Du 12 au 19 décembre 2015, c’est la septième édition du Festival de cinéma européen des Arcs. Ou comment voir une pléiade de films tout en taquinant les pistes de ski. Un rendez-vous de plus en plus plébiscité qui fait le plein de nouveautés cette année. 

Pour cette nouvelle édition, plus de 120 films ont été sélectionnés et dix d’entre eux sont en compétition pour tenter de décrocher la Flèche de cristal qui avait été décernée l’an dernier au film russe The Fool. Le nouveau jury, présidé par Claire Denis aura donc fort à faire, notamment avec la programmation de films très attendus comme A Bigger Splash avec Tilda Swinton, Ralph Fiennes et Matthias Schoenaerts ou encore Peur de rien avec Vincent Lacoste.

Avant-premières, concerts électro, compétition de ski, quiz ciné, projections de courts-métrages (dont certains en compétition sous le jury de Louis-Do de Lencquesaing), projections dans un igloo sont au programme de ce rendez-vous qui mettra également en relation plus de 350 professionnels du cinéma européen. Le plein de nouveautés se retrouvera au cœur de l’InterActive Village où le public est invité à découvrir des expériences uniques au monde, muni d’un casque de réalité virtuelle. L’expérience “The Machine to Be Another” vous permettra de voir à travers les yeux d’une autre personne, tandis qu’un drive-in à 360° en Jaguar vous attendra en plein milieu des montagnes, à plus de 2 600 mètres d’altitude. Enfin, vous pourrez vivre le festival de chez vous à travers le Live 360° des Arcs qui vous téléportera littéralement sur les pistes de ski et vous fera vivre en direct les différents événements prévus. Alors, en piste ?

» Plus d’infos sur le site du Festival des Arcs

Joachim Trier avait déjà gravi les marches du Festival de Cannes en section Un Certain Regard en 2011 pour le très sombre et réussi Oslo, 31 août. Le nom du cinéaste norvégien, alors quasiment inconnu, n’avait pas tardé à circuler et à devenir l’étendard d’un cinéma scandinave en pleine renaissance. Ce n’est donc une surprise pour personne de voir Trier présenter de nouveau à Cannes, directement en Compétition officielle, ce Plus fort que les bombes très attendu.

Pour l’occasion et pour multiplier les chances du film à l’international, c’est en anglais cette fois que le cinéaste tourne, avec un casting de haut vol : Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne, Isabelle Huppert, et un petit nouveau à surveiller de près qu’on pourrait croire tout droit sorti d’un Sofia Coppola, Devin Druid. Plus fort que les bombes nous entraîne dans le sillage d’une famille décomposée depuis la mort de la mère, Isabelle, laissant mari et fils – au pluriel – seuls dans le tourbillon de l’éducation. Même si, avec une mère photoreporter plus souvent à parcourir le monde qu’à la maison, l’éducation avait foiré depuis longtemps, les câlins et les confidences cédant la place aux non-dits et aux mensonges.

Davantage intéressé par le portrait en puzzle d’un foyer endeuillé que par le pseudo-secret qui entoure la mort d’Isabelle, Joachim Trier livre un film élégant et intelligent, procédant par petites touches pour raconter le passé et les craintes conséquentes du présent. Mais à part quelques séquences oniriques bien pensées, l’ensemble reste très sage, prenant peu de risques, révélant peu d’originalité. Sur le mode du récit en mosaïque, le Portrait d’une enfant déchue de Jerry Schatzberg ou Incendie de Denis Villeneuve s’enfonçaient bien plus loin et imprimaient nos rétines bien plus durablement. Plus fort que les bombes, mais un peu timide.

 
Plus fort que les bombes (Louder than Bombs) de Joachim Trier, avec Isabelle Huppert, Jesse Eisenberg, Gabriel Byrne, Devin Druid, Amy Ryan… Allemagne, France, Etats-Unis, 2014. Présenté en compétition au 68e Festival de Cannes.

 
L’Epreuve (Tusen ganger god natt) d’Erik Poppe , avec Juliette Binoche, Nikolaj Coster-Waldau, Lauryn Canny… Norvège, Irlande, Suède, 2013. Sortie le 6 mai 2015.

 
Les Optimistes de Gunhild Weshagen Magnor. Norvège, 2014. Sortie le 29 avril 2015.

Deux périodes qui sont encore des « sujets » en Allemagne, des périodes douloureuses et complexes que la production cinématographique traite aujourd’hui de manière sérieuse mais sans se refuser le caractère feuilletonesque et hautement romanesque qu’on peut y trouver en matière d’histoires.

D’une vie à l’autre s’inscrit déjà de par son titre dans cette mouvance (une variation sur La vie des autres, en V.O. le film s’intitule Zwei Leben, c’est-à-dire “deux vies”). Basé sur les expérimentations entreprises dans le cadre du projet Lebensborn, qui avait pour objectif de maintenir la race aryenne en enlevant les enfants nés des unions entre des femmes norvégiennes et des soldats allemands pour les éduquer dans des orphelinats spéciaux. Eugénisme, quand tu nous tiens… Fruit de ces expérimentations, Katrin a réussi à fuir la RDA pour s’installer auprès de sa mère en Norvège, et se retrouve confrontée à ce lourd passé quand un jeune avocat allemand tente de faire valoir les droits de ces « enfants de la honte » devant un tribunal international. Mais elle refuse de témoigner, le début d’une spirale infernale… De révélations en révélations, elle voit sa vie lentement lui échapper, son passé trouble ressurgit et menace de tout anéantir.

On ne peut pas reprocher au film de Georg Maas de manquer de ressorts dramatiques. Il exploite à merveille les failles de l’Histoire et dessine un personnage principal magnifique. Torturée, ambivalente et pourtant femme aimante et mère dévouée, Katrin est le pilier de ce film. Son interprète, Juliane Köhler, rend parfaitement les deux existences (les fameuses “deux vies”) de cette femme aux deux visages, deux trajectoires qui ne peuvent coexister plus longtemps au fur et à mesure que la vérité fait surface. Mensonges, trahisons et non-dits s’accumulent, plus le jeune avocat persiste à la vouloir faire témoigner, plus Katrin est poussée dans ses retranchements, jusqu’à refaire face aux démons d’antan. Il serait dommage de trop en dévoiler, tant le film joue sur cette histoire personnelle qui se décompose alors que l’Histoire se révèle.

La mise en scène tout en retenue classique magnifie les visages et les décors, faisant ainsi de la Norvège un cadre à la beauté sauvage et idyllique très intéressant. Les acteurs sont justes et revoir Liv Ullmann dans un très beau rôle est un vrai plaisir. Seul reproche : le film manque d’émotions. Hésitant entre le thriller assez « froid » et le romanesque, le film n’a pas la force de son illustre prédécesseur La Vie des autres. On ne reste pas indifférent à cette histoire tragique mais on ne l’investit pas avec la même ferveur. Volontaire ou non, cette froideur très nordique donne un petit goût d’inabouti à un film pourtant très bien mené et parfaitement recommandable.

Peut-être gagnerait-on à le (re)voir en oubliant un peu ces autres films historiques allemands à la force émotionnelle plus marquante. D’une vie à l’autre n’en demeure pas moins une œuvre haletante qui jette une lumière sur des initiatives particulièrement cruelles et inhumaines, preuve que cette période n’a pas fini d’inspirer des histoires pleine de suspense et qui méritent d’être vues par le plus grand nombre de spectateurs possible.

 
D’une vie à l’autre (Zwei Leben) de Georg Maas, avec Juliane Köhler, Liv Ullmann, Sven Nordin… Allemagne, Norvège, 2013. Sortie le 7 mai 2014. Sortie DVD le 4 novembre 2014.

Irlande, 1890. Lors des fêtes de la nuit de la Saint-Jean, la belle Mademoiselle Julie, fille de baron réputée lunatique, descend aux cuisines du château familial pour réclamer une danse au jeune valet de son père. Elle séduit, il résiste, ils tombent ensemble : la nuit se referme autour de leur couple, précipitant une lutte d’amour, de morale et de pouvoir où la survie de l’un réclame la chute de l’autre.

Difficile pourtant de ressentir la fureur de la pièce d’August Strindberg (1888) dans le silence paisible de cette cuisine bien rangée choisie par Liv Ullmann. L’âtre reste froid, les fenêtres laissent entrer une lumière d’après-midi, les cuivres scintillent comme le chignon de Jessica Chastain. Ni cris, ni musique, ni désordre d’un banquet, rien de la folie de cette nuit de la Saint-Jean où Strindberg voulait pourtant que « la lassitude grise et la tête s’échauffe ». Dans ce décor de Vermeer, demoiselle confuse et valet troublé courent avec raideur autour de la table, peinant à transmettre leur rage et leur impuissance.

Jessica Chastain, dont on pouvait espérer un rendu flamboyant du trouble complexe de l’héroïne, livre une performance de souffles courts et de roulements d’yeux sauvée par un moment de grâce au sommet de la tension. Jeu inégal aussi pour Colin Farrell, qui alterne entre soumission et triomphe, s’éloignant du renversement net voulu par Strindberg au cœur de la pièce. L’ensemble crée un effet volatile et sans direction, où l’on comprend les enjeux de la folie féminine et de l’opposition de classe, sans pleinement vivre le dilemme posé à l’héroïne. C’est finalement Samantha Morton, dans le rôle secondaire de la cuisinière fiancée au valet, qui parvient à camper le personnage le plus précis.

Si cette adaptation de la réalisatrice norvégienne montre des choix intéressants, libérant notamment l’héroïne de toute référence à l’éducation donnée par sa mère, c’est souvent le texte même de Strindberg, toujours neuf et puissant, qui vient soutenir le film.

 
Mademoiselle Julie de Liv Ullmann, avec Jessica Chastain, Colin Farrell, Samantha Morton… Norvège, Irlande, 2014. Sortie le 10 septembre 2014.

Alors, comme Robert, Olivier Babinet et Fred Kihn ont choisi de marcher sur les traces de Rintintin et de se lancer dans l’aventure du cinéma. Comme Robert, ils y sont allés avec cette même nonchalance insolente. Le résultat, un road trip illuminé enrobé de musique psychobilly qui nous balade entre cinéma de genre et séries B. Un film sous acide. Un film sous influences où l’on navigue entre l’esthétique de Jarmusch, l’absurde de Lynch et l’humour caustique de Kaurismäki. C’est d’ailleurs Timo Salminen, chef opérateur du cinéaste finlandais, qui s’est chargé de la photographie du film. De grandes étendues, des plans simples et contrastés. Une photographie toujours très humaine. Robert Mitchum est mort, c’est l’odyssée mélancolique de deux loosers à travers l’Europe, direction le Nord. Il y a Franky, un acteur raté à la gueule cassée – fantastique Pablo Nicomedes – et Arsène, son impresario brindezingue incarné par un Olivier Gourmet bien loin de ses habituels frères Dardenne. “Faut faire avec ce qu’on a, même si on n’a pas grand-chose”, lance-t-il à son jeune poulain dépressif. Avec l’énergie du désespoir, il l’entraîne alors dans un périple aux allures de rêve éveillé. Un voyage qui les mènera au-delà du cercle polaire, à la recherche d’un hypothétique réalisateur pour entamer une hypothétique carrière. Une fuite en avant vers le grand nulle part. Vers le rien où ils espèrent trouver tout. Comme un collage artistique en hommage à la mythologie de la culture américaine des années 1960-1970, Robert Mitchum est mort apparaît comme le manifeste d’un cinéma insaisissable à la poésie étrange. Sorte de projection de l’esprit à peine mise en forme, comme un enfant jetterait sur sa feuille blanche des formes et des couleurs, sans cohérence apparente, si ce n’est celle de faire quelque chose de beau.

Robert Mitchum est mort, d’Olivier Babinet et Fred Kihn. France, Belgique, Pologne, Norvège, 2010. En salle le 13 avril 2011.