le ciel, d’Hayao Miyazaki, 1986
Zombillénium, de Arthur de Pins et Alexis Ducord, 2017
Sans toit ni loi, d’Agnès Varda, 1985
La Ballade de Narayama, de Keisuke Kinoshita, 1958
A Beautiful Day, de Lynne Ramsay, 2017
Boogie Nights, de Paul Thomas Anderson, 1997
Small Soldiers, de Joe Dante, 1998
Les Dents de la mer, de Steven Spielberg, 1975
Django Unchained, de Quentin Tarantino, 2012
Le Guépard, de Luchino Visconti, 1963
Devine qui vient dîner, de Stanley Kramer, 1967
On aura tout vu, de Georges Lautner, 1976
L’Incorrigible, de Philippe de Broca, 1975
Rubber, de Quentin Dupieux, 2010
Le Dernier des hommes, de Friedrich Wilhelm Murnau, 1924
Eternal Sunshine of the Spotless Mind, de Michel Gondry, 2004
Antichrist, de Lars von Trier, 2009
L’Effrontée, de Claude Miller, 1985
Ma femme est une actrice, de Yvan Attal, 2001
Jacky au royaume des filles, de Riad Sattouf, 2014
La Femme sur la lune, de Fritz Lang, 1929
Pépé le Moko, de Julien Duvivier, 1937
Le Blob (Danger planétaire) , de Irvin S. Yeaworth Jr.
L’Homme qui rétrécit, de Jack Arnold, 1957
L’Homme au bras d’or, d’Otto Preminger, 1955
Le Cri du sorcier, de Jerzy Skolimowski, 1978
Last Action Hero, de John McTiernan, 1993
Soudain l’été dernier, de Joseph Mankiewicz, 1959
L’homme qui voulut être roi, de John Huston, 1975
The Burbs (Les Banlieusards) , de Joe Dante, 1989
All is Lost, de J. C. Chandor, 2013
Le Placard, de Francis Veber, 2000
Le Dîner de cons, de Francis Veber, 1998
Les Compères, de Francis Veber, 1983
Les Fugitifs, de Francis Veber, 1986
L’Emmerdeur, de Edouard Molinaro, 1973
Coup de torchon, de Bertrand Tavernier, 1981
Les Parapluies de Cherbourg, de Jacques Demy, 1963
Zero Theorem, de Terry Gilliam, 2013
La Dernière Vague, de Peter Weir, 1977
Usual Suspects, de Bryan Singer, 1995
Un ticket pour l’espace, de Eric Lartigau, 2006
Ne vous retournez pas, de Nicolas Roeg, 1973
Poltergeist, de Tobe Hooper, 1982

Difficile de bouder son plaisir en allant voir Dog Eat Dog. Après tout, Paul Schrader a toute notre sympathie en ayant été le scénariste de perles scorsesiennes (comme Taxi Driver, Raging Bull ou A tombeau ouvert) ou en ayant réalisé quelques films plus ou moins marquants (American Gigolo, La Sentinelle). En adaptant le roman éponyme d’Eddie Bunker, on était déjà conquis par avance, on allait voir ce qu’on allait voir ! Surtout que Schrader n’a pas pris des manchots pour incarner ses trois anti-héros : Nicolas Cage (qui alterne nanars et films d’auteurs avec une aisance qui confine au respect), Willem Dafoe (le plus européen des acteurs américains) et Christopher Matthew Cook, révélation à la carrure imposante et aperçu dans les séries Under the Dome et Walking Dead. Les trois lascars s’en donnent à cœur joie dans leurs rôles d’ex-taulards meilleurs amis du monde (ou presque), partageant lignes de coke, prostituées et mauvais coups avec force jubilation. Et le début de Dog Eat Dog est d’ailleurs fulgurant : un Willem Dafoe au bord de l’overdose regardant une émission de télévision sur les armes à feu et assassinant sa dulcinée obèse peu encline à accepter ses penchants pour les sites pornographiques. Le ton est donné. Entre images saturées, noir et blanc et arrière-plans absurdes, Schrader convoque les âmes de certains maîtres de cinéma. Scorsese en tête, bien évidemment, pour cette histoire de petits mafieux prêts à tout pour de l’argent bien sale (quitte à enlever un bébé ou exploser la tête d’un homme avec un fusil). Aronofsky période Requiem for a Dream pour les effets hallucinogènes des substances que les trois zigues s’envoient l’air de rien. Et surtout Tarantino lors de scènes alternant dialogues métaphysiques sur la rédemption et violences exacerbées, avec cervelle collée au mur. Il y a même un peu de Winding Refn option Drive aux néons et sous la brume. Seulement voilà, Schrader n’est aucun d’entre eux. S’il est un réalisateur chevronné qui n’a plus (trop) à faire ses preuves, il ne dépasse jamais le stade du brouillon bien fichu. On rit devant certaines répliques plus que politiquement incorrectes, on s’étonne de situations qui échappent aux protagonistes, mais on a l’impression d’assister à un trio en roue libre qui cabotine à qui mieux mieux pour détourner l’attention du spectateur du vide dans lequel ils s’ébattent. Tant et si bien qu’on finit par oublier pourquoi ils sombrent et comment ils pourront bien se sortir du bourbier dans lequel ils se sont mis tout seuls. Le rythme tombe peu à peu et on passe de la trombe des premières minutes au coma des dernières. Restent des moments d’humour plus que noir et des prestations habitées de trois comédiens qui semblent s’entendre comme larrons en foire. Dommage qu’ils soient les seuls à en profiter. Dog Eat Dog, c’est un chien qui jappe plus qu’il n’aboie avec un dentier de mâchoire menaçante…

 
Dog Eat Dog de et avec Paul Schrader, avec aussi Nicolas Cage, Willem Dafoe et Christopher Matthew Cook. Etats-Unis, 2016. Présenté à la Quinzaine des réalisateurs 2016.

On se quitte en images et – chose promise, chose due – avec la liste des films aperçus ou entendus pendant ce deuxième Apéro Ciné Quiz.

1. Paul, de Greg Mottola, 2011.
2. Les Lois de l’hospitalité (Our Hospitality), de Buster Keaton, 1923.
3. Boulevard du crépuscule (Sunset Boulevard), de Billy Wilder, 1950.
4. Gremlins, de Joe Dante, 1984.
5. Les Goonies, de Richard Donner, 1985.
6. Twin Peaks : Fire Walk With Me, de David Lynch, 1992.
7. La Machine (aka En route vers la mort), de Paul Vecchiali, 1977.
8. Les Sorcières de Zugarramurdi (Las Brujas de Zugarramurdi), d’Alex de la Iglesia, 2013.
9. Les Vampires, de Louis Feuillade, 1915.
10. Green Hornet, de Michel Gondry, 2011.
11. La Classe américaine, de Michel Hazanavicius et Dominique Mézerette, 1993.
12. Oncle Boonmee, celui qui se souvient de ses vies antérieures, d’Apichatpong Weerasethakul.
13. Donnie Darko, de Richard Kelly, 2001.
14. Strange Days, de Kathryn Bigelow, 1995.
15. Ne nous jugez pas (Somos lo que hay), de Jorge Michel Grau, 2010.
16. Tremors, de Ron Underwood, 1990.
17. Leviathan, d’Andrei Zviaguintsev.
18. La Piel que habito, de Pedro Almodovar, 2011.
19. Les Yeux sans visage, de Georges Franju, 1960.
20. Holy Motors, de Leos Carax, 2012.
21. Invasion USA, de Joseph Zito, 1985.
22. Retour vers le futur 2, de Robert Zemeckis, 1989.
23. Cold in July, de Jim Mickle, 2014.
24. Point Limite Zéro (Vanishing Point), de Richard Sarafian, 1971.
25. Terminus, de Pierre-William Glenn, 1987.
26. Bellflower, d’Evan Glodell, 2011.
27. Rain Man, de Barry Levinson, 1988.
28. Hercule à New York, d’Arthur Allan Seidelman, 1969.
29. Velvet Goldmine, de Todd Haynes, 1998.
30. Wayne’s World, de Penelope Spheeris, 1992.
31. The Color Wheel, d’Alex Ross Perry, 2011.
32. L’Arche russe, d’Alexandre Sokourov, 2001.
33. A Touch of Sin, de Jia Zhang-ke, 2013. Avec Zhao Tao.
34. Calcium Kid, d’Alex de Rakoff, 2004.
35. Post Tenebras Lux, de Carlos Reygadas, 2012.
36. Le Viol du vampire, de Jean Rollin, 1967.
37. La Main sur le berceau (The Hand that rocks the cradle), de Curtis Hanson, 1992.
38. Kingsman, de Matthew Vaughn, 2015.
39. The Wicker Man, de Robin Hardy, 1973.
40. Kill List, de Ben Wheatley, 2012.
41. Tonnerre sous les tropiques (Tropic Thunder), de Ben Stiller, 2008.
42. Beetlejuice, de Tim Burton, 1988.
43. Jackie Brown, de Quentin Tarantino, 1997.
44. Mean Streets, de Martin Scorsese, 1973.
45. Le Sud (Sur), de Fernando Solanas, 1988.
46. Damnation, de Bela Tarr, 1988.
47. Edge of Tomorrow, de Doug Liman, 2014.
48. Intolerance, de Phil Mulloy, 2000.
49. Lucifer Rising, de Kenneth Anger, 1972-1980.
50. Faut pas prendre les enfants du bon dieu pour des canards sauvages, de Michel Audiard, 1968.
51. L’Espion qui venait du surgelé (Dr Goldfoot and the Girl Bombs), de Mario Bava, 1966.
52. Emprise (Frailty), de Bill Paxton, 2001.
53. Crocodile, de Kim Ki-duk, 1996.
54. Profs, de Patrick Schulmann, 1987.
55. L’An 01, de Jacques Doillon, Gébé, Alain Resnais et Jean Rouch, 1973.
56. Mary et Max, d’Adam Elliot, 2009.
57. Réalité, de Quentin Dupieux, 2014.
58. Drôle de grenier, de Vivian Schilling et Jiri Barta, 2009.
59. Control, d’Anton Corbijn, 2007.
60. L’Au-delà, de Lucio Fulci, 1981.
61. A l’intérieur, de Julien Maury et Alexandre Bustillo, 2007.
62. Cendrillon, studios Disney, 1950.
63. Chicken Run, studios Aardman, 2000.
64. Le Roi et l’oiseau, de Paul Grimault, 1980.
65. Alice au pays des merveilles, studios Disney, 1951.
66. Les Muppets, le film (The Muppet Movie), de James Frowley, 1979.
67. Princess Bride, de Rob Reiner, 1987.
68. Prête-moi ta main, d’Eric Lartigau, 2006.
69. Buffet froid, de Bertrand Blier, 1979.
70. Le Convoi sauvage (Man in the Wilderness), de Richard Sarafian, 1971.
71. Tales from the Gimli Hospital, de Guy Maddin, 1988.
72. Institut Benjamenta (ou ce rêve que les gens appellent la vie humaine), des frères Quay, 1995.
73. Fantastic Mr Fox, de Wes Anderson, 2009.
74. Taram et le chaudron magique (The Black Cauldron), 1985.
75. Mind Game, de Masaaki Yuasa, 2004.
76. De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites (The Effect of Gamma Rays on Man-in-the-Moon Marigolds), de Paul Newman, 1972.
77. Great Balls of Fire, de Jim McBride, 1989.
78. It Follows, de David Robert Mitchell, 2014.
79. Jusqu’en enfer (Drag Me To Hell), de Sam Raimi, 2009.
80. Le Secret de mon succès, d’Herbert Ross, 1987.
81. M.A.S.H., de Robert Altman, 1970.
82. Léon, de Luc Besson, 1994.
83. Le Cercle rouge, de Jean-Pierre Melville, 1970.
84. En quatrième vitesse (Kiss me Deadly), de Robert Aldrich, 1955.
85. L’Impasse (Carlito’s Way), de Brian De Palma, 1993.
86. Nostalgie de la lumière (Nostalgia de la luz), de Patricio Guzman, 2010.
87. Still the Water (Futatsume no mado), de Naomi Kawase, 2014.
88. Truman Show, de Peter Weir, 1998.
89. La Porte du paradis (Heaven’s Gate), de Michael Cimino, 1980.
90. Mort ou vif (The Quick and the Dead), de Sam Raimi, 1994.
91. Tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur le sexe (sans jamais oser le demander), de Woody Allen, 1972.
92. L’Impitoyable lune de miel ! (I Married a strange person !), de Bill Plympton, 1997.
93. Turkish Délices (Turks Fruit), de Paul Verhoeven, 1973.
94. Midori, de Hiroshi Harada, 1992.
95. L’Inspecteur Harry, de Don Siegel, 1971.
96. La Balade sauvage (Badlands), de Terrence Malick, 1973.
97. Mister Lonely, d’Harmony Korine, 2007.
98. Bubba Ho-Tep, de Don Coscarelli, 2002.
99. Hellzapoppin, de Henry C. Potter, 1941.
100. La Poupée (Die Puppe), d’Ernst Lubitsch, 1919.
101. Playtime, de Jacques Tati, 1967.
102. Le Sadique (The Sadist), de James Landis, 1963.
103. Persona, d’Ingmar Bergman, 1966.
104. Dead Sushi, de Noboru Iguchi, 2012.
105. Le Dernier Rivage (On the Beach), de Stanley Kramer, 1959.
106. Mad Max : Fury Road, de George Miller, 2015.
107. Malevil, de Christian de Chalonge, 1980.
108. La Nuit américaine, de François Truffaut, 1973.
109. Jennifer 8, de Bruce Robinson, 1992.
110. Crash, de David Cronenberg, 1996.
111. Les Autres, d’Alejandro Amenabar, 2001.
112. Belle de jour, de Luis Bunuel, 1966.
113. Les Maîtres de l’univers, de Gary Goddard, 1987.
114. La Passion de Jeanne d’Arc, de Carl Theodor Dreyer, 1927.
115. Frankenstein Junior, de Mel Brooks, 1974.
116. Adieu au langage, de Jean-Luc Godard, 2014.

Des Oscars, on ne sait pas. Mais impossible de passer à côté de sa performance dans Grand Central, où, aux côtés d’Olivier Gourmet, les seconds rôles prennent leur revanche et volent la vedette au couple star Léa Seydoux-Tahar Rahim. Des seconds rôles qui rendent ses lettres de noblesse à un cinéma français qui ne se contente pas de ses têtes d’affiche bankables mais se préoccupe de construire des personnages complexes et intéressants – dans le cas présent, même plus complexes et intéressants que les premiers rôles. Un emploi auquel Denis Ménochet ne pense pas. Il nous refait l’adage (“Il n’y a pas de premiers rôles et de seconds rôles, il n’y a que des rôles”, dit-on aux César quand il s’agit de remettre le trophée). “Ma partition c’est ça, mon personnage, c’est ça, et j’y vais avec toute la force et tout mon cœur. Et du coup ça sert l’histoire, et c’est ça qui m’intéresse. Je ne me dis jamais ‘Tiens, ça va être un bon second rôle’. Je me dis ‘Ca va être une belle histoire, et je vais aider à la raconter’. Ma motivation, elle est là. Quand j’ai lu le scénario de Grand Central, je voulais vraiment en faire partie, parce qu’il y avait un truc un peu tchekovien très moderne, dans ce théâtre du nucléaire, et qu’il fallait raconter ces gens-là. Avec Olivier Gourmet, on pensait la même chose. On était tous les deux, peut-être dans un second rôle, mais pour nous c’était important de raconter ces gens. Ceux qui sont en première ligne. On était un peu les seigneurs.”

Il est comme ça, Denis Ménochet. Il enchaîne les références littéraires à la seconde (d’Oscar Wilde à Sartre en passant par Maupassant), et il utilise des expressions un peu surannées comme “les seigneurs”. C’est son côté venu d’une autre époque. Celle où les acteurs étaient physiques. “Cette époque revient, c’est peut-être un nouveau cycle. On commence à se dire que le physique, ce n’est plus de faire 1 gramme et d’avoir une mèche devant les yeux”, espère-t-il. Ce qui nous amène à l’autre film qu’il présentait cette année à Cannes – en salles le 23 octobre : Nos héros sont morts ce soir. Un hommage appuyé, en noir et blanc, au cinéma de Jean Gabin et Lino Ventura. L’alliance de la gouaille et du catch. Un rôle taillé pour lui. Grand, lourd, voire, ici, balourd. “Je voulais que ce soit quelqu’un de très gauche, gros, chiant à traîner. Un boulet, quoi”, explique Denis Ménochet pour son rôle de Victor, catcheur duettiste, ex-soldat encore fragile accroché aux basques de Simon (Jean-Pierre Martins). “Il y a Des souris et des hommes, le livre de Steinbeck, avec le personnage de Lenny, quelqu’un de très gros qui ne maîtrise pas sa force et qui se fait complètement guider par son meilleur ami, reprend Denis Ménochet. Ca me parlait par rapport au scénario de David Perrault et au personnage de Victor. Donc j’ai essayé d’être vraiment ce mec. De manger tout le temps, d’être très dépendant de Jean-Pierre pendant le tournage. Enfin c’était pas Daniel Day-Lewis, non plus !” Ce duo, sur le ring, c’est L’Equarrisseur de Belleville et Le Spectre. L’un au masque noir, l’autre au masque blanc. “Il y a une phrase d’Oscar Wilde qui disait ‘Donnez un masque à un homme et il te dira qui il est vraiment’ qui m’a beaucoup parlé au début du tournage. Ce personnage, que je voulais faire un peu pataud, un peu traumatisé, passait à quelque chose d’autre dès qu’il mettait le masque. Bizarrement, sur le tournage aussi. On pense souvent que le masque noir est le mal. Mais le blanc l’est aussi. Quand on a beaucoup de pouvoir, on peut être galvanisé par des conneries, et on s’est tous aperçus de ça pendant le film.”

Dans Grand Central comme dans Nos héros sont morts ce soir, on observe ce décalage, la rencontre de la force et de la fragilité. “Mon travail c’est de mettre de l’humanité – et quand je dis humanité, c’est un grand mot, parce que c’est pour que le public puisse sentir un truc auquel il peut s’identifier. C’est pareil dans la colère ou dans la douceur. C’est quelque chose qui parle aux gens. Ils voient ça comme de la sensibilité, mais en fait c’est la leur qu’ils reflètent.” Et c’est Mélanie Laurent, dans son film Les Adoptés, qui, la première, a filmé Denis Ménochet en homme blessé. “Avant le Tarantino, j’étais soit videur, soit flic, soit pote de videur. Et du coup, Mélanie m’a confié un rôle, pas de jeune premier mais de romantique. Le mec qui perd l’amour de sa vie. C’était un sublime cadeau qu’elle m’a fait. Du coup les gens se sont ensuite dit ‘Ah il peut faire ça, ça marche’. Et c’est le film dont on me parle le plus dans la rue. Et ça, ça fait plaisir.”

Changement de registre pour son prochain film. Denis Ménochet sera aux côtés de Dany Boon et Valérie Bonneton dans Eyjafjallojökull (le 2 octobre) un titre qu’il prononce, de manière assez impressionnante sans aucune hésitation (“Mon frère parle suédois couramment”, explique-t-il, comme si c’était logique). Il y joue “un illuminé qui a une église dans sa caravane. J’ai une barbe avec une croix, des ongles très longs, c’est très bizarre.” Une envie de ne “pas être toujours la même personne”, même si “c’est très casse-gueule”. Casse-gueule ou gueule cassée, en tout cas, elle nous revient bien, sa gueule.
 

Grand Central de Rebecca Zlotowski, avec Léa Seydoux, Tahar Rahim, Olivier Gourmet, Denis Ménochet… France, 2013. Présenté en sélection Un Certain Regard du 66e Festival de Cannes. Sortie le 28 août 2013.
Nos héros sont morts ce soir de David Perrault, avec Denis Ménochet, Jean-Pierre Martins, Constance Dollé… France, 2013. Présenté à la Semaine de la critique du 66 Festival de Cannes. Sortie le 23 octobre 2013.
Eyjafjallojökull de Alexandre Coffre, avec Dany Boon, Valérie Bonneton, Denis Ménochet… France, 2013. Sortie le 2 octobre 2013.

Michael Haneke, pour Aller-retour au-delà

Après les vieux malades et les enfants cruels, Michael tente la passe de trois avec un nouveau projet, centré autour d’enfants morts et de vieux cruels. Il entend par là même explorer la part sombre de l’homme, son rapport à la souffrance et à la violence, en posant les fondements d’une morale nouvelle.

Synopsis
Dans un orphelinat du nord de la Bavière, Edgar (Daniel Auteuil) et Simone (Isabelle Huppert) portent le deuil de deux des pensionnaires dont ils s’occupaient, tués au cours d’une rixe entre enfants. Ils doivent continuer à protéger les vivants, tout en faisant leur deuil. Petit à petit, le couple d’éducateurs se pose la question : peut-on aimer à la fois les victimes et les bourreaux ?
 

Jacques Audiard, pour La Nuit je mens

Ses collaborations avec Tonino Benacquista et Thomas Bidegain ayant fait long feu, c’est Michaël Youn qui a été choisi, à la surprise générale, comme scénariste du nouveau Jacques Audiard. Un tandem risqué, mais révélateur de la nouvelle orientation du réalisateur d’Un prophète, et dans le prolongement du travail de l’auteur de Fatal et Vive la France.

Synopsis
Robert Vert (Mathieu Kassovitz) est le patron d’une boîte de nuit sise aux Champs-Elysées. Elle est fréquentée par la mafia russe. Robert entre en conflit avec son frère Joseph (Romain Duris) et son père Bruno (Niels Arestrup), tous deux policiers, lorsque ceux-ci se rendent compte que le business de Robert l’amène à servir de caution à des trafiquants de drogue qu’ils traquent…
 

Quentin Tarantino, pour Sulla Linea

Kill Bill nous avait permis de constater l’amour de l’ex de Sofia Coppola pour le wu xia pian et le chanbara, Boulevard de la mort rappelait à ceux qui l’ignoraient encore la passion de Quentin pour la série B, et Django Unchained a permis au réalisateur de Pulp Fiction de tourner un western comme il l’entendait, enfin. Avec Sulla Linea, on découvre avec circonspection que Tarantino apprécie également le cinéma des « téléphones blancs », période faste du cinéma italien correspondant à la belle époque du régime mussolinien.

Synopsis
Marco (Samuel L. Jackson) est un carabiniere sans foi ni loi, corrompu et addict à l’huile de ricin (pour les « témoins », par pour son usage personnel). Lors d’une descente dans une fumerie d’opium clandestine, il fait la connaissance de Rita (Uma Thurman), une grande bourgeoise des beaux quartiers de Rome. Marco part en quête d’un téléphone afin de conquérir la belle par le plus moderne des moyens de communication…
 

Thomas Vinterberg, pour Une parenthèse

Vinterberg revient et ça fait du bien. Les amateurs de révélation familiale façon Festen, de drame fraternel manière Submarino ou les thuriféraires d’opprobres populaires en mode La Chasse n’ont qu’à bien se tenir avec Une parenthèse, ou la longue descente aux enfers de notre société en recherche de valeurs.

Synopsis
Lars (Ulrich Thomsen), déçu du tarif proposé par un trafiquant d’organes pour prélever un rein à chacune de ses filles jumelles, décide de prostituer ces deux dernières. Il emmène donc « la prunelle de ses yeux » non loin des chantiers de travaux publics et les installent dans un camping-car afin de pourvoir aux besoins des ouvriers présents non loin de là. Jusqu’au jour où débarque leur mère Sara (Liv Ullman), bien décidée elle aussi à relever les compteurs.
 

Wes Anderson, pour Symétrie m’était contée

Dessin animé, comédies sophistiquées ou hommage à Cousteau : la carrière de Wes Anderson demeure polymorphe. Peu l’attendaient pourtant sur le terrain du documentaire, et pourtant il sera le seul représentant du genre en compétition cette année.

Synopsis
Des grottes de Lascaux au boson de Higgs, des mosaïques de Pompéi à la troisième dimension au cinéma, la recherche de la perfection a accompagné chercheurs et artistes dans leur découvertes. Perspective, photoréalisme, symétrie : Wes Anderson enquête sur tous les aspects du lissage dans l’art et la science et s’auto-diagnostique par là même dans sa névrose obsessionnelle.
 

Hong Sang-soo, pour L’Hôtel du Rivage

Hong Sang-soo est un auteur. Il signe une œuvre, tel un Truffaut coréen, suivant inlassablement un même personnage, un même décorum, creusant ainsi son interrogation autour de la mystérieuse vie de l’homme et de la femme. Après Woman on the Beach, In Antoher Country, ou le bien nommé Ha Ha Ha, Hong Sang-soo revient à la plage.

Synopsis
Un écrivain, réalisateur, universitaire, se trouve dans une bourgade de bord de mer, alors qu’il doit donner une conférence non loin de là. Au cours d’un échange burlesque de chambres d’hôtel, il rencontre une intrigante jeune femme, enthousiaste et capricieuse, qu’il ne cessera de croiser par hasard. Troublé, il ne peut s’empêcher de penser à celle qui l’attend à Séoul, questionnant les notions d’engagement, de séduction et de marivaudage, en compagnie d’un marin désabusé et de litres de bière et d’alcool de riz…

 
Alors, impatients ? A bientôt pour le reste de la sélection 2014 !

Quel plaisir de relire, sur grand écran, l’inscription “A film by Quentin Tarantino” , à la typographie colorée, quand on sait tout ce que cela implique. Voyages temporels à travers les icônes, pléthore de décalages, référentiel plus ou moins fracassant, déclaration d’amour au médium, et, à travers le caractère parfois explicite du flash-back cinéphile… la fonction puissamment évocatrice de cette orgie de pop culture.

Il suffit de deux pas pour passer d’une porte à une autre, d’une fantasmagorie à une autre, tout comme Butch, boxeur à la figure de last action hero, qui s’empare d’un sabre majestueux pour se la jouer Chambara. Ce microcosme qu’est le monde tarantinien s’impose depuis toujours comme cette fornication des genres et des fantasmes, des braqueurs à la manque aux intrigues pulp, de la blaxploitation à la nazisploitation, en passant par le gros son des bagnoles prêtes pour une énième course à la mort de l’an 2000.

Djangoooo en est le prototype parfait : regardez avec quelle fluidité narrative l’univers et les influences de son auteur s’y épousent ! Sous nos yeux, l’imagerie black (des stéréotypes raciaux au bon gros rap US) entre en contact avec le western (genre auto-réflexif par excellence), la torture façon Reservoir Dogs et le groove de Jackie Brown y retentissent le temps d’un instant, les chevaux traversent les paysages de Jeremiah Johnson comme autant de rêveries cinéphiles, les effets formels comic-books retentissent, et implose le son de la vengeance transcendante chère aux grindhouse movies, l’audace du ciné d’exploitation, l’impact atomique de la catharsis ! Toujours avec cette fusion atypique entre bigger than life prodigieux (Kill Bill) et émouvante humanité (Kill Bill 2). Forcément… sans quoi, Django, le personnage, ne serait qu’un coup de coude complice, dérisoire, quasiment cynique : s’attacher à Django c’est concevoir, et vivre, peu à peu, son évolution essentielle.

Imagerie, fusion, melting-pot culturel ? Si cela ne pouvait se résumer qu’en ces termes, ce serait trop beau ! Adepte d’un altruisme précieux, où le plaisir se ressent autant dans la conception de l’œuvre que dans la salle, Tarantino est aussi ce féru incurable d’histoires, ces petits trucs immortels inséparables de l’Histoire (avec un grand h cette fois). Plus que de se faire exploser en morceaux par le personnage qu’il a lui-même créé, lors d’un savoureux caméo, poussant jusqu’au gag la logique postmoderne, ce bon vieux Quentin, derrière ses songes sanglants de drive-in, en revient à la source de ses influences. A l’origine !

L’ex-dentiste conte à son Freeman l’histoire de Siegfried… au coin du feu. Un esclave combattant se nomme D’Artagnan. Le perfect nigger doit porter le doux blaze d’Hercule Noir. En fin de métrage, le chasseur de primes black, avec éloquence, résume son épopée à deux rednecks attentifs, épopée à la progression aussi folle que véridique, récapitulation époustouflante et progressive propre à la culture populaire. Tout nous dépose au Commencement : le mythe. Sa puissance métaphorique, son statut hénaurme, la manière dont l’oralité assure sa diffusion pour la postérité ! En créant un Héros, victorieux et vulnérable, allant du trou de l’anonymat aux fantasmes plus grands que la vie propres à l’icône, Tarantino achève son parcours de raconteur passionné : la gâchette la plus rapide de l’Ouest personnalise la conscience afro et le retour aux mythes. Le panel de vignettes “déjà-vu” balancées de-ci de-là laisse la place à la pure création d’un véritable mythe de cinéma.

Et c’est en cela que Django Unchained dépasse, et de loin, les stupides polémiques politiques “Spike Lee approved” qu’il a engendrées. Bien loin de ces esprits vieillards, Quentin ose même l’anachronisme (ce gun fight avec du Tupac en fond sonore !).

Le mythe, c’est donc ce qui pirate éternellement notre Histoire, de traumatisme en traumatisme, afin de la réécrire en permanence par sa supériorité imaginative et allégorique, avec tout ce que cela implique de parcours, de justice, de souffrance, de nemesis, et de complexité dans la simplicité. Pour s’en rendre compte, il n’est pas utile de sorti la Dolorean, afin d’aller écouter les aèdes des temps jadis : il suffit simplement d’aller voir ce sommet de fun qu’est Django Unchained, un récit universel fécondé par la caboche d’un réalisateur aux influences multiples et précises.

Comme le prophétise Stephen, le nom de Django promet d’être diffusé abondamment, confirmant le statut désormais célèbre de ce patronyme, risquant d’être autant estimé que celui d’Achille :

“I got a name, I got a name…” chante, à juste titre, Jim Croce…

 
Django Unchained de Quentin Tarantino, avec Jamie Foxx, Christoph Waltz, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson, Kerry Washington… Etats-Unis, 2012. Sortie le 16 janvier 2013.

Récupéré et transposé au cinéma, le mexican standoff est devenu l’une des figures de style les plus jubilatoires du film d’action, donnant lieu à bon nombre de “rencontres” épineuses inoubliables. Du genre A qui menace B et C qui menace A. Ou A qui menace B qui menace C qui menace A. Et c’est là que D et E arrivent et… bref, vous avez compris. Trois étant le nombre de protagonistes minimum reconnu pour une bonne “impasse mexicaine” réglementaire. Mais ça peut marcher aussi à deux et, inversement, certains réalisateurs ne se sont pas privés pour gonfler les effectifs : ainsi dans le troisième volet de la trilogie Matrix, The Matrix Revolutions, les Wachowski nous avaient-ils concocté une joyeuse “impasse” impliquant plus d’une dizaine de personnages.

Parmi les mexican standoffs à retenir, on pourrait citer la plupart des séries B, Tueurs nés d’Oliver Stone, Battle Royale de Kinji Fukasaku (dont l’intégralité du film pourrait être considérée comme une “impasse mexicaine”), Munich de Steven Spielberg ou plus récemment Pirates des Caraïbes : le secret du coffre maudit de Gore Verbinski et Transformers 3 : la face cachée de la Lune, signé Michael Bay.

Mais qui dit mexican standoff dit Sergio Leone bien sûr avec Le Bon, la Brute et le Truand. Blondin, Sentenza et Tuco, tous les trois réunis dans le cimetière de Sad Hill pour en découdre une bonne fois pour toutes dans un final éblouissant. La caméra titillant nos nerfs en passant d’un personnage à l’autre, en décortiquant chaque regard, chaque patte-d’oie plissée, chaque frémissement de narine, chaque tremblement de phalange. Le tout enrobé du lyrisme musical de Morricone. Toute la tension de cette séquence tient au fait que, contrairement au duel où le premier à dégainer a souvent l’avantage, la stratégie consiste plutôt ici à attendre de voir l’autre craquer et dévoiler son jeu. Une attente que Leone avait parfaitement su exploiter et transmettre au spectateur.

 
On pense également à Quentin Tarantino, chez qui le mexican standoff est devenu une véritable marque de fabrique. De Reservoir Dogs à Inglourious Basterds en passant par True Romance (réalisé par Tony Scott mais scénarisé par Tarantino) et Pulp Fiction.

 
Tarantino est passé maître dans la mise en scène de ces moments de nervosité extrême, prenant d’ailleurs souvent un malin plaisir à jouer sur les registres en habillant ses “impasses” avec quelques-unes de ses lignes de dialogues totalement improbables.

[Pulp Fiction – Séquence de la tentative de hold-up dans un restaurant : Jules (Samuel L. Jackson), d'un ton calme et maîtrisé, s'efforce de calmer Yolanda, aka Honey Bunny (Amanda Plummer). Pendant ce temps, Vincent (John Travolta) tient en joue Ringo, aka Pumpkin (Tim Roth) :]

Jules : Ecoute Yolanda, on va pas faire de bêtises, hein ?
Yolanda : Non, non le tue pas…
Jules : Personne ne tuera personne. On va se comporter tous les trois comme Fonzie… Et comment il est Fonzie ?
Yolanda : …
Jules : Allez Yolanda, dis-moi comment il est Fonzie !
Yolanda : Il est cool.
Jules : J’ENTENDS PAS !
Yolanda : Cool…
Jules : Gracias mucho ! Alors on va faire tous les trois comme lui, on est super cool !

 
Dans Inglourious Basterds, Tarantino va même jusqu’à donner une définition par l’exemple de ce qu’est un mexican standoff à travers la bouche de l’un de ses personnages, le lieutenant Aldo Raine, incarné par Brad Pitt, qui s’efforce de passer un marché avec un soldat allemand :

“You got guns on us. You decide to shoot, we’re dead. Up top, they got grenades. They drop them down here, you’re dead. That’s a mexican standoff, and that was not the deal. No trust, no deal.”

(“Tu as des armes pointées sur nous. Tu décides de tirer, nous sommes morts. Là-haut, ils ont des grenades. Ils les balancent en bas, tu es mort. C’est une “impasse mexicaine” et ce n’était pas le marché. Pas de confiance, pas de marché.”)

Mais cette passion pour le mexican standoff, Quentin Tarantino la doit à un autre aficionado : l’inévitable John Woo. Avec The Killer, son chef-d’œuvre, Une balle dans la tête ou encore A toute épreuve, le réalisateur chinois fait office de référence absolue en matière de gunfight. A tel point qu’on parle parfois de John Woo standoff.